HUNCHES - LEPER PARADE 7"

The Hunches - Leper Parade 7"
(Dusty Medical Records, 2006)

1-Leper Parade
2-Pinwheel Spins

Aquí.

ENTREVISTA CON CARL BARKS

Entrevista con Carl Barks.

Disneyland Paris, 7 de Julio de 1994.
Realizada por Sébastien Durand y Didier Ghez.
Traducción de Frog2000

Sébastien Durand: Es la primera vez que viajas fuera de EE.UU. Has estado por muchos países. ¿Cuántos son los que has visitado hasta la fecha?.

Carl Barks: Este es el noveno.

SD: ¿Y todavía tienes que visitar algún otro?

CB: Sí, me quedan algunos más: Holanda e Inglaterra.

SD: Creo que no tenías pasaporte para poder salir de EE.UU.

CB: Bueno, nunca había tenido que usar un pasaporte antes y los documentos se registraban y guardaban en otra área más al oeste de la granja donde yo nací. Las personas vivían a mucha distancia unas de otras y creo que mi nacimiento llegó a oídos de un médico que se encontraba a cinco kilómetros de la granja. Respecto a si mi nacimiento se documentó o no... no había un lugar para documentarlo, porque la Administración del Condado no estaba muy organizada en aquellos tiempos. Así que en cuanto he conseguido mi seguridad social a los 65 años, he tenido que demostrar que yo había nacido en los Estados Unidos. Mi hermano, mayor que yo, fue inscrito obligatoriamente y era capaz de probarlo, ya que fue aceptado como ciudadano estadounidense en 1918.

Cuando iban a dar el aprobado a mi pasaporte, no lo aceptaron. No era una prueba suficiente. Y no recuerdo cuántas cosas hemos tenido que hacer para convencerlos. Me enviaron un montón de preguntas que tuve que responder. De todos modos, finalmente se dieron cuenta que yo había nacido como ciudadano americano. No pudieron demostrar que yo no lo era, así que me dieron mi pasaporte.



SD: ¿Fue tu infancia en esa granja de Oregon la que te inspiró para crear la granja de Grandma Duck?. ¿Has utilizado en tu trabajo tu experiencia viviendo en la granja?.

CB: Sí, en cierto modo. La Granja de la Abuela Pato ya había sido establecida por los editores en otro tebeo. Tenían una revista que se llamaba “Grandma Duck's farm friends”. Y habían establecido los rasgos de una vieja abuela que tenía una granja en el Medio Oeste, y que cultivaba maíz y hacía cosas que eran muy diferentes de las que se hacían en la granja donde yo nací. Podía entender de qué iba aquello, porque sabía lo que hacían los agricultores. Y cuando me llegó el momento de escribir la historias de la Abuela Pato, pude hacerlo de forma muy convincente.

SD: Cuando leíste que el Disney Studio estaba buscando artistas, ¿qué tipo de dibujos les enviaste como ejemplo de tu trabajo?.

CB: Bueno, dibujé mi versión de Blancanieves y los Siete Enanitos. Había leído que estaban trabajando en una película de Blancanieves y los Siete Enanitos. De todos modos, mis personajes no eran muy parecidos a los que Disney había creado pero mis dibujos fueron los más interesantes y tenían un estilo parecido al de Disney y gustaron a la gente que estaba contratando personal, así que me pidieron que fuese para trabajar con ellos.



SD: Empezaste como intercalador entre escenas y más tarde te llevaron al departamento donde se hacían los story-boards. ¿Fue una decisión personal?.

CB: Yo estaba como intercalador con intención de convertirme en animador, al igual que el resto de la gente que estaba allí. Pero también estaba haciendo los chistes y gags de la strip y algunas cosas para el departamento de story-boads, ya que su departamento estaba enviando un pequeño cuestionario con preguntas al resto del Estudio, pidiéndonos cualquier idea que tuviésemos para un historia que tenían en producción. Empecé a vender gags al departamento de story-boards y cuando enviaron el formulario solicitando a todo el estudio ideas para incluir en “Modern Inventions” y una historia que fuese adecuada para el Pato Donald y que incluyese inventos modernos y la reacción de Donald a los mismos. Se me ocurrió el gag del sillón del barbero que se convirtió en el punto culminante de esa animación. También tuve la idea de un robot que fuese el portero y guardia de la exposición.

Walt me dió 50 dólares por el gag y sugirió que me trasladase al departamento de story-boards donde se necesitaban más creadores de gags humorísticos que animadores e intercaladores en el resto del Estudio.

SD: En ese departamento hiciste equipo con Jack Hannah en muchas ocasiones.

CB: Esto fue después de haber estado en el departamento de story-boards durante unos tres años. De hecho, durante casi cuatro años. Jack Hannah era animador. Estaba un poco cansado de la animación y pensó que debía intentar trabajar en mi departamento. Ocurrió que mi compañero Harry Reeves y yo estábamos terminando un par de guiones y Harry estaba intentando promocionarse en otro puesto de trabajo. Así que me encontraba sólo en una de las unidades y cuando Jack Hannah pidió ser transferido al departamento, lo metieron ahí conmigo. No sabía nada de cómo escribir guiones pero sin embargo, sabía mucho sobre la técnica y la forma en que esas historias se podrían animar. Sabía mucho sobre la música y el ritmo y todas esas cosas y yo no, yo podía idear gags y situaciones extrañas para Donald. Pero en cuanto a técnicas y ese tipo de cosas, no tenía conocimientos. Así que Jack Hannah encajó en el trabajo. Hacíamos un buen equipo. Y produjimos unos cuántos buenos cortometrajes.



SD: Creo que terminaste tu primera historia de cómic, Pirate Gold, antes de irte del Estudio ...

CB: Esto es la adaptación de una historia que se dejó en reserva. Era una historia en la que había estado trabajando durante un año, y que trataba de la búsqueda de un tesoro por parte de Mickey, Donald y Goofy. Había algunos piratas involucrados en la búsqueda del cofre del tesoro escondido. La historia nunca pasó del departamento de story-boards. Nos faltaba poco para acabarla. Walt dijo que se dejase a un lado y que tal vez después de la guerra se pudiese acabar y hacer una película.

Parecía un buen material para una historieta. Y entonces ocurrió que un representante de Western Publishing estaba buscando a alguien que dispusiese de un argumento para una historia larga. Se intento probar si funcionaría una historieta larga con Donald, Mickey y todos los demás tipos. Pero no fue así y la historia fue adaptada para que Donald y sus tres sobrinos fuesen en busca del oro de los piratas.

No tuve nada que ver en la escritura del guión. Ya estaba escrito. Fue adaptado por Bob Carp, un escritor de gags para la tira del Pato Donald, la de los periódicos. La trasladó e hizo el argumento para que apareciese en el comic-book. Jack Hannah cogió la mitad de las páginas y yo cogí la otra mitad y lo dibujamos juntos, durante horas. Estuvimos aullándole a la luna (se ríe).



SD: Y entonces, cuando te fuiste del Estudio debido a una enfermedad y te convertiste en un artista famoso, ¿realmente nunca te arrepentiste de haberte marchado?

CB: Nunca me arrepentí de eso. Porque sé que allí habría fracasado. Allí nunca fui ascendido y trabajando por mi cuenta fui capaz de crear buen material. Pienso que uno de los secretos de escribir satisfactoriamente es que el escritor trabaje solo. No creo que Hemingway o Poe o cualquiera de esos chicos escribiesen con un comité delante que les dijese qué es lo que tenían que escribir y les corrigiesen su material. Ellos trabajaban solos. Por esa razón su material es tan bueno.

SD: Eres famoso debido a todos los personajes que creaste como Uncle $crooge (Tío Gilito), o Gyro Gearloose (Ungenio Tarconi). Sabemos que Disney se involucraba mucho en la animación pero ¿te dijo algo en alguna ocasión sobre esos personajes que habías creado sin preguntarle?

CB: No sé si alguna vez le preguntaron lo que pensaba de esas historietas. Nunca me comentó nada. Nunca nadie del Estudio Disney me comentó nada, a menos que los comentarios llegasen a las oficinas de la editorial Western Publishing como rumor. Incluso no sé si alguien en Disney se estaba leyendo esas historias.

SD: Pero después de todo tuvieron que leerlas porque te las copiaron.

CB: En los últimos años me han dado crédito por bastante material y me han tratado como si yo hubiera hecho un gran favor al Estudio al inventar esos personajes.



SD: Entre todos los personajes que has creado, Uncle $crooge es el más famoso. ¿Es tu favorito o te gustan más otros personajes?

CB: Bien, por supuesto, podría decir que Donald debería ser mi personaje favorito y supongo que es así. Porque él era el nexo que arrastraba a Uncle $crooge y a todos los demás personajes. Pero Uncle $crooge es un buen personaje y estoy orgulloso de haber tenido la oportunidad de inventarlo y también me enorgullecen muchos de los otros personajes que he inventado, como Gyro Gearloose, el inventor loco.
Leí recientemente algunas de las historias que escribí para Gyro y sonreí pensando: ¿cómo demonios pude idear ese montón de alocado material?.

SD: También has creado los maravillosos villanos The Beagle Boys (Los Apandadores) o a Magica de Spell. Te interesan mucho los patos en la medida en que, excepto en unas pocas ocasiones, todos tus personajes son patos.

CB: Eso fue porque fui contratado para dibujar los cómics de Patos. No iba a utilizar a un grupo de personajes totalmente nuevos porque no quería. No me iba a apropiar de un grupo totalmente nuevo de personajes de otro tipo, porque no quería realizar las tiras de Mickey o las tiras de Goofy. Ellos ya tenían sus propios cómics. El mismísimo Pluto tenía sus propios cómics y no iba a esquilmar esos tebeos para aprovechar sus personajes. Acababa de inventar los míos y los mantuve bastante bien identificados y todos los personajes de DuckBurg (Patoburgo) estaban asociados a Donald de alguna forma. Pero no me apegué únicamente a los patos. Gyro es un pollo, los Beagle Boys son perros y tenían compañeros con cara de cerdo. Había más variedad que la que podías encontrar en otras historietas.

SD: Como escritor o dibujante, eres dueño de tu arte. Cuando dibujabas esos comics, sabías que otras personas podían usar los mismo personajes. ¿Cuál es tu reacción?, ¿Qué es para ti ver a otra gente dibujando a Uncle $crooge o Donald Duck ?

CB: Bueno, tenía la esperanza de que realizarían un buen trabajo y que se respetaría el personaje. Sé de algunos casos en los que alguien ha mostrado a Uncle $crooge como un viejo avaro y fanfarrón con un coche lujoso, dando vueltas por ahí y haciendo alarde de su dinero. No estoy de acuerdo con esa visión. Creo que Uncle $crooge es un viejo tacaño. En algunas ocasiones tenía un coche lujoso pero lo usaba para algún propósito concreto.



SD: Has escrito una nueva historia que será publicada pronto (Horsing Around with History). ¿Elegiste al artista que la dibujó?

CB: Sí, elegí a Bill Van Horn para dibujarla, vive en Vancouver. Su estilo de dibujo es muy del estilo de Disney. Se parece un poco a mi propio estilo y su forma de poner las cosas en escena también. Acabo de escribir el guión con una máquina de escribir y he realizado algunos esbozos y tengo la sensación de que Bill sabe lo que quiero hacer. Leyó el argumento y vino con un sketch clavado a lo que yo tenía en la cabeza.

SD: Cuando te llegaron sus dibujos, ¿te resististe a la hora de corregir algunas cosas?

CB: Había muy pocas cosas que corregir. Revisamos a conciencia sus dibujos a lápiz. Lo miramos todo una primera vez, antes de que dijera “ Bueno, tengo que corregir algunos detalles”. Así que volví atrás y observé dos o tres pequeñas situaciones que requerían unos pocos cambios. Podría haberlo dejado y haber hecho una historia exitosa sin mis correcciones. El es así de bueno interpretando lo que yo quería.

SD: ¿Cuáles son los artistas actuales de Disney que consideras que poseen la misma sensibilidad con la que tú trabajabas con los personajes? Van Horn es uno de ellos, pero ¿cuáles son los otros?

CB: Están los chicos italianos y algunos de los que trabajan para Egmont. Son artistas maravillosos. Están haciendo mejores dibujos de los patos y de otros personajes Disney de los que yo fui capaz de hacer. Por ejemplo, durante años Daan Jippes ha sido muy bueno haciendo el estilo Disney. Vicar, que es de Chile, es excelente y algunos de los dibujantes de los países nórdicos y de ahí abajo, en España. Esos chicos son artistas excelentes.

SD: ¿Y qué opines de un artista americano como Don Rosa ?

CB: Don Rosa tiene un estilo que es un poco diferente del estilo Disney. Sé que hay una gran cantidad de personas a las que les gusta ese estilo, que es muy detallado. Así que hay espacio en el negocio para artistas como Don Rosa y para otros como Van Horn. Tienen un estilo diferente. Pero si disponen de una buena historia y saben contarla, entonces gustarán a la gente



SD: En tu opinión, ¿el guión es la parte más importante en una historia?

CB: Oh, sí.

SD: ¿Y todas tus historias las escribes solo?

CB: De vez en cuando alguien me sugiere una historia. Incluso he comprado la idea de alguien alguna vez. Me comentaban: "¿Por qué no escribes una historia en la que Donald le da a Gladstone (Narciso Bello) un mapa del tesoro y le envía a realizar algún viaje peligroso?". Bueno, yo compré esa pequeña sugerencia a alguno de mis amigos. Todo lo que necesitaba eran unas pocas palabras o algo así para arrancar y luego ya hacía el resto de los elementos del guión.

De las 500 historias que escribí, había unas diez de las mismas que se hicieron a partir de las sugerencias de otra persona.



SD: Cuando paraste de escribir y dibujar historietas, empezaste una carrera como pintor. Ahora, has dibujado una nueva historia. ¿Por qué esperaste tanto tiempo para dibujar una nueva historia y por qué elegiste esa historia concreta después de que hayan pasado tantos años?

CB: No pude escapar de todos esos tipos que querían más historias escritas por mí. Me pillaron al fin.

SD: ¿De qué va “Horsing Around with History”?

CB: Es sobre la búsqueda de un rarísimo tesoro por parte de Uncle $crooge. Encuentra el Caballo de Troya original. Y estoy hablando del ORIGINAL, no de una imitación. Encuentra el tesoro más valioso del mundo y se lo lleva a su depósito de dinero.

SD: ¿Te apetece escribir otra historia más?

CB: Realmente espero no tener que escribir ninguna otra. Aunque me tienta intentarlo de nuevo. La gente me pide que escriba más historias. Me es difícil mantener a raya a la gente. Pero sé que es un arduo trabajo escribir las historias entre dos. Otra cosa es que sé que cualquier historia que escriba será examinada y criticada por todos en todo el mundo, y si no tiene una calidad excelente, van a decir: “Bueno, aquí está ese viejo con el truco del regreso, está tratando de ganar más dinero gracias a su reputación. Ya no puede escribir tan bien y estamos pagándole por esa basura.”

SD: Después de todos estos años, cuéntame un pequeño secreto: ¿eres tan rico como Uncle $crooge?

CB: Unicamente en los últimos dos años, he ganado el dinero suficiente como para salir adelante con los impuestos. Nunca he ganado más dinero que un carpintero o un fontanero. Sólo en los últimos dos o tres años he superado el nivel medio de ingresos y sólo porque he estado haciendo esas litografías y porque se venden a un precio alto.



Didier Ghez: ¿Puedes decirme cuál ha sido tu momento favorito como artista de Disney?

CB: Apenas tengo anécdotas porque no he estado rodeado de las suficientes personas como para desarrollar alguna. Pero te puedo decir que Walt era un hombre maravilloso con el que trabajar y nos ayudó en algunas de las historias de animación que hicimos. Y cada vez que nos reuníamos para tratar alguna de las historias, era muy paciente con nuestros esfuerzos intentando convencerlo de que teníamos una buena historia. Y él nos dejaba argumentar algunos de los elementos de la historia. Y durante esas charlas, siempre nos dejaba decir la última palabra: "¡Sí, Walt!" (risas)

SD: Entre todas las historias que escribiste, ¿cuáles son tus favoritas?

CB: Creo que una de las mejores fue la de los huevos cuadrados y entre las más divertidas está una pequeña historia de diez páginas donde Donald intenta criar gallinas y almacena algunos huevos y empiezan a pasar un montón de cosas. Otra es una historia de diez páginas de Donald, donde empieza a quejarse de todo el ruido que hacen todas las cosas y se marcha a buscar un lugar tranquilo y no está satisfecho hasta que no hay silencio absoluto a su alrededor. Recorre todo el mundo para evitar cualquier tipo de ruido. Otra historia que me gusta de las que escribí se llama In Old California, donde Donald y los niños se van atrás en el tiempo hasta la época de la fiebre del oro. Había un montón de cosas sentimentales y simpáticas en ella. No era una historia divertida. Estaba basada en el pathos. Otra que también me gusta de las que escribí en los sesenta fue la de Micro Ducks From Outer Space.

SD y la DG: Muchas gracias, Carl.

Nota: actualmente en nuestro país, el material Disney lo está publicando Planeta deAgostini. El año pasado empezó con la edición de los treinta volúmenes de "The Collected Works Of Carl Barks" con el nombre de Biblioteca Carl Barks. En los tres primeros tomos se intuía lo que estaba por llegar, pero en el número más reciente, el cuarto, se observa perfectamente por qué el autor de Oregon se ganó el sobrenombre de "Rey de los Patos".

Más información.

HUNCHES - DANCE ALONE 7"

THE HUNCHES - Dance Alone 7"
(Flying Bomb Records, 2004)

1-Mind Fuck Blues
2-Shake That Thing
3-Dance Alone

Aquí.

HUNCHES - FUCK DISCO BEATS 7"

THE HUNCHES - Fuck Disco Beats 7"
(In The Red, 2004)

1-Fuck Disco Beats
2-When I Became You
3-Jakob's Voices

Aquí.

HUNCHES - GOT SOME HATE 7"

THE HUNCHES - Got Some Hate 7"
(In The Red, 2002)

1-Got Some Hate
2-Lost Time Frequency

Aquí.

LA MUSICA MAS RARA DEL MUNDO

LA MUSICA MAS RARA DEL MUNDO ya a la venta. Otro fanzine tan necesario como "Hipnotismo Pop" de Bruno Lafoux.

Más información por aquí.

A la venta por 7 piastras (y te regalan un CD con 166 canciones) en Madrid Cómics o en Arrebato Libros.

Cómprelo ahora o búsquelo en el futuro como alma en pena.

MC SPIDER

Gracias a La Cárcel de Papel llego a este lugar.

RESUBIDO: SCREWS Presents 12 New Hate-Filled Classics

The Screws (In The Red, 1999)

1-Into The Ground
2-You're Just A Bum
3-Jesse Lee (Frank Zappa)
4-Kill Someone You Hate (Redd Kross)
5-Valley
6-Transistor
7-Can't Get Arrested
8-I Hate Music (The Mad)
9-Collector Scum
10-Zulu Lulu
11-Your Face
12-I Wanna Go Shopping

Información.

Aquí.

UNA LISTA PARA VICENTE

No entiendo cómo se le puede recomendar a una persona (en este caso al Sr. Vicente Molina Foix), que tan claramente desconoce el tebeo y todo lo relacionado con el tebeo, la lectura de obras como Maus, Caricatura o Watchmen.

Yo no empecé leyendo libros como "Escupiré sobre vuestra tumba" cuando era un chaval porque no se construye la casa por el tejado; lo mío era "El Rey de Katoren".

Por eso, las obras que debe leer el Sr. Vicente Molina Foix para introducirse hasta las orejas en el mundillo de la historieta deben ser más acordes con la habilidad perceptora de una persona que descubre por primera (o segunda) vez dicha rama del arte y que tan difícilmente comprensible parece parecerle. En realidad, puede ser un redescubrimiento de lo que él mismo reconoce que le producía un primario placer cuando era un niño.

En este caso yo le recomiendo al Sr. Vicente Molina Foix el listado que amablemente le pongo un poco más abajo, pero a poco que busque en mercadillos de segunda mano podrá conseguir otros ejemplares quizá más de su gusto. Y ahorrará un dinerillo, nada descartable con los tiempos que corren.

Una aclaración: por favor, que el Sr. Vicente Molina Foix no haga caso de los rótulos de "Para Adultos" que se pueden ver en alguna de las portadas de estos tebeos, despistan como bellacos.

VICENTE MOLINA FOIX

Director de una película con el estilaco de Ed Wood, por lo que dicen los que la han visto y "escribidor" de columnas y algún librito. Un grande.

BONUS: en el enorme (en más de un sentido) blog de Molina Foix están arreciando los comentarios de incomprensión. No me resisto a copiar y pegar el que más me ha hecho reír con la idea de preservarlo para siempre en ese olvidadizo sindiós llamado la red de redes.
Sin más les dejo con la clarividente e irónica Señora Leox:

"Sr. Foix,
Le muestro mi apoyo por ese magnífico artículo de "dibujos animados". Por fin alguien se atreve a decir aquello que tantos de nosotros pensamos: el tebeo no es un arte. En el mejor de los casos una perdida de tiempo para nuestros hijos, cuando no una mala influencia que les aparta del estudio, el deporte y la verdadera cultura; aquella que se puede encontrar en sus novelas, en Ionesco, en la música cacofónica y en el cine victor erice.
Sinceramente no entiendo donde va este país: regalando dinero y prestigio a unos pintamonas, muchos de los cuales no habrán acabado ni el bachillerato. La de obras de teatro serio y libros de poesía intelectual que se podrían subvencionar a poco que esta sociedad se diera cuenta dónde está lo verdaderamente enriquecedor.
No estoy hablando de prohibir, pero sí de que el Estado vele por sus ciudadanos con menos criterio (y por qué no decirlo: con menos capacidad intelectual) marcando límites, difícil en este relativismo que lo impregna todo. Yo como madre hago lo que puedo, nunca ha entrado un tebeo en mi casa.
Al menos sabemos que contamos con Usted


Una madre preocupada y esperanzada"

BONUS 2: y en La Cárcel de Papel también hay una bonita respuesta a la columnilla (porque no es un artículo, como muchos se empeñan en decir).

BONUS 3: en Flora y Fauna aciertan.

BONUS 4: Verbo florido.

BONUS 5:

BOSS HOG: ELLA ES LA JEFA

BOSS HOG: Ella es la Jefa.
Una Entrevista con Cristina Martinez de Boss Hog por Gail Worley (Ink 19, June 2000)

Cristina Martínez expresa preocupación porque su peludo abrigo de lana negra la haga parecer una prostituta, pero yo no lo creo así. Al contrario, la hace poseer un innegable aura de alguien importante, alguien al que quisieras conocer. El abrigo le da un aspecto deslumbrante a la cantante de pelo oscuro de los colegas de New York, Boss Hog, haciendo que parezca lo que es: una estrella del rock. Martínez y su banda –la cuál incluye a su marido desde hace diez años, el guitarrista Jon Spencer (de la Blues Explosion), el bajista Jens Jurgenson, la batería Hollis Queens, y el teclista Mark Boyce -- han estado desaparecidos en combate durante casi cinco años.

Su nuevo CD, White Out, demuestra que Boss Hog ha utilizado su retirada del campo de juego como una oportunidad para reagruparse y volver con una potencia de fuego superior. Después de lanzar su debut con una gran discográfica ( Geffen en 1995) y firmar para hacer frente a un quinto disco, las cosas no salieron según lo planeado. En mitad de la tumultuosa fusión entre Universal y Polygram, Boss Hog fueron expulsados de la compañía, pero se marcharon con el avance completo de lo que hubiera sido su segundo disco y como propietarios de todas sus canciones. Martínez considera que tuvieron suerte. "Nos encontramos en la mejor situación posible", dice. "Yo tenía todas mis canciones y el dinero de adelanto. Llegamos a grabar White Out con Geffen y ahora todo lo que saquemos del disco serán beneficios. De lo contrario, nunca habríamos visto un centavo, porque lo que ganásemos sería para devolver los gastos, y habríamos estado en un sello discográfico de mierda. " En esta ocasión, lo que no les ha destruido los ha hecho más fuertes. White Out es el cuarto CD de Boss Hog en sus diez años de historia. Definitivamente es un buen augurio para su futuro.



En White Out habéis trabajado con una gran cantidad de productores diferentes en vez de con uno sólo, ¿por qué hacerlo de esta manera?

Cuando escribimos las canciones, lo hicimos en dos sesiones. El disco terminó siendo muy diferente estilísticamente. El primer grupo de canciones fue muy New Wave y el segundo grupo acabó sonando mucho más moderno y poppy para nuestro gusto. Pensé que harían falta dos sensibilidades diferentes para hacer frente a este hecho. Mi intención inicial era que sólo hubiese dos productores: Andy Gill y Tore Johanson. Cuando vino Andy Gill, tenía que hacer ocho canciones en unas dos semanas, así que al final de las mismas tuvo que mezclar cuatro canciones en un día o algo así. Era ridículo. Naturalmente, aunque todo estuviese dicho y hecho, algunas de las canciones no estaban terminadas del todo. Entonces tuve que hacer frente al hecho de que me había quedado sin dinero en ese momento y Andy no iba a estar disponible, porque ya estaba ocupado en su próximo proyecto.
Así que básicamente recluté a amigos que viven en Nueva York y que sabían cómo hacer un buen trabajo, así como realizarlo por un bajo coste para fijar un par de mezclas. Terminaron siendo cinco productores en lugar de dos, pero la intención inicial era de tener sólo dos. Tore es el único que en realidad es productor y también es un genio por lo que tiene un gran talento. El resto de ellos son artistas y eso es lo que sabíamos de ellos, ya que producen su propio trabajo. Andy ha producido material de Gang of Four y así es como conocimos su faceta de productor. Respecto a Jim Thirlwell y Roli Mosimann, Wiseblood me han influido enormemente, por eso les conocía. Jim Sclavunos es parte de los Bad Seeds. Por lo tanto, lo que realmente me interesaba era su faceta como músicos.

Sin embargo, ahí tienes algunos grandes nombres...

Sé que parece el Quién es quién de los productores, pero siempre he tenido la idea de tener una canción y dársela a algunos productores y ver quién ha hecho el mejor trabajo para luego partir de ahí. Esto es lo que quería hacer. En lugar de ir a ellos y coger lo que me daban, terminé con un "¡Oh, quizás este podría hacer un buen trabajo". Y funcionó, ya sabes, estoy contenta con el disco. Al final soy como el Productor Ejecutivo - Soy la persona que mantiene la cohesión en todo el conjunto... la que se asegura de que todo suena con sentido.



El disco tiene un sonido retro cohesionado, especialmente gracias a los teclados.

Es curioso, porque es retro-moderno. Utilizamos loops de batería, que es algo que nunca había hecho. No es que quisiéramos realmente usar un loop de batería, pero los productores sí que querían. Yo sólo quería un ritmo constante a través de toda la canción, que es algo que nunca habíamos hecho antes. Escribimos las canciones con ritmos continuados en las versiones de los ensayos y a continuación, para conocimiento de los perfeccionistas, los pusimos en loop a partir de lo que Hollis había tocado. Me encanta que no hubiese ningún problema, ya que se probaron un montón de combinaciones. Había todo tipo de cosas ocurriendo, un ritmo contínuo que era muy parecido al trance, muy hipnótico, terminamos por encerrarnos en él.

Cuando escucho el registro de tu voz, tanto en lo vocal como en lo estilístico, en realidad me recuerda a la primera Blondie. ¿Puedes hacer algún comentario?

Varias personas me lo han dicho y creo que es divertido, porque he de decirte que el primer disco con el que cogí un cepillo como si fuera un micrófono fue el Parallel Lines, uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. Todavía puedo escuchar "Fade Away ..." Todas estas canciones son simplemente geniales. Es tremendamente halagador que me lo comentes. No creo que mi voz se acerque a la voz de Debbie Harry. Su voz es increíble. Si me parezco un poco, es porque la amo. Si crees que te recuerdo a ella, entonces me parece genial.



¿Qué se siente al volver al estudio después de un largo descanso concentrada en ser mamá?

Después de tan larga pausa, estábamos muy contentos de tocar con los demás. Por eso todas las canciones son muy energéticas y pop en el mejor sentido de la palabra. Tienen un montón de energía positiva. Eso está bien. Todo lo que puedo decir de este disco cuando lo escucho ahora es que es tan pop [risas]. Podría haber sido algo espantoso, ya sabes, porque quizás me hubiera censurado en el pasado, pero estaba completamente abrumada por la sensación positiva, por lo divertido que es tocar música. Ha pasado tanto tiempo para mí y yo estaba tan ansiosa por volver y tocar después de dos años de concentrarme totalmente en alguien más, mi hijo... Luego he vuelto y reorientando toda esa energía hacia mi interior y he pensado, "¿Qué es lo que quiero hacer?. ¿Quién soy?, ¿qué es lo que quiero hacer con mi vida?, ¿qué me gusta hacer?".
Sólo tenía un poco de tiempo [señala con dos dedos] para hacer el disco, porque luego tenía que cuidar de mi hijo. Tengo una cantidad muy limitada de tiempo para hacer las cosas. Ahora mi tiempo es mucho más valioso para mí. No es algo que pueda pasar por alto. Estar en una banda es algo que me gusta hacer, que siempre he querido hacer. Pero [antes de que naciera nuestro hijo] era justo lo que estaba haciendo, no me parecía que fuese una elección activa por mi parte. Ahora volver a actuar era algo que quería hacer de verdad y algo por lo que me he esforzado y por lo que he luchado y también algo por lo que sacrificarme, que es un cosa a la que nunca he sido muy dada. Sacrificar el tiempo que paso con mi hijo para hacer esto es algo mentalmente gratificante para mí y me doy cuenta de lo mucho que significa. Me ayuda a ponerlo todo en perspectiva.



Jon y tú habéis estado casados durante mucho tiempo, diez años. Probablemente tenéis el matrimonio de rock n´roll con mayor éxito de todos. ¿Cómo es tocar en un grupo junto con tu marido?. ¿Chocáis creativamente todo el tiempo?.

Oh, por supuesto, absolutamente. Acabo de leer una entrevista con Yo La Tengo y los respeto mucho porque alguien les pregunta: "¿Te importa que la gente os haga preguntas acerca de vuestra relación? Y Ira contesta algo así como, "No, no me importa, siempre y cuando no me digas que 'no es un asunto de negocios." [Risas]. La gente siempre me pregunta por esto, porque es una situación extraña - no ocurre en la mayoría de las bandas. Pero es en lo que piensan. Es parte de todos los estereotipos.
Si hubiera un momento en mi vida que pudiese revivir, sería cuando vi a Jon sobre el escenario y tuvimos esa forma loca de telecomunicación en el mismo instante en la que pensamos "¡esta es la cosa más grande del mundo y yo te amo y esto es muy divertido!". Cada pedazo de mierda que tienes que soportar en el escenario merece la pena por ese momento o cualquier otra situación en cualquier otro sitio -mientras camino por la calle, o en una fiesta, o lo que sea. Ese momento significa más que cualquier otra cosa para mí... y también me desagrada más que ninguna otra cosa tener que decirle a alguien que te encantaría que cerrase la puta boca.

Siempre solías decir que Boss Hog es una banda de punk rock, ¿aún piensas eso?

Por supuesto, siempre. En la ética nosotros somos muy punk rock. No puedo mentir y no decir - hey, estaría bien hacer algo de dinero, así no tendría que hacer nada más. ¿Qué idiota va a decir lo contrario?. Un mentiroso puede ser, pero nadie más. Nosotros no vamos a hacer algo específicamente con ese fin, de ninguna manera. Vamos a hacer lo que realmente nos importa y si alguien nos paga por ello, genial. Yo no tengo ningún problema con hacer dinero. Pero tengo un problema con hacer cualquier cosa en la que no crea. Eso es el punk rock. Eso es hazlo-tú-mismo. Si me voy de Geffen, voy a editar mi disco con un sello indie, ¡sólo quiero mi disco en la calle! Me gusta la música, me encanta tocar y grabar los discos. Donde me permitan hacer esto, ahí estaré.

Después de grabar “Fear for You”, ¿sentiste algún alivio o algún tipo de catarsis?

No, en absoluto.



¿Cuál es la historia detrás de la canción “Itchy & Scratchy"?

Soy una gran fan de Los Simpson pero el nombre de la canción no viene de ahí. Cuando escribí esa canción, hice esa parte de la guitarra rasposa (imita el sonido) en la canción. Seguimos refiriéndose a ella como la canción “scratchy”. Así que la llamé "Itchy & Scratchy" pensando en los dibujos. Luego, cuando comencé a escribir las letras, que fueron en parte escritas y en parte improvisadas, empezó a tomar forma y realmente recordaba a los dos personajes, así que seguí con ese título. A menudo ya tenemos los títulos de las canciones y los cambiamos. De vez en cuando me los guardo. En este caso era un título muy conveniente por lo que se quedó con el mismo.

Muchas veces la gente me dice que trabajan con retrospectiva... una vez que tienen la canción escrita, es cuando deciden el nombre de la misma.

Sí, eso es verdad. Es un trabajo en progreso y, con frecuencia, al final tenemos el título pero a veces no. El CD que hicimos, Cold Hands, donde las canciones son todas nombres de chicos... fue porque en los ensayos dijimos: "Vamos a enumerar diferentes nombres de chicos". Luego las escribimos y les dimos esos títulos. Al final, pensé que era tan gracioso que todas tuviesen esos nombres que los incluí en la canción, y así se quedaron.
[Risas] Así que por eso las canciones eran tan raras, pero en realidad, todas tratan acerca de nuestro estúpido sentido del humor cuando estamos en el local de ensayo. Nos reímos con todo hasta caer de culo. Eso es algo hermoso que tiene Boss Hog y que me hace tan feliz a la hora de tocar con ellos. Jens, Mark, Hollis, Jon y yo tenemos una buena relación. Nos encanta escuchar música y salir, hacer bromas. Eso, para mí, es de lo que trata estar en un grupo, ese sentido de camaradería. Es algo que nunca había sentido. Nunca me sentí especialmente afín a nadie de mi familia. Encontrar que esta es mi familia es muy satisfactorio en todos los sentidos.



Lo que me gusta de la canción "White Out" es que posee un toque cercano al gospel, casi como si estuvieses rezando.

Esa es Hollis. Yo no canto esa parte, tengo que decirte que es Hollis Queens y su voz es increíble. Tiene una gran voz y canta a lo Aretha Franklin como nadie al que haya oído antes. También es una artista de talento en su propia banda, Low High. Allí canta y toca la guitarra.

También la canción "Chocolate" parece una balada de rock en la que tú y Jon os estáis cantando el uno al otro.

Bueno, esa canción es de Jon. Pero supongo que es verdad porque canta "Mi bebé", y supongo que yo soy su bebé (risas). Bueno, pienso en lo que estoy cantando y estoy hablando de cómo él es El Hombre y cómo... lo amo. Sí, es como la canción "I Dig You" del disco. Siempre tiene que haber una. "Creo que eres genial. ¡Te amo!".

Es cool y sin embargo muy funky. Es la canción que más suena a la Blues Explosion.

Bien, eso es porque la canción la escribió Jon en su mayor parte. Esa fue la única realmente, porque es tan simple, fue escrita en el acto. Y creo que ya trajo ese riff, por lo que la canción es más suya. En realidad la mayor parte de los temas surgen de la colaboración entre todos, pero creo que esa canción es un poco más suya. Y "Jaguar", la escribió Mark Boyce [teclista].

¿Qué es lo que sientes que has logrado a nivel personal con este disco?

Lo que ha hecho por mí este disco es que me inspira a hacer otro más. Eso es lo que me queda por hacer. Es un buen disco, estoy muy orgullosa de él. Todo lo que venga después de esto está congelado porque para mí este es mi actual logro. Hice un buen disco y me siento orgullosa. Es un álbum mejor que el anterior y es todo lo que esperaba conseguir, seguir progresando o lo que yo creo que es mi idea de progreso. Es como Star Wars, ¿sabes?. Hay gente que está esperando siempre el mismo disco. ¿Y sabes qué? Prefiero decepcionar a esas personas que a mí misma. No voy a grabar el mismo puto disco una y otra vez porque entonces sería esclava de la rutina. Se trata de intentar probar cosas nuevas, experimentar y descubrir lo que quieres hacer y lo que te gusta. Esto va sobre viajar, no de estar pegado en el mismo lugar, sino de seguir en movimiento. La reacción inicial de la gente siempre es querer más de lo mismo. Es algo difícil de superar.

BLACK SNAKES - CRAWL LP

BLACK SNAKES
Crawl LP (Radium 226.05, 1988)

1-Rear View Mirror
2-The Hanging Of John Daniel Lee
3-Black Snake
4-Same Old Shit
5-Ride
6-Ain't That A Shame
7-Three Tongues
8-Ain't No Sunshine
9-Train

Darin Lin Wood: guitar
Richard Kern: guitar
Jack Natz: vocals, bass
Patrick Blank: drums

Aquí.

BONUS:
***Discography.
***Black Snakes myspace.

FIREWORKS - OFF THE AIR CD

FIREWORKS
Off The Air CD (Au-Go-Go, 1995)

1-Fire Engine Lady
2-S'link
3-Keep-A-Shakin'
4-A-bomb
5-Whatcha Want
6-Stalk
7-Gimmie Another Shot
8-When She Passes By
9-50 Megatons
10-She's A Tornado
11-Murdered Model
12-Moon Shot
13-I Need Your Luvin'
14-That's Fuckin' Weird

Darin Lin Wood, James Arthur, Janet Walker.

Aquí.

BONUS: ***All Music Guide Info.

FIREWORKS - SHE´S A TORNADO 7"

FIREWORKS
Untrue 7" (In The Red, 1993)

1-Untrue
2-She's A Tornado

Aquí.

FIREWORKS & SHIVA THE DESTROYER 10"

FIREWORKS & SHIVA THE DESTROYER
split 10" (Atomic Sound, 1995)

1-Fireworks: Echoman
2-Fireworks: Savage Rhythm
3-Shiva The Destroyer: Tar Horse
4-Shiva The Destroyer: Night Of The Comet

Aquí.

BAD SUPERHUMAN 3

BAD SUPERHUMAN 3 (DE 7):
VIGILANTE

FIREWORKS - LIT UP

FIREWORKS - Lit Up CD
(Last Beat Records, 1997)

1-50 Ton Highballin' Ghost
2-Observer
3-Gotta Go
4-One More Day-One More Night
5-Don't Let It Go
6-My Love Is Petrified
7-Raw Deal
8-Stalk
9-I'm Goin' Down
10-She Ranks Me
11-Wicked Woman
12-Baby Go
13-Bebop Kid

Janet Walker, Darin Lin Wood, James Arthur.

Aquí.

Nota 2013: Bang Records acaba de reeditar LIT UP en vinilo. Si sólo puedes comprar un LP este año, que sea éste. 

"This sounds like what you think Jon Spencer Blues Explosion would sound like from reading about them. We are pretty sure this is not (them)...Actually, this is pretty swampy, with a lo-fi feel...fucked-up vocal sound. It's juvenile-delinquent rock. Bad-boy rock...It's hard to go wrong with a trashed -out swamped-up blues-a-billy number. Two thumbs up." -Alternative Press

"Stripped-down, low-tech, unprogressive shit rock" is how a flyer for their first show described them. Fireworks has often since been labelled as rockability, which has become a touchy subject for the band. "We like to spit in the face of rockability." Why? "We don't take stock in fashion. All of the sudden we have these fuckin idiots in Dallas that dress rockability, I'm not into that, it's too unreal. The people who like us are the ones that don't have to have pompadours to enjoy it." Fireworks prefer instead to call their sound, "music for people who like fucked up music."

SUICIDE / SUICIDIO / SUICIDIO

Suicide/Suicidio/Suicidio
(Artículo para el fanzine Ronald Reagan 2: Especial Suicide (2003). Nunca fue editado).

“Joder, pensé. Me fui hacia Marty y le dije: “¡La hemos jodido, tío!. Ya no causamos controversia. Bailan. Estamos acabados. ¿Qué vamos a hacer ahora?.”
Alan Vega.

Esta frase la emitió la voz de Suicide en 1999. Hoy es 2003 y hace unos meses el grupo ha puesto en circulación un nuevo producto: American Supreme.
A pesar de ellos mismos (¿a quién no le gusta vivir de su talento?), Alan Vega y Martin Rev no van a incrustarse en el mercado dance ni van a vender lo que a ellos (y a mí, ojalá fueran muy famosos para que yo pudiese conseguir todo lo suyo) nos gustaría. Sólo tienes que fijarte en que se les sigue metiendo en el muy definido paquete punk (que quiere decir rock) de 1977, sin enterarnos que el grupo hace mucho que trascendió su filiación a unos determinados movimientos culturales. Están por encima de todo porque simplemente son algo mucho mejor. Suicide son volver a tener quince años y sentir la chispa de rebeldía que nos recorría las venas a esa edad. Esto es importante porque parece que los nuevos rebeldes se quedan con el toque fashion y poco más. Vega y Rev no hacen lo que hacen solamente por la pasta, como diría Zappa. Echad un vistazo a las fotos. Realmente me creo que el tecno-dúo hacen daño al sistema único y eso que rozan los 60. Por lo tanto, todo es una cuestión de planteamientos cerebrales y muchas ganas de no caer en el conformismo más desolador.



De Suicide se ha dicho todo lo bueno y lo malo que se puede decir de un grupo único. Que si innovadores. Que si se adelantaron al movimiento tecno. O al industrial. Yo me quedo con la etiqueta “rockabilly tecnológico”, que ya no sé donde leí. Su música tiene tantos matices y tan dispares, que encuadrarlos en uno sólo se me antoja como ridículo. Y es que qué grupazo, señores. Si ahondas en su (y parece que no) dilatada discografía, no verás ni una contradicción. Su legado discográfico es robusto, pero ante todo coherente. Decir Suicide es hablar sobre 30 años de sonido. Nombrar a Suicide es programar revolución. Hablar sobre Suicide quiere decir muerte al capitalismo.
¿Qué son inofensivos?. Depende para quién. Para la masa que se rompe el cuerpo en su trabajo de esclavo Suicide no molesta porque en el S. XXI nada molesta. Nadie se toma la molestia de escupir porque se nos ha olvidado. ¿Pero qué sabremos los obreros de los placeres refinados, si no nos dejan ni pensar?.

Suicide son el producto de una época que ha mutado. Al pequeño retoño de monstruo le han surgido colmillos.
Como los venerables ancianos de las leyendas estos dos viejos tienen mucho que enseñar. Quizá verlos ahora rozando la senectud produzca más risa que otra cosa. Pero si aún se puede disfrutar de sus ideas, ¿dónde está el problema?. ¿A cuántos de los músicos desaparecidos que veneras te gustaría ver en el escenario ahora mismo?. Con Vega y Rev aún estás a tiempo.



American Supreme está hecho D. 11. S. (Después del 11-S).
American Supreme apabulla, pero me molesta que sólo lo haga para los que pueden coger el chiste. Como siempre, nos enteramos cuatro gatos. Es éste un disco que no es que se adelante a su tiempo sino que lo dobla. Es como la página de sucesos de toda la década, y por eso es más importante de lo que parece. Suicide es una de las experiencias que hay que absorber antes de morir. Para que la vida no sea sólo rutina.

“Sabíamos que el rollo de la guitarra y la batería estaba acabado.”
(Alan Vega.)

Me gustaría sentir lo que sintieron los punks de 1977 cuando vieron a Suicide, ¿cambiaron sus esquemas?. Visto el punk de los tres últimos lustros me parece que es estúpido preguntar. Suicide no son más conocidos que Jesucristo; a veces pienso que ni falta que hace, otras quiero que tengan programas especiales en un horario de máxima audiencia.
A pesar de la mortificación que les producirá a los más puristas, creo que Suicide es el grupo definitivo de garage. Mejor decir de habitación, porque cuando empezaron no tenían donde caerse muertos, excepto una habitación cutre de New York.
Suicide (al contrario que Ramones) sí demostraron tener algo en la cabeza y reformularon las bases del rock, transformando blues, jazz y pop con una elegancia inusitada. Sus dos primeros discos merecen como mínimo una escucha por cada ser humano del planeta. Igual así cambiaba algo (que ya es hora).



Porque todo se ha vuelto predecible. En el Siglo XXI, a los ciudadanos nos han derrotado con la homogeneidad. Nos han acostumbrado a odiar lo diferente, a no valernos por nosotros mismos, a no respetar a dos viejos que, con la ayuda de unas putas máquinas e ingenio son lo más anti-stablishment (una de las definiciones de punk) de los últimos 80 años.

“Aunque aplaudían seguían sin entendernos y la verdad es que nosotros tampoco lo comprendíamos del todo. De hecho, el público de ahora parece entenderlo mejor que nosotros mismos, y esto, bueno, nos desconcierta.”
Martín Rev.

Datos al aire (más):
Suicide y Reagan tienen muchos lazos en común.
Suicide NO SON situacionistas, SON situacionismo en movimiento.
Alan Vega y Martín Rev aún existen e intentan cambiar el mundo, pero el tiempo se les acaba y a mí también.

“Nos respetan, pero no nos hacen ni puto caso.” Alan Vega.


ByFrog2000.

SUICIDE LIVE

BY FROG2000
POTOCHOP: Huberti1976

FIREWORKS - PRIME MOVER 7"

FIREWORKS
Prime Mover 7"
(1+2 Records, 1996)

1-Prime Mover
2-Loserville

Aquí.

THE HOSPITALS - HAIRDRYER PEACE

Después de lanzar "Hairdryer Peace", "Disco del año 2008" según palabras del mismísimo Thurston Moore, y recibir elogiosas reseñas, The Hospitals anuncian nuevo producto en su myspace.

Adam Stonehouse, líder absoluto de la banda y también colaborador en Eat Skull y Sic Alps está ejerciendo una labor de considerable importancia con la música experimental que seguramente sólo será reconocida cuando cualquiera de dichos grupos ya no exista. Creo que, a diferencia de las reseñas habituales de "destrucción del punk" (pues aquí no hay punk, aunque sí una actitud muy DIY) que esparcemos alegremente en las alabanzas de sus muchos discos, la escena contemporánea californiana de noise-rock es más multifacética que en anteriores ocasiones y sus músicos más proclives a escoger únicamente los sonidos que les cautivan, sin hacer polvo lo que no les atrae. Irónicamente, esta actitud es más fiera, porque ignorar algo simplemente lo hace desaparecer, como si nunca hubiese existido.
Hairdryer Peace es el paradigma de lo que se puede hacer cuando se marcha hacia nuevas posiciones del formato rock tradicional. Las bellas composiciones contenidas en este disco autoeditado de sobria carpeta merecen ser escuchadas atentamente por cualquiera que siga el mundo del rock innovador, eso sí, haciendo gala de una concentración mayor de la habitual, pues no es éste un disco fácil sino que posee como mayor arma la adicción por exposición repetida. También es conveniente señalar que sus (muchas) virtudes expansivas pueden estar dando algunas de las claves de cómo se vertebrará el rock underground durante la próxima década y entre sus defectos más llamativos está el crispar los nervios debido a los derroteros por los que circulan ciertas canciones, con porciones tan líquidas y minimalistas que parecen una resurreción del prog-rock y la resaca del hippismo. Pero estos simples óbstaculos tan poco llamativos seguramente ya habrán sido superados en su próxima obra, su próximo salto evolutivo en el que Adam Stonehouse y los suyos mutarán por enésima vez hacia el futuro.

Para acabar, según declaraciones de Stonehouse, el vinilo no recoge el verdadero sonido que las composiciones merecían, por lo que Meds Records ha reeditado el disco en CD remasterizado para conseguir el verdadero resultado deseado por el cantante y batería del grupo y haciendo de la obra algo totalmente diferente.


THE HOSPITALS - HAIRDRYER PEACE
(self-released, vinyl version ripped, 2008)

1-Hairdryer Peace
2-Getting Out Of Bed
3-Rules For Being Alive
4-Ape Lost
5-This Walls
6-Sour Hawa!!!
7-Smeared Thinking
8-Tears
9-Animals Act Natural
9-Me, Aleiling Fan
10-BPPV
11-Dream Damage
12-Scan The Floor For Food
13-Don't Die

Aquí.

(El link lo he robado de la red como un miserable leecher, pero no sé a quién pertenece.)