viernes, 30 de septiembre de 2016

LEGAL WEAPON - DEATH OF INNOCENCE


Legal Weapon ‎- Death Of Innocence
(Arsenal Records, 1982)

A1-Future Heat
A2-Waiting In Line
A3-Death Of Innocence
A4-Out Of Control
A5-User
B1-Don't Pretend
B2-War Babies
B3-No Sorrow
B4-Wanna Be
B5-Daddy's Gone Mad

AQUI.

jueves, 29 de septiembre de 2016

GILBERT Y JAIME HERNANDEZ CHARLAN SOBRE PUNK, LATINIDAD Y EL RENACIMIENTO DE LOVE AND ROCKETS, SU SEMINAL COMIC BOOK

Por Barbara Calderon Douglas para Remezcla (2016)

En 1981, una serie de comic book independiente titulada Love and Rockets hizo aparición en el medio para redefinir por completo los estándares de lo que debía ser el cómic underground propiedad de sus creadores. Concebido por chicanos de California, los hermanos Jaime y Gilbert Hernández, y con la ayuda de su tercer hermano Mario (que ya no participa en la serie), el título nació en un momento en que los cómics que se centraban en la vida de los latinos prácticamente eran inexistentes. Los personajes que aparecían en sus páginas y que representaban personas que cualquiera de nosotros podría reconocer en la calle (como la mujer que siempre está dejando a sus hijos con su prima para poderse ir al club, o el yonqui del barrio con una historia personal traumática y trágica), siempre proporcionaban una representación de la raza, el género y la sexualidad compleja, honesta y evolucionada, incluso para los estándares actuales.

A lo largo de su etapa inicial de 15 años y cincuenta números, Love and Rockets terminó convirtiéndose en una serie de culto (más adelante fue resucitada en otro volumen y algunas novelas gráficas de cadencia anual). La Nación ha calificado al tebeo como "uno de los tesoros escondidos de nuestra empobrecida cultura", y Rolling Stone lo catalogó como la novela gráfica no super-heróica más importante de todos los tiempos. Como este mes los Bros Hernández celebran el 35º aniversario de la publicación, la serie regresará al quiosco una vez más. Para muchos de los latinos que se vieron reflejados por primera vez en las historias de Gilbert situadas en la mítica población de América Latina Palomar y en las historias de Jaime sobre un grupo de punks chicanas que van creciendo en California del Sur, es un acontecimiento tremendamente importante.

Natasha Hernández, una fan de Love and Rockets que vive en San Antonio con la que he contactado por facebook, lleva literalmente su amor por la serie en el brazo, donde luce un enorme tatuaje del personaje Maggie la mecánica en su parte superior. Después de tropezar con 16 años con Locas, la serie de Jaime, inmediatamente se quedó enamorada de la representación en cómic de las latinas homosexuales que la protagonizaban, algo que nunca le había ocurrido con los otros cómics que solía leer. Antes de descubrir a Maggie, Hernandez comenta que la mayoría se identificaba con personajes de pelo rubio y ojos azules como Betty Cooper, el personaje marimacho que aparecía en los cómics de Archie. "¡Pero yo no soy Betty Cooper!", me dice por teléfono. ¡"Betty Cooper" no es una chica de color marrón! ¡Los padres de Betty Cooper no hablan español! "Como chica punk rocker gay que me auto-proclamo", explica Natasha, "puedo verme reflejada en estos cómics [Love and Rockets]. Porque me causaron un enorme impacto, me hicieron sentir normal y reforzaron mi realidad".

Según el tema de la diversidad va ganando espacio entre los guionistas y convirtiéndose en un asunto candente en los medios, resulta muy útil fijarnos en Love and Rockets como un estudio de campo sobre lo que puede suceder cuando los escritores de color tienen control completo sobre su labor creativa y sus historias, cuando son libres de poder representar mundos convincentes y atraer a una amplia audiencia sin tener que depender de estereotipos obsoletos.

Pude hablar con Gilbert y Jaime Hernandez por teléfono en entrevistas separadas sobre la influencia de la música punk en su obra, su infancia y adolescencia en la pequeña ciudad de Oxnard, y su representación de las mujeres y los latinos en su cómic de culto Love and Rockets. Esto es lo que me comentaron:

Sé que vuestra mamá fue la que os descubrió el medio del cómic a tus hermanos y a ti. Pero también sé que en las familias chicanas, al igual que ocurre en muchas otras familias, no se fomenta precisamente la idea de convertirse en un artista. ¿Experimentásteis lo mismo con vuestra madre?

Jaime: Le gustaban mucho los cómics y le parecían adecuados, pero en ese momento no sabía que terminaría siendo nuestro trabajo. Al final estaba contenta de que hubiésemos encontrado un trabajo. No fuimos educados para vivir sin trabajar. Fuimos criados para llevarnos bien entre nosotros y sobrevivir. Nuestro padre murió cuando yo era muy joven y ella no volvió a casarse, pero crió a 6 niños por su cuenta, y los cinco mayores eran varones. En cuanto llegamos a la adolescencia sabía que no sería capaz de manejarnos, por lo que tan sólo esperaba que las cosas nos fuesen bien y que no nos pasara nada. Algo en plan: 'Oh Dios mío, tan sólo espero que no se metan en líos."

Obviamente te inspiraba e influenciaba la escena punk de Los Ángeles. ¿Podrías hablar de cómo fuiste dando testimonio sobre el movimiento punk al traducirlo al medio del cómic?

Jaime: La mayoría sólo eran niños como yo que estaban en bandas que habían montado ellos mismos, y a los que no les intimidaban los conciertos en grandes estadios. Era más como "vamos a tocar en este club para diez personas y vamos a hacerlo a nuestra manera." Esa actitud terminó convirtiéndose en nuestra forma de enfocar nuestro cómic. "Quiero hacerlo de esta manera y sé que es una buena manera, y no me importa lo que piensen los demás. Voy a confiar en mis instintos." El punk me dio esa libertad. Era el momento adecuado.

Retratáis la latinidad en toda su diversidad. En vuestros cómics aparecen negros, blancos y personajes indígenas. Parece muy real. Y lleváis haciéndolo desde los años 80, cuando la identidad latina era retratada de forma monolítica demasiado a menudo. ¿Qué hizo que reconociéseis y retratárais tal y como era y es toda esta diversidad que existe dentro del mundo latino?

Gilbert: En el mundo real hay diversidad. Crecí en el sur de California. Puede que algunos me lo cuestionen, pero allí existe mucha diversidad. La escuela era un crisol de razas y a mí me parecía de lo más normal. No me parecía que la gente estuviese intentando evitarse entre ella y se odiase a puerta cerrada. Que hubiese personas de diferentes colores en el mismo lugar me parecía lo normal. Cuando se me ocurrió hacer Palomar, me di cuenta de que no había nada parecido en cualquier otro [cómic]. En cuanto a eso los comic books son terribles. Para mostrar la diversidad son de lo peor. Spiderman, Superman, Batman, ya llevan apareciendo desde hace un montón de tiempo. El único motivo son las películas y los vídeo-juegos. A principios de los años 70 y 80, cuando empecé a hacer cómics, me preguntaba cómo podía hacer que fuesen diferentes. Me gustaba escuchar punk, y las bandas más inteligentes como The Clash o X siempre sugerían que fueses tú mismo, que fueses alguien de verdad, honesto. Esa fue mi inspiración. La única forma de ser diferente era siendo yo mismo.

Nunca pensé nada parecido a: "si lo hago, será la leche". Sencillamente cogí y lo hice. La base de fans llegó más tarde. Ni siquiera creíamos que fuésemos a conseguir una base de fans. Fue más una cosa de sacar los comic books al mercado y ya está, porque eso sí que sabíamos cómo hacerlo. En realidad, cuando la gente empezó a pillarse los cómics nos produjo una grata sorpresa.

Es como si la gente los estuviese esperando. Los latinos estaban ansiosos de ser representados de una forma parecida. Lo que no entiendo es por qué después de 35 años, dicha representación sigue suponiendo un problema para algunos. ¿Tienes alguna idea de por qué puede ser?

Jaime: Creo que ahora hay una burrada más de creadores latinos de los que había en aquel entonces. Se están fraguando su propio camino, algunos de manera diferente a como yo lo haría, y me parece genial. Cada uno tiene su propio punto de vista. Creo que el problema aparece cuando hablamos de dinero. Siempre que haya dinero involucrado, aparecerán estereotipos. Todo tiene que estar hecho para complacer al blanquito. El dinero se dirigirá hacia donde está el dinero ¿y que más da ese otro 1%? Bien sabemos que a la gente que está al cargo del estudio de televisión o el estudio de cine, o quien paga los cheques por este arte, no les importamos. No les preocupan las otras culturas. Si se enterasen de algo en plan, "oh, bueno, ¡caramba! Hay mucha gente latina que podría gastar su dinero en nuestro producto", ¡entonces no van a saber ni qué hacer! La conclusión es que cuando hay dinero de por medio, hay alguno que puede que sufra un paro cardíaco.

Una vez dijiste: "Cuanto más étnico soy, más atención recibo." ¿Por qué crees que ocurre eso y por qué suele funcionar?

Gilbert: Creo que cuanto más me acerco a lo que soy y de dónde vengo, más veraz soy. De esa forma soy capaz de contar una historia más verdadera o incluso una historia más divertida y oscura, porque sencillamente, creo que así estoy intentando reflexionar sobre lo que soy. Sin embargo, creo que hay un pequeño elemento que la verdad es que no me gusta comentar demasiado [que es que] nuestro trabajo también es como una zona segura para los lectores que no son latinos. Lo que hago lo transmito a través de un papel. Los personajes son dibujos. No resultan una amenaza. Cuando ves a un cantante, una actriz o un actor, son reales. Lo que hago yo no son personas reales. Creo que para algunas personas, ellos [los personajes latinos de la vida real] resultan ​​un poco más difíciles de aceptar.

Porque les están dando su dinero.

Gilbert: Por lo que se convierten en una amenaza de verdad, ya que te pueden quitar el trabajo, pueden distraer tu atención de lo que realmente les gusta, etcétera. Por poner un ejemplo, cuando Jennifer Lopez se hizo popular como cantante pop, inmediatamente la gente empezó a disgustarse mucho. De inmediato apareció un prejuicio en plan: 'Oh, ella es bastante mala.' Se podía leer entre líneas lo que significaba realmente. Podías darte cuenta. Ellos no quieren que ella sea la estrella. Querían a Britney Spears. En realidad querían decir: "mejor no vengas con ese tipo de cosas a mi barrio." Creo que eso es lo que pensaban de verdad.

Vuestra obra ha influido a un montón de gente creativa. Junot Díaz dijo en una ocasión que "Love and Rockets" le había enseñado muchísimo. ¿Cómo te hace sentir?

Gilbert: Me halaga mucho. Estoy contento de haber hecho algo bueno. Sin embargo no me gusta alardear, y ya sé que lo siguiente va a sonar egoísta, pero tampoco es que me sorprenda, porque si yo hubiese visto algo como Love and Rockets de niño, también me habría inspirado. Pero no pude verlo, porque simplemente no había nada parecido. Por un lado me siento halagado, pero por el otro me digo, '¿Qué más hay parecido?' Pero... por supuesto que estoy muy halagado.

'Love and Rockets' todavía tiene un efecto enorme entre el público. Resulta increíble que se haya estado publicando de forma continuada desde hace 35 años.

Gilbert: Más allá de que sea un producto latino, es una situación un poco singular. Todavía seguimos haciendo cómics después de 35 años, y las personas y las tiendas siguen comprando nuestros cómics.

Tanto tu hermano como tú sois conocidos por ofrecerles a vuestros personajes femeninos unas vidas profundas. Sí, son personajes atractivos, sexuales, pero no están estereotipados. ¿Qué es lo que hizo que quisiérais escribir personajes femeninos?

Gilbert: Terminamos aburridos de que los cómics fuesen un club para hombres. Era un club de machos desde el comienzo de los cómics. No es que sea necesariamente malo, porque existe y ha existido una gran cantidad de muchachos que hacen buenos cómics, pero sólo son una parte del medio. La verdad es que no había demasiados personajes femeninos que nos gustasen. Supongo que ya que habíamos crecido con nuestra madre, nuestra abuela y nuestras tías, conocíamos sus dinámicas cuando hablaban entre ellas, sabíamos cómo era la vida para ellas. Era algo que había que sacar en forma de cómic, ya que no se podía encontrar algo similar. Y era algo que nosotros conocíamos bien. Por eso la gente se ha quedado pasmada durante todos estos años, "¿de dónde proviene todo esto?" Pues proviene de lo que nosotros mismos hemos visto. Yo no me lo inventé ni tampoco creo que sea algo especial. Sencillamente pongo en un papel lo que conozco.

Jaime: Me gusta escribir mujeres. Me gusta dibujarlas. Me gusta hacer que las mujeres cobren vida en la página. Allí está el otro lado. Es lo que tengo que hacer. No es que haya habido una gran representación de las mujeres en el pasado, no mucha, sobre todo en los cómics.

Algunos de vuestros cómics tocan ideas políticas. Como mujer que también es escritora, una chicana, creo que no puedo dejar de incluir algo político en todo lo que hago. ¿Crees que todo lo que haces tiene un elemento político?

Jaime: En mi obra intento que mis personajes no se acerquen mucho a la política, porque quiero que haya un equilibrio de diferentes tipos de personas. Quiero gente mala, despistada, inteligente, boba, porque eso ayuda a la hora de escribir. Pero de vez en cuando me gusta apuntar alguna cosa. Mi sentimiento político es privado y rara vez sale a la luz. Me imagino que mis personajes principales tienen una actitud bastante liberal. De vez en cuando me gusta hacer algo inesperado. ¿Qué pasa si este personaje ha sido un conservador durante todo este tiempo?

Bueno, existen los "Latinos por Trump"...

Jaime: Oh Dios. En cuanto a la política, estos dos últimos años han sido los más terribles o los más entretenidos de todos.

¿Crees que Trump podría aparecer en un cómic?

Jaime: No me gusta decirlo, pero creo que es alguien indigno de aparecer en mis cómics. Resulta demasiado sencillo criticarlo. Si tuviese a alguien como él en mi obra, sentiría como que la estoy abaratando.

Estamos en un momento en que muchos latinos están despertando políticamente, y están empezando a descubrir un linaje de lo latino en las artes que ha ido permeando a través de los resquicios culturales. Creo que algunas de estas personas están fijándose en Love and Rockets como un ejemplo.

Gilbert: Dos cosas que todavía tenemos en contra es que nuestra obra sigue siendo considerado sólo como un cómic, y además nuestras historias están muy sexualizadas y son sexys. Es algo que puede llegar a asustar a la gente. Cuando me comentan que soy un modelo, yo les digo: "entonces no te fijes en esta historia". [Risas].

¿A qué edad debería darle a mi sobrino Love and Rockets?

Gilbert: Ehhh... diría que a los 16 años, pero algunas personas se inician tan pronto como a los once.

miércoles, 28 de septiembre de 2016

VARIOUS - BRAINKILLER: LOST PUNK HITS FROM THE AMERICAS 1977-1982


Various - Brainkiller: Lost Punk Hits From The Americas 1977-1982 (Bootleg, 1999)

A1-Cinecyde - Radiation Sickness
A2-Dennis Most And The Instigators - Destructive Love
A3-Crime - Frustration
A4-Hollywood Squares - Hollywood Square
A5-Symptoms - Be On Top
A6-Los Reactors - Be A Zombie
A7-Suburbs - Memory
A8-Bob - The Things That You Do
A9-The Ed Davis Band - Asshole
B1-VS. - Magnetic Heart
B2-Tanks - Bongo Congo
B3-Reind Dears - (White) Christmas
B4-Jim Basnight - She Got Fucked
B5-The Gizmos - 1978
B6-Mutants - Piece O' Shit
B7-Units - Cannibals
B8-The Clocks - Confidentialy Renee
B9-Familia Real - Destruye

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martes, 27 de septiembre de 2016

KILLED BY DEATH #33


Various ‎– Killed By Death #33
(Redrum Records (KBD), 2000)

A1-The Brigades - State Controlled Paranoia
A2-Soldiers Of Fortune - American Dream
A3-The Gangsters - Record Company
A4-Victim - The Teen Age
A5-Grinder - Spiderman
A6-Cadillac - Heute Abend
A7-Billy Wizard & The K-Mart Studio Orchestra - Nazi Love
B1-Running Dogs - Born Yesterday
B2-X-Defektors - Agent Orange
B3-Rebel - Al1
B4-Dickheads - Squad Leader
B5-Nirvana - Kuljen Kaupungilla
B6-The Vultures - Russian Spy
B7-O-Level - East Sheen
B8-Rudolph Dietrich - No Claim With Bluff & Swindle
B9-Charge - Kings Cross

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lunes, 26 de septiembre de 2016

LOST IN TRANSLATION: BAKUNE YOUNG (3 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 247 (2002). Traducido por Frog2000.  Parte 1, parte 2.

Afortunadamente, sus habilidades artísticas están vinculadas con una historia de peso, aunque en un primer momento no parezca que ese sea el caso. La obra es un desmadre continuo y repleto de violencia y acción desenfrenadas. Pero en lugar de utilizar estos recursos de forma gratuita, Matsunaga se esfuerza por retratar los conflictos de la historia de forma grotesca, incluso satírica. Por un lado se satirizan las convenciones del género, aunque es incluso mucho más satisfactorio cuando el autor también satiriza las estructuras sociales que logran que este tipo de ficciones resulten necesarias. La violencia hace aparición en un mundo de ridículas convenciones sociales e idiotez burocrática, y es ejercida tanto por parte de los yakuza como por la propia policía. Cada ejemplo de violencia de cómic al límite y cada página empapada completamente en sangre también se encuentra repleta de parodias súper repugnantes al estilo Sonny Chiba que sacan a la luz la conciencia social del autor. Por lo general, casi todas las mejores parodias terminan convirtiéndose en aquello en lo que estaban parodiando, y de todos modos, gran parte de nuestra cultura suele rayar en lo auto-paródico. Que nunca se llegue a caer en trampas similares en esta obra engrandece los logros conseguidos por Matsunaga. 

En un principio, Bakune Young funciona casi como un entretenimiento ultraviolento y desechable, aunque en realidad hay mucho más que mascar bajo la superficie. Dicha cualidad no se hace evidente hasta llegar al tercer tomo, aunque en los dos primeros se puede encontrar material más que suficiente para proseguir con su lectura hasta el final. El argumento básico trata sobre Bakune Young, un tarado descomunal, que un buen día decide repentinamente acabar con la yakuza. Durante su periplo obtendrá un botín de cien trillones de yenes (más que todo el presupuesto fiscal de Japón) que depositará en su Suiza (no se nombra la palabra "cuenta", tan solo "Suiza"), conseguidos gracias al rapto de Don de Nippon, al  que ocultará junto a otros jubilados en el Castillo de Osaka. Inmediatamente la policía entrará en juego, en especial el súper policía Sorigami (más conocido como Cabeza de Código de Barras por culpa de su peinado). Durante la historia irán teniendo lugar explosiones y peleas constantes, y podrán verse algunas páginas de llamativos diseños asombrosamente atestadas de figurantes. De forma tan hilarante como apropiada, la sátira campará a sus anchas a lo largo de la historia. Un ejemplo es la "Operación: Robots Humanos Que Persiguen Ritmos de Batería" ideada por Sorigami, y (aunque parezca no tener ningún sentido) a continuación harán aparición soldados consecuentemente enganchados a los ritmos de batería. Si Matsunaga hubiese finalizado su obra con estos dos volúmenes, habría creado un trabajo memorable pero bastante ligero cuyo alcance sería el mismo que el del género que parodia. Sin embargo, con el tercer tomo la obra revela todo un nuevo nivel de significado.
Al final del tercer volumen Matsunaga arroja en la mezcla las políticas y modos de hacer habituales del Ejército de los Estados Unidos. Las ideas apuntadas son bastante apropiadas, algunas veces absurdas, aunque totalmente en consonancia con la percepción que tiene Japón de los norteamericanos. Por lo general, Japón ha tenido un inexplicable relación de amor-odio con los Estados Unidos. Después de la Guerra teníamos la intención de que Japón se reestructurara como un pequeño productor de bienes y servicios, no como el gigante tecnológico y la súper potencia económica en los que ha acabado convirtiéndose. Más aún, nuestra presencia militar en el Este Asiático se apoya en las bases que nuestro país tiene en Japón. Estas bases han sido una fuente constante de tensiones para muchos japoneses, que creen que el Ejército de los Estados Unidos se está aprovechando de Japón. Gran parte del problema puede ser que a menudo los soldados americanos han tenido relaciones problemáticas con los ciudadanos japoneses. Por ejemplo, en 1995 tres soldados de Estados Unidos raptaron y violaron a Okinawan, una estudiante de doce años. Aunque finalmente los tres fueron sentenciados a pasar siete años en prisiones japonesas, en un principio el Ejército norteamericano rehusó entregárselos a las autoridades del país, muy en consonancia con el cuestionable historial del Ejército al tratar con incidentes similares. Puede que la última catástrofe significativa haya sido el incidente de febrero de 2001, cuando el submarino U.S.S. Greeneville volcó un barco de pesca japonés y asesinó a varios de sus tripulantes. El Ejército norteamericano fue fuertemente criticado en los medios de comunicación japoneses por la forma que tuvieron de afrontar la situación.
Al comienzo del tercer tomo, Matsunaga tiene en cuenta todo estos incidentes. Renge decide iniciar una serie de movimientos que tendrán como última consecuencia la destrucción del gobierno japonés para poder reemplazarlo con el suyo propio, además de alcanzar el destino que se le ha profetizado. Para conseguirlo abordará subrepticiamente el Kitty Hawk norteamericano e intentara manipular a su tripulación para que ataque el Edificio de la Dieta japonés. En realidad es un acto de terrorismo, pero astutamente, Matsunaga hará que el Capitán Mercury Cougar pontifique sobre lo que significa la "justicia": "La Guerra significa luchar por al búsqueda de la justicia. Por supuesto, como nosotros tenemos la razón,, no tenemos necesidad alguna de justicia. Tener la razón resulta de lo más apropiado... y ese es el motivo de que nosotros podamos vigilar lo que hacéis vosotros." Estas palabras son pronunciadas justo después de que la dotación de Cougar vea el helicóptero civil de Renge y se pregunte: "¿qué pasaría si generásemos un poco de fuego amigo?"

Matsunaga caricaturiza a grandes rasgos las prácticas habituales del ejército norteamericano, y aunque sea por encima, sus descripciones tienen algo de verdad, o por lo menos la verdad que la mayor parte del mundo percibe acerca de nuestras políticas internacionales: egoístas, farisáicas y demasiado tajantes como para poder oponerse a ellas. De hecho, Takeshi Yamashina, un periodista del periódico de Mainichi, escribió en el número especial sobre la región de Asia y el Pacífico ("un análisis sobre Oriente-Occidente") de octubre de 2001 que justo después de los ataques del 11 de Septiembre, muchos japoneses tenían el sentimiento generalizado de que los Estados Unidos habían empezado a excusarse en dichos ataques para poder llevar a cabo sus políticas en el extranjero, porque "los americanos se comportan como matones que le dictan al resto del mundo lo que tiene que hacer". No es ninguna sorpresa (ni tampoco un rasgo subversivo ni una forma de sorprender al lector, ni siquiera el cómic es más tenebroso de esta forma), que al final de la obra el combatiente americano escriba en el cielo "USA" justo sobre las ruinas del Edificio de la Dieta. Simplemente es lo que esperábamos.

(Continuará)  

viernes, 23 de septiembre de 2016

BAY MUD CASSETTE


Bay Mud
(David Hayes Self-released, 1986)

A1-Unknown Artist
A2-Crash-N-Burn - Car Wreck
A3-Infernal Forces - License To Kill
A4-Infernal Forces - Jungle Warfare
A5-Complete Disorder - Products
A6-Complete Disorder - Cry For The World
A7-Lookouts - Why Don't You Die
A8-Lookouts - California
A9-Koel Family - Floriduh Song
A10-Koel Family - Insurance Man
A11-Mr. T Experience - P.V.S.
A12-Mr. T Experience - One Big Lie
A13-Rabid Lassie - Society Image
A14-Rabid Lassie - Trip
A15-Kwikway - Fuck!
A16-Kwikway - Whatever
A17-Half Blind - Dead Sailor
A18-Italian Whorenuns - Ice Cream + Cigs
A19-Dot 3 - Acting Rather Pink
A20-Short Dogs Grow - Don Juan
A21-Short Dogs Grow - Serum Hepatitis
A22-Attitude Adjustment - In The Center It Was Silent
A23-Attitude Adjustment - D.S.F.A.D.M.S.
A24-Unknown Artist 
B1-Unknown Artist
B2-Clown Alley - The Party Ends
B3-Clown Alley - The Theme
B4-Legion Of Doom - Make A Change
B5-Legion Of Doom - American Waste
B6-Stikky - Ja Hovas Guys
B7-Stikky - 8-Hour Shift
B8-Rhythm Pigs - Animosity Index
B9-Rhythm Pigs - Cant Change The World
B10-Ten Tall Men - I Wanna Get Married
B11-Ten Tall Men - Squish
B12-Forethought - Grinder
B13-Forethought - I Dont Stand Tall
B14-Boss Hoss - The Witch
B15-Victims Family - Devon Drool
B16-Victims Family - Sir Onslaught / Work
B17-Neurosis - Security
B18-Neurosis - Life On Your Knees
B19-Crimpshrine - I Just Dont Know
B20-Sweet Baby Jesus - Shes From Salinas
B21-Unknown Artist

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jueves, 22 de septiembre de 2016

LOST IN TRANSLATION: BAKUNE YOUNG (2 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 247 (2002). Traducido por Frog2000.  Parte 1.

La visión de Matsunaga no es tan nihilista. Y además el autor tiene un completo control de sus habilidades creativas, que como dibujante, y especialmente como narrador, superan a la de la mayoría de sus compañeros del medio, ya que muchos de los que operan en el mundo de la serialización y se hacen ayudar por asistentes demuestran que así se funciona de forma más limitada en lugar de hacerlo con plena libertad. Sus historias también se ven beneficiadas por su longitud. La mayoría de las series más populares suelen estropearse por culpa de la devoción de sus fans, ya que los editores insisten en continuarlas una vez rebasado el punto en el que deberían haberse acabado. En los tres tomos de 250 páginas cada uno que conforman la obra, Matsunaga entrega una historia de estructura perfecta y completamente orgánica, a pesar de que originalmente fuese publicada en Spirits, una revista de manga tremendamente popular. Cada tomo finaliza en un momento ideal, formando tres unidades con consistencia interna que conforman una narración más larga. Una vez recogidas en tomo, sus páginas no muestran evidencia alguna de que hayan sido previamente serializadas. En otras palabras, el autor es un maestro del ritmo y hace alarde de un profundo conocimiento de cómo se han de ir estructurando los episodios para generar finalmente una obra narrativa mayor.
Además, Matsunaga no tiene miedo a la hora de cambiar el ritmo. Si bien la historia prosigue linealmente, con frecuencia se queda en pausa para poder centrarse en algunos elementos vitales para su desarrollo. En la secuencia que tiene lugar al final del segundo volumen, el clímax que pondrá fin a todos los conflictos coge una velocidad de vértigo y luego de repente se detiene por completo. Durante esta secuencia, el autor va saltando entre por lo menos cuatro escenas diferentes, incluyendo una estampida de los yakuza, un combate entre ninjas y samuráis, un conflicto final entre Bakune y su vieja némesis Shiroyama y las correrías de la yakuza Renge mientras vigila todo lo que ocurre desde su helicóptero. Estas luchas finalmente terminan mezclándose con otras y sus participantes intercambiándose de enemigo, algo que ya sería lo suficientemente abrumador si además no tuviésemos que tener en cuenta las páginas cruzadas con efectos de sonido que empujan los límites entre viñetas, así como la rotunda fisicidad del dibujo de los personajes. A medida que va incrementándose la acción, sobre todo durante la estampida de los yakuza (donde se utiliza una técnica de impresión para las viñetas donde estas parecen repetirse y salirse ligeramente de tono), el efecto es como si la propia impresora no fuese capaz de contener las páginas. Igualmente, Matsuyama incrementa de forma juiciosa el uso de las líneas cinéticas, y las viñetas crecen de forma cada vez más desordenada según la historia va progresando. Sin embargo, en cuanto las peleas finalizan las cosas presentes en la viñeta empiezan a disminuir, las viñetas se reducen, las composiciones parecen menos elaboradas, casi como si la historia empezase a respaldar a Renge para que esta pueda ya hacer su entrada y limpiar todo el desaguisado. El efecto es elegíaco.
Matsunaga también varía su forma de dibujar dependiendo de la historia. Como ocurre con casi todos los manga, el autor enfatiza la plasticidad de los personajes y la solidez del mundo en el que se mueven, pero no deja que esto limite su estilo de dibujo. Los diferentes personajes demandan técnicas diferentes. Un personaje como Purima, que es el carácter habitualmente amable y posiblemente el único simpático de toda la obra, parece como si estuviese dibujado por un niño, con trazos limpios y redondeados. Sin embargo, Shiroyama ha dedicado su vida a odiar a Bakune con singular devoción y está consumido por su intención de acabar con ella, por lo que su cara está diseñada como si hubiese sido dibujada a base de cortes y trazos nudosos. Según se va incrementando el odio, se incrementará también la angulosidad y deformidad de su rostro, hasta que parecerá estar más que nunca tallado en madera en lugar de carne. A lo largo de la obra Matsunaga utiliza varios estilos en sus diferentes personajes. Por ejemplo, es un caricaturista excelente, y a menudo borda los esteroptipos existentes con los que dibuja a algunos de ellos y los retuerce con salvajes variaciones. Go, el policía de ultra-derecha, parece un viejo policía de antiguas historias de manga, mientras que otros están dibujados de forma que recuerdan a primates. La horda de los yakuza muestra variaciones de los diferentes arquetipos, y los personajes se comunican con el dialecto de Osaka y llevan tatuada la espalda, algo que esencialmente parece el catálogo épico de los diferentes tipos de personaje del gremio. Matsunaga nunca se cansa de dibujar figurantes y la obra se encuentra salpicada por miles de caras individuales.

(Continuará)

miércoles, 21 de septiembre de 2016

RATIONAL ANIMALS - PERCEPTION BECOMES REALITY


Rational Animals ‎- Perception Becomes Reality 7"
(Feral Kid Records, 2008)

A1-Perception Becomes Reality
A2-Tasting Blood
A3-Loose Cannon
B1-Tell Me What You Want
B2-You Can Do What You Want When No One Is Looking
B3-Visions Of Death

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martes, 20 de septiembre de 2016

LOST IN TRANSLATION: BAKUNE YOUNG (1 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 247 (2002). Traducido por Frog2000. 

"Por supuesto... claro que no queremos una nube con forma de hongo." -Bill Randall.

Con suerte, un país madura después de haber sufrido. El moderno Japón empezó este proceso con Hiroshima y Nagasaki. También otras naciones han sufrido enormes pérdidas humanas o batallas encarnizadas, pero ninguna otra ha sopesado la posibilidad de negar los hechos directamente de una forma total e instantánea. Al empezar a afrontar esa posibilidad, Japón enfiló el camino de su re-evaluación y re-definición a finales de la Segunda Guerra Mundial. El país se esfuerza para superar las consecuencias de la guerra: Tokyo sigue siendo volado en pedazos todos los días, ya sea en el cine, en la televisión o en los cómics, y el país sigue sin decidir si quiere convertirse en una nación de poder imperial o en un país devoto de la paz.

Desde la guerra, Japón lleva basculando entre los extremos de un nacionalismo conservador de derechas que quiere convertirse de nuevo en una potencia militar, y uno de izquierdas que quiere lograr el repudio de la Bomba a escala mundial y la retirada de las tropas estadounidenses de las costas japonesas. Esta facción empezó a hacerse escuchar en una fecha tan temprana como fue principios de los sesenta, cuando surgieron las primeras protestas ante el Acuerdo de Seguridad Mutua entre Japón y EEUU, y desde entonces ha continuado en vigor hasta lograr hacerse un hueco en la política japonesa a nivel nacional. Sin embargo, este movimiento ha empezado a desacelerarse después de los últimos ataques terroristas a escala global. Japón es una nación vulnerable: Asia Oriental nunca ha sido un lugar particularmente estable, y la densidad de población del país ofrece una tremenda debilidad ante los ataques químicos o bacteriológicos capaces de exterminar a un amplio número de personas. El ataque con gas sarín de Aum Shinrikyo en Matsumoto en 1994 y en Tokyo en 1995 llamó mucho la atención no por la cifra de personas asesinadas (7 y 12 respectivamente) sino porque ilustra con exactitud lo vulnerable que es el país ante este tipo de ataques. La estrecha relación que tiene el país con Estados Unidos tampoco ayuda mucho: en Corea, Vietnam y la Guerra del Golfo, Japón ha servido como el portaaviones de Estados Unidos, un papel que no ayuda demasiado a mejorar las relaciones con otros países asiáticos menos amistosos con los poderes occidentales.

Más aún, después de los ataques del 11 de septiembre, los Estados Unidos han presionado enormemente a Japón para alterar la Constitución autorizada por EEEUU con el fin de permitir que el ejército ofrezca apoyo a las tropas estadounidenses en Afganistán. Los nacionalistas japoneses llevan mucho tiempo exigiendo dicho cambio. Japón legalizó la movilización de sus fuerzas de autodefensa más allá de sus fronteras en octubre de 2001, tan rápidamente que dejó asombrado a todo el mundo. En otras palabras, Japón ha encontrado el momento justo para poder saltarse sin dilación el noveno artículo de su Constitución. Este artículo declara que "los japoneses siempre renunciarán a la guerra como derecho soberano de la nación y a la amenaza o uso de la fuerza como medio de solucionar conflictos internacionales". Lo que quiere decir que la única nación moderna que se basaba en la paz, y que ha obtenido dicha identidad a cambio del terrible coste de la aniquilación de dos ciudades, actualmente podría enviar a su ejército a cualquier parte del mundo. Si esto supone o no continuar con su proceso de maduración dependerá mucho de cómo se definan términos como "ejército", "renuncia", "para siempre" y "maduración".
BAKUNE YOUNG
Toyokazu Matsunaga

La obra comienza con un plano de sus personajes principales cantando "Anarchy in the UK" momentos antes de que las cosas se transformen rápidamente en un violento barullo a lo largo de cientos de páginas mientras se tocan varios palos como la complacencia de los medios de comunicación, la corrupción y la política mundial. Es tan divertida como el trabajo de Tex Avery, y también un poco triste. Con Bakune Young, Toyokazu Matsunaga ha creado una novela gráfica completamente consciente y oscura que abraza la violencia y los extremismos del manga, algo que se podría catalogar como energía visceral. En lugar de evitar la violencia exagerada que hace que el manga sea denunciado de forma rutinaria por grupos parentales, Matsunaga crea una novela inteligente y política saturando su narración con los elementos más grotescos que le resulte posible. 

El argumento nos presenta a Bakune Young, un joven gigantesco y estúpido que declara una guerra de un solo hombre contra la Yakuza, la mafia japonesa. Durante su periplo, sus asaltos atraerán la atención de la policía y de una multitud de gente extraña, todos ellos atrapados en medio de los casi incesantes combates celebrados a lo largo de la obra. Acogiéndose a los rasgos idiomáticos del manga más popular, Matsunaga se las arregla para tener éxito mientras camina por una fina cuerda floja mientras minimiza continuamente los efectos más brutales de la violencia gratuita mediante la sátira, regodeándose con la acción en mayúsculas como fin en sí mismo. Quizá este podría ser el típico caso donde se arruina una obra de primera si no fuese porque en realidad la historia tiene significado. Por lo general, los manga de este tipo perduran en el tiempo y se convierten en objeto de estudio solo porque son ejemplos de habilidad artesanal, ya que en última instancia no ofrecen nada más que nihilismo. Sin embargo, Bakune Young es diferente.

(Continuará)

lunes, 19 de septiembre de 2016

RATIONAL ANIMALS - BOCK ROCK PARADE


Rational Animals ‎- Bock Rock Parade
(Katorga Works, 2011)

A1-Crumbling Buildings
A2-Guess What? (Crunch)
A3-Darker Shade Of Blue
A4-Someone Like You
A5-Thought Debris
B1-My Treat
B2-Toy Box
B3-If Only You Could Hear Me Now

AQUI.

viernes, 16 de septiembre de 2016

RUTA 66 NÚMERO CIENTO CINCUENTA


RUTA 66 NÚMERO CIENTO CINCUENTA (Mayo, 1999).
AQUI. 

¡Por fin! Después de escanear ciento cincuenta números más un número cero del Ruta 66 termino lo que empecé en enero de 2012. Por el camino he conocido en persona a uno de sus directores, Jaime Gonzalo (qué tipo más majo y qué generoso, dándome permiso para seguir la labor a partir del número cien), he releído con devoción viejas (que no vetustas) entrevistas con Pleasure Fuckers, Devil Dogs, Cerebros Exprimidos, releído artículos sobre grupos como Stereolab o Birdhouse que en el momento en el que adquirí aquel número del Ruta en el quiosco (la mayoría de ellos en uno de Reinosa al que llamábamos "El Barbas" y los restantes en el que está al lado del lugar donde resido actualmente en Madrid) ni siquiera llegaron a interesarme y ahora están entre mis favoritos. He vuelto a escuchar música y músicos que tenía olvidados mientras iba escaneando pacientemente cada página de la revista, pero sobre todo, me he dado cuenta de lo grandiosa y necesaria que ha sido esta publicación para la historia cultural de este país. Sé que sin ella seríamos menos sabios. Y sí, sigo y seguiré pillándome el puto Ruta cada mes hasta que desaparezca él o fallezca yo, lo que ocurra primero.

Un saludo a los que van a descubrir el mejor artículo que han leído en su vida en uno de estos números de Ruta 66, a todos los que me han apoyado durante el proyecto tanto en los comentarios como en persona, y por supuesto, a los redactores y colaboradores del Ruta 66. Me quito el sombrero ante todos.

jueves, 15 de septiembre de 2016

KILLED BY DEATH #24


Various - Killed By Death #24
(bootleg, 1999)

1-Gizmos - Muff Divin
2-Cinecyde - Underground
3-Trash - N-N-E-R-V-O-U-S
4-The Sound - Cold Beat
5-Shrapnel - Way Out World
6-The Rats - Come On Now
7-Krypton Tunes - Coming To See You
8-Mutants - School Teacher
9-Billy Karloff Band - Back Street Billy
10-Subway - You Gotta Support
11-Warm Gun - Accident
12-Nuclear Sockets - Pretender Zeal
13-Zero Zero - Chinese Boys
14-NCM - I Used To Know
15-The Studs - Electric Chair Execution
16-Basta - Abortus Vrij, De Vrouw Beslist

AQUI.

miércoles, 14 de septiembre de 2016

KILLED BY DEATH #22


Various ‎- Killed By Death Vol. 22
(Redrum Records (KBD), 1998)

A1-Essential Logic - Aerosol Burns
A2-Tsunematsu Masatoshi - Do You Wanna Be My Dog?
A3-The Features - Drab City
A4-Liket Lever - Hjärtats Slag
A5-Larsen - Vomitas Sangre
A6-The Stripes - Observer
A7-The Fugitives - Mystery Girl
A8-N.R.G. - Kulturel Forbaltnung
A9-Commercials - Mein Kampf
A10-The Scabs - Amory Building
B1-Pankrti - Namesto Tebe
B2-Repulsive Alien - Say & Do
B3-Sozz -. Law & Order
B4-Prop Sack - Aujourd'hui
B5-Mordbuben AG - Bleib Blöd
B6-Swindled - Who Wants Guns?
B7-The Clap - Killed By Kindness
B8-S.Y.P.H. - Industriemadchen
B9-Vorwärts - Susie
B10-The Last Words - Animal World

AQUI.

*Nota: parece que el volumen #21 nunca llegó a editarse. Si hay alguien que puede corregirme...

martes, 13 de septiembre de 2016

ENTREVISTA CON CRISTINA MARTINEZ / BOSS HOG (2016)

La Entrevista Con 50thirdand3rd: Boss Hog
(Traducida por Frog2000.)

1. En nombre de todos los que formamos parte de 50thirdand3rd, me gustaría decir que es todo un honor poder hacerte estas preguntas. Durante años hemos sido seguidores de vuestra música, y cuando estuvimos trabajando como DJs en BlipFm, todos solíamos poner Boss Hog. Dicho esto, lleváis juntos varios años, ¿cómo os conocísteis?, ¿podrías comentar cómo empezásteis y cómo (desde tu perspectiva actual) crees que ha evolucionado la banda desde aquellos primeros conciertos en directo en el CBGBs?

Todas las respuestas son de Cristina Martínez.

¡Hola Fitty-thirders!

Gracias por vuestro continuo apoyo.
Llevávamos parados un buen tiempo, así que es muy agradable ser recibida de nuevo de una forma tan cálida.

Jon y yo nos conocimos en DC cuando Julie Cafritz y él dejaron la Brown University para vivir la vida glamorosa que conlleva montar una banda de punk rock. Todos éramos solteros, así que nos marchamos al centro del mundo para conseguir fama y fortuna, al igual que han hecho tantas otras almas perdidas. ¡Nueva York!

Nos metíamos en el Rabbit donde trabajaba Julie hasta altas horas de la noche y por la mañana a primera hora salíamos a la calle para pillar el Voice. (Esa era la forma de encontrar un apartamento en aquel entonces, antes de la existencia de Internet.) De camino a Mott con Bleeker nos paramos para preguntar algunas direcciones y tres ruidosos chavales se ofrecieron a enseñarnos donde estaban. Resultó que eran los Beastie Boys. Habíamos encontrado nuestro hogar.

Si este no fuera suficiente presagio, ¡de pronto descubrimos el CBGBs a la vuelta de la esquina! He pasado muchas horas en esa acera. Cuando no podíamos pasar por la entrada, solíamos deslizarnos por la valle suelta de la parte posterior para colarnos en el club.

Parecía como si conociera a todas las bandas que tocaban allí.

Una noche Louise nos dejó tocar y lo hicimos como Boss Hog. Fue una decisión muy rápida. Si hubiese sido de otra forma, puede que nos hubiésemos terminado llamando "The Undateables".

2. Creo que se podría nombrar a una docena de grandes bandas que han sido influenciadas por Boss Hog, pero ¿cuáles son algunas de las bandas que os han influenciado a vosotros?

Conocí a Jon mientras empezamos a discutir sobre un disco recién editado de Foetus. También nos gustaban los Swans. Fue la forma de unirnos que tuvo la ciudad de Nueva York.
The Birthday Party. The Fall. Y por supuesto, The Stooges.
Mi padre (que era cubano), estaba enamorado del rock desde muy pequeño, así que crecí escuchando a Bill Haley y a Elvis.
En la radio de DC pinchaban constantemente a bandas de funk y go-go. Me encantaba Prínce.
Creo que si metes todo eso en una licuadora y lo bates bien, el resultado es Boss Hog.

3. ¿Cuáles son algunos de los proyectos en los que has estado trabajando, al margen de los grupos que ha tenido Jon a lo largo de estos años, y las giras y grabaciones con Boss Hog?

He dado a luz a un niño. Y creo que he sido capaz de criar a un chaval con bastante mala leche. (¡Bienvenido al mundo!)

4. Cuando empezásteis a grabar Brood Star, ¿teníais ya planeadas las nuevas canciones o fueron surgiendo de forma más espontánea?

Brood Star ha emergido de las profundidades de nuestra fértil psique. La naturaleza siempre gana.

5. El nivel de energía del nuevo EP está por las nubes, ¿cuándo estará listo el nuevo disco? ¿Cuál es su extensión, quizá sea la de un EP?

El plan es lanzar el álbum a principios de 2017. El EP fue un disco "pre-mezcla". Los arreglos del LP serán un poco más fieles a la experiencia de vernos en directo.

6. ¿Dónde habéis celebrado vuestro concierto más enloquecido y qué es lo que hizo que nunca os vayáis a olvidar de él?

Una vez tocamos en directo en Montana detrás de una alambrada para pollos. Éramos el único show en directo que se podía ver en cientos de millas y probablemente sigamos siendo recordados. La verdad es que ese sí que fue un público hambriento.

7. ¿Qué tal fue aparecer en la película "El apartamento de Joe"? ¿Cómo terminó ocurriendo?

¡Ja! Uno de los porteros de mi edificio solía preguntarme lo mismo.

John Payson, el guionista y director de la película, era de la misma ciudad que Jon, New Hampshire. Como conocía a su tío Bob, le preguntó si alguna vez había hecho una película.

Salt-N-Pepa, Moby y Boss Hog, todos juntos en el club. Parecía algo bastante natural.

8. Habéis terminado hace poco una gira, ¿cómo se ha comportado el público en comparación con la ocasión anterior?

Los aficionados parecen estar respondiendo bien. Creo que el cambio más notable ha sido en cuanto a nuestra relación con el público. Somos mayores, más sabios, artistas más experimentados. Nos encontramos más relajados como personas y como banda. de forma que toda la experiencia nos parece más exuberante y libre.

He usado el "más" como tres veces, así que supongo que esa es la respuesta.

9. ¿Resulta divertido tener una banda capaz de convertir a audiencias más jóvenes en seguidoras de los sonidos de Boss Hog?

No sé si eso estará ocurriendo, pero me gusta mucho la idea.

10. Si tuvieses la oportunidad de hacerlo todo de nuevo ¿hay algo que te gustaría hacer de forma un poco diferente?

Escogería un nombre diferente para la banda.

11. ¿Habrá más giras?

Por supuesto.

12. Gracias por hablar con nosotros. Nos ha encantado Brood Star, ¿unas últimas palabras para tus fans?

Gracias.

¡Nunca os rindáis! ¡Jamás lo hagáis! (Vale, la frase la he mangado de Galaxy Quest, pero creo que resulta muy apropiada.)

viernes, 9 de septiembre de 2016

UNA CONVERSACIÓN CON GILBERT HERNANDEZ Y CRAIG THOMPSON (3 de 3)

(Artículo aparecido en The Comics Journal número 258, 2004, traducido por Frog2000.) Parte 1, parte 2.

Hernandez: Antes Dan dibujaba material humorístico, pero en cuanto un historietista gracioso se convierte en uno más serio, a partir de entonces seguirá haciendo material serio, y su arte tenderá a ofrecer un aspecto más rígido. Me he fijado en que sus hombres parecen blandos y sus mujeres son como espaghettis con labios sobresaliendo. Todos sus personajes parecen de la misma guisa, porque ahora su trabajo es más serio.

Thompson: La anatomía que dibuja ahora me parece asombrosa. Comparado con sus primeros Bolas Ocho, donde las figuras parecían abstractas, casi torponas, es como si se estuviera basando en la observación activa del cuerpo humano.

Hernandez: Pero todas parecen tener la misma construcción, las mismas expresiones faciales. Antes solía hacer dibujos terriblemente feos, gente muy graciosa, y eso se podía insertar a continuación en historias más serias. Se pueden mezclar los dibujos estúpidos con las historias serias sin problemas. Pero parece que cuando alguien gracioso se vuelve más serio, como le ha ocurrido a Woody Allen, todo empieza a tener un aspecto más saneado y contenido.

Thompson: Will Eisner.

Hernandez: ¿Will Eisner?

Thompson: Se ha vuelto más serio.

Hernandez: Se ha vuelto más serio, y para alguien que ha cumplido ochenta le ha sentado realmente bien. Sigue sacando buen material, pero prefiero The Spirit.

Hussey: En la SPX fue obvio que había varias facciones enfrentadas: por un lado teníamos el cliché Fantagraphics/ D&Q, que suelen estar siempre comunicados entre ellos, por otro está la peña de Top Shelf/ Alternative Press, que suelen estar siempre comunicados entre ellos (por supuesto, con algunas excepciones). Me gustaría acordarme de la frase exacta... (creo que fue Kim Thompson quien intentó definir cuál era la diferencia principal entre ambas facciones.) Creo que era por la actitud, porque mientras la panda de Top Shelf son muy optimistas y parecen siempre felices, los tíos de Fantagraphics/ D&Q suelen estar más apagados, son muy pesimistas y parecen estar orgullosos de ello. [Risas.]

Gary Groth [desde el público]: Creo que ahora deberíais hablar sobre Scott McCloud.
LOS DOS MINUTOS DE ODIO HACIA SCOTT MCCLOUD

Thompson: Si, puede que nosotros seamos la generación de Understanding Comics [Entender el Cómic, Astiberri]. 

Groth [desde el público]: Me pregunto si habrá alguna verdad en ese título. Me refiero a que de algún modo, McCloud ha presionado mucho al mundillo haciendo alarde de una especie de indiscriminada actitud de "amo los cómics". Además, parece que la generación más joven suele teorizar mucho más que la anterior. Cuando Gilbert u otro historietista de su generación y yo nos ponemos a charlar, lo hacemos sobre obras o dibujantes específicos, mientras que esta última generación está virando hacia la teorización de elementos más abstractos. No me gustaría elevar el papel de McCloud hacia alturas más significantes de lo que se merece, pero da la sensación de que ahora es como un personaje básico.

Miembro del público: además, me gustaría apuntar que muchos artistas de la nueva generación del cómic se están deshaciendo de bastantes ideas que ya estaban asentadas acerca de la narrativa y la representación realista de la vida.

Dirk Deppey [desde el público]: Pero uno de mis períodos favoritos de la obra de Gilbert, por poner un ejemplo, es el material de New Love, que era salvajemente experimental y poco realista.

Hernandez: Eso es porque intento seguir en la onda con los más jóvenes. [Risas.] 

Hussey: Gilbert, ¿qué opinas de Entender el Cómic?

Hernandez: Es el primer libro de mi biblioteca del que me he deshecho. Normalmente los guardo todos. Para empezar, creo que era bastante interesante. En él se mencionaba mi nombre, bien. Utilizaba algunas viñetas mías, perfecto. Perfecto, claramente él le ha estado dando muchas vueltas. Y luego me he fijado que cuando rotula deja un rabillo con su Rapidograph. Si te ocurre eso con el Rapidograph, deshazte del aparato. Sé que es una cosa extraña en la que no he podido evitar fijarme. Luego empecé a darle vueltas y me dije: "Que le den a este libro, ni siquiera me importa si él está en lo cierto." [Risas.] Así que tenga razón o no, no me importa mucho.

Hussey: Pero, ¿por qué no tragas con este libro? Es porque tiene un mal dibujo, o porque...

Hernandez: Ni siquiera lo sé, será porque no suelo leer cómics como ese. Cuando lo hago, no los leo con prejuicios ni nada así.

Thompson: Tampoco es que sea un cómic para el converso, ¿no es cierto? Creo que yo lo descubrí en el momento perfecto, porque llevaba sin leer cómics desde que era niño, ¡y Entender el Cómic expandió un montón mi ideas sobre el potencial del medio!

Hernandez: Si, claro, probablemente para eso sea perfecto. "O sea, ¿que no entiendes el cómic? Pues espera y verás". [Risas.] Pero es como un pequeño Ayn Rand, es muy controlador. Y yo no soy una persona fácil de controlar: no soy ni capaz de decirte las pulgadas que miden mis viñetas, por lo que... Las miro, pero no las mido. Así que no creo que yo sea un buen ejemplo. Entender el Cómic me parece muy envarado. Diría que en esa obra se miden las cosas con demasiado entusiasmo. Es como si todo fuese bastante moderado.

Hussey: Muy científico.

Hernandez: Si, y McCloud se dibuja a sí mismo como un tipo sonriente, como si estuviese diciendo: "soy muy majo y amigable, y sé más de ordenadores que tú, pero..." Siempre he pensado que si amas los cómics, entonces ¿por qué intentas destruirlos con un ordenador?

Thompson: Es que los está reinventando. [Risas.] 

Hernandez: ¡Lo sé! Alguna vez nos hemos puesto a charlar sobre cómics y ordenadores, y yo le he dicho: "Yo utilizo un pincel. Creo que nunca voy a ponerme a usar el ordenador." Y él me ha respondido: "Claro, pero sabes bien que los ordenadores serán la nueva forma de hacer cómics". Y yo le he contestado: "Bueno, parece como que me estés diciendo que ya no voy a poder seguir trabajando en este medio." Puede que por eso no me guste Entender el Cómic.

Hussey: Es como si te hubiese dicho: "Bueno, ahora que existe la guitarra eléctrica, deshazte de ese trombón, porque no entiendo para qué lo quieres." 

Hernandez: Claro. Yo ya sé dibujar. Sé como funciona el cómic. Lo que tengo que hacer es mejorar desde este punto, no gracias a cualquier avance tecnológico.

Hussey: Craig, ¿qué elementos del libro te atrajeron más?
Thompson: Un montón. La variedad de formas que hay de innovar en un medio único, esa "magia entre viñetas", incluso la idea de que el tapiz de Bayeux es un cómic. Y ciertamente todos los "McCloudismos" que van apareciendo, como el cómic en 24 horas, que fue todo un hito para la gente de mi edad. Recuerdo que a veces celebrábamos fiestas donde los participantes nos pasábamos toda la noche dibujando. Estaba muy bien para pasar el rato dibujando, intentando ser espontáneos, y después de 20 horas empezaban a aparecer algunas revelaciones, empezabas a alucinar. 

Creo que Entender el Cómic y Reinventing Comics [Reinventar el Cómic, Planeta] son diferentes, porque el segundo rechaza a toda una generación de historietistas. Recuerdo que cuando me lo leí, no me gustó nada. Me deshice de él, como hizo Gilbert con Inventar el Cómic, porque no estaba listo para toda esa propaganda sobre ordenadores e internet. Sé que la gente más joven que yo cree que Reinventar el Cómic es muy revelador, pero a mí no me van los e-cómics.

Hussey: ¿Qué es lo que podemos ver en los cómics de esta joven generación? ¿Qué fortalezas y debilidades crees que tiene su forma de hacer cómics?

Hernandez: Bueno, como he dicho antes, creo que están intentando encontrar un público que no sea el de Marvel o DC, que es algo muy positivo. Su estilo de dibujo es un poco más abstracto. Básicamente, yo dibujo como en 1955. Ese es mi estilo. Estos tíos están dispuestos a seguir desarrollando su estilo de dibujo, mientras que yo estoy contento con mi estilo actual. Así que respeto su actitud, que su trabajo sea más abstracto y que estén dispuestos a seguir elaborando su estilo. Nunca van a dar marcha atrás. Tengan o no éxito, creo que sigue siendo una buena meta. También me gustan los cómics que no se parecen a los míos, a diferencia de otros historietistas, que maldicen a los demás porque las cosas no son como les gustaría a ellos. Seth es el ejemplo perfecto. "Oh, la gente dibuja de tal forma, ¡pero deberían dibujar de esta otra! Deberían dibujar hojas que caen en cada viñeta, y luego las hojas deberían aterrizar en la quinta página." [Risas.] El mainstream me ha hecho mucho daño. De alguna forma la obra de Seth me echó un cable para sanarme, pero... creo que sigo algo dañado. 

Thompson: Supongo que la siguiente generación ya no va a trabajar con papel.

Hernandez: Es muy probable.

Hussey: Craig, ¿crees que internet está teniendo algún tipo de efecto en el contenido o estilo de los historietistas más jóvenes?

Thompson: No lo sé. Como no leo cómics online, tan sólo he visto ese material cuando lo reimprimen en forma de "mini-cómics". Y hasta donde he podido ver, el material y el estilo no me parecen tan diferentes del resto. De todas formas no me gusta leer material online, me fastidia los ojos. Y como ocurre con la mayoría de historietistas, comparto cierto fetichismo por el producto impreso,  ¡me gusta mucho husmear los aromas tóxicos de la tinta recién impresa!

Hussey: Creo que vamos a llegar a un punto en el que la gente no va a querer comprar la obra de nadie. Aunque me parece que tener el cómic almacenado en el ordenador no es lo mismo que cuando está en la estantería.

Hernandez: Yo no suelo mirar cómics en el ordenador, porque no sé ni cómo funciona ese aparato, pero mi mujer me compró una recopilación de los Mad Magazine en CD-Rom. Cuando nos pusimos a leerlos terminamos pasando, no fuimos capaces.
PREGUNTAS DEL PÚBLICO

Miembro del público: Tengo curiosidad por saber cuál creéis que es la función de las autobiografías en la industria del cómic indie. ¿Cómo se sabe cuándo es una obra artística en lugar de tan solo un diario personal?

Hernandez: Lo único que tienes que hacer es cambiar el nombre de los personajes y su apariencia. [Risas.] De esa forma ya puedes mentir todo lo que quieras, porque de todas formas, la mayoría de cómics autobiográficos son mentira. Da igual que los artistas parezcan malos o buenos en ellos, al final su vida se convierte en ficción... una ficción que está basada parcialmente en ciertos aspectos de la realidad. Aunque luego digan: "¡soy yo! ¡me ha ocurrido a mí!", pero en realidad no es así, porque sigue siendo una historia planificada. Durante una época me molestó bastante que hubiera tantos, y por eso hice algunas parodias.

Thompson: Estoy de acuerdo. Blankets no es una autobiografía. Tuve que ir falseando algunos recuerdos. Mientras estaba escribiendo el guión, había veces en las que me preguntaba: "¿qué demonios estoy haciendo?" Tuve que editar algunos detalles bastante fascinantes, o bien para proteger a alguna persona, o bien para hacer que las cosas resultaran más creíbles. Sabía que nadie iba a creerse que eso me hubiese ocurrido en la realidad. Así que terminé desechando un montón de anécdotas interesantes. Pero en cuanto al guión de mi vida ficcionalizado, creo que escribirlo me ayudó mucho para conocer algunas partes de mi personalidad bastante débiles. 

Miembro del público: ¿Creéis que esta generación tiene menos interés en el aspecto técnico del oficio? ¿Podría ser una reacción contra la anterior generación?

Hernandez: Bueno, a veces la gente intenta distanciarse.

Thompson: ¿Qué hay de Gary Panter?

Hernandez: Es muy bueno, pero nunca he visto un dibujo suyo bien hecho, así que en realidad no sé si sabe dibujar o no. Sé que ha influido a muchos. Su antigua esposa incluso ha llegado a rechazar su obra y a decirme que es un impostor. Por supuesto, creo que intenta perjudicarlo todo lo que pueda. [Risas.] A veces me ha dicho: "Si quieres te lo enseño, vente a mi casa para ver sus dibujos y ya verás." Nunca lo he hecho, así que no sé que decir. Pero sospecho que aunque no tenga mucho que ver con su cabreo con él, puede tener algo de razón. Aunque en el mundo del cómic alternativo Gary Panter es  muy querido.

Hussey: ¡Es una frase para recordar! [Risas.] 

Miembro del público: También me gustaría comentar que hay un montón de historietistas que han llegado al medio del cómic de forma casual, gente como Megan Kelso y Joe Sacco. ¿Qué te parece?

Thompson: Por seguir mofándome de las Escuelas de Arte: allí todo suele centrarse en el "arte". Por otro lado, supongo que los estudiantes universitarios disponen de un conocimiento mucho más amplio acerca de una gran variedad de temas, y eso mejora sus obras un montón. ¡Los cómics necesitan más Megan Kelsos y Joe Saccos!

En cuanto a mí, la verdad es que terminé largándome de la universidad y de la Escuela de Arte. Y ahora que lo pienso, también del instituto...

Hussey: Gilbert, Craig, muchísimas gracias. [Aplausos.]

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Frank Hussey lleva trabajando para Danger Room Comics (en Olympia, Washington) desde 1996. Además, durante estos últimos años ha estado dirigiendo la compañía. En 1997 creó el evento Comics Appreciation Day, que forma parte del Festival del Cómic de Olympia. También es el autor del acto "Fantagraphics For Sale", que fue interpretado durante el último festival y que accidentalmente presagió los recientes apuros financieros de la editorial. 

jueves, 8 de septiembre de 2016

WOMAN


Woman - Woman
(Bang! Records, 2009)

1-When The Wheel's Red
2-Gaol Inside My Heart
3-The Perfect Night
4-E-A-T-D-N-A
5-Phosphorescent Glow
6-Fall Into The Fall
7-Heavy Water
8-Icy Drone

AQUI.

miércoles, 7 de septiembre de 2016

UNA CONVERSACIÓN CON GILBERT HERNANDEZ Y CRAIG THOMPSON (2 de 3)


(Artículo aparecido en The Comics Journal número 258, 2004, traducido por Frog2000.) Parte 1.

Thompson: ¿Qué hay de Chester Brown?

Hernandez: Creo que Chester es un dibujante de verdad, pero en los últimos diez años también parece estar algo pagado de sí mismo. Probablemente El Playboy (La Cúpula) y Nunca me has gustado (Astiberri) sean dos de las mejores novelas gráficas que existen después de Maus (Mondadori) y Espera... (Astiberri) de Jason. Son todo un acierto. Underwater es una gilipollez. En su momento llegó a comentar: "Oh, ¡en diez años verás como se convierte en algo grandioso!" Bueno, ya han pasado diez años y sigo sin creerme que sea algo grandioso. No tengo mucho más que decir, porque no me he leído Louis Riel, estoy esperándome a la recopilación. Empecé a comprar la edición en papel de pañuelo y... mejor me espero al tomo. Como decía, creo que es un dibujante magnífico, pero es uno de esos tíos que cuando empieza a pensar que es grande, de repente se pone a vaguear y tan solo se curra una viñeta al mes, igual que Joe Matt. Joe Matt se muestra como un mierda en todos y cada uno de sus números, pero lo hace porque le encanta aparecer de esa forma: "¡Soy alguien tan controvertido...!" Su cómic debería titularse Joe Matt. [Risas.] Pero de nuevo, creo que estos tíos son los suficientemente buenos como para que siga interesándome su trabajo... El Señor Contradicción vuelve a cubrirse el culo. [Risas.] 

Hussey: He escuchado que hasta cierto punto Crumb se siente de la misma forma, como que él era el maestro para el resto, el único, y aquí tenemos a todos estos jóvenes idiotas consiguiendo un montón de alabanzas y aplausos por parte de la crítica. ¿Habéis sentido algo similar Jaime y tú? 

Hernandez: Cuando he podido charlar con Crumb me pareció que se encontraba algo distante. De todas formas, creo que Crumb no es un llorón en plan "oh, pobre de mí". Pero a Jaime le estuvo fastidiando y picando un poco.

Thompson: ¿Cómo llegó a ocurrir?

Hernandez: Bueno, empezó a mirar a Jaime y...

Thompson: ¿...y empezó a empujarlo o algo parecido? [Risas.]

Hernandez: Lo que hizo fue no hablar demasiado con él, tan solo se quedó ahí plantado mientras se estaba riendo. Fue un poco raro. "Tienes la mitad de mis años y eres capaz de dibujar realmente bien. Eres ese tío del que están hablando todo el tiempo." En cierta forma, Crumb es muy competitivo, algo que hace que sea muy fuerte para algunas cosas, pero en ese momento pude sentir la tensión, aunque también puede ser porque su mujer estuvo coqueteando un poco con nosotros. [Risas.] Él hacía como que no le importaba, pero...

Thompson: Tienen un rollo de pareja abierto...

Hernandez: Claro, pero se podía sentir la tensión. Crumb empezó: "Si, lo que digáis." Pero Aline estaba flirteando bastante con nosotros. Creo que es una mujer muy agradable, y a mí me encanta su obra. De todas formas, en cuanto a tu pregunta sobre si nos ocurre lo mismo a nosotros con los artistas más jóvenes, no sé si se parece a lo que le pasa a él. Puede que haya algo, que tengamos algo de envidia o la sensación de que están invadiendo nuestro territorio, pero no te lo puedo asegurar. Solo un psicólogo podría decirlo. Yo no. A veces me digo: "Esta es una obra bastante mediocre, ¿por qué no son capaces de dibujar como Mike Sekowsky?" o "Esta persona todavía no está preparada." La verdad es que no soy capaz de saberlo. Pero todo el tiempo me estoy preguntando: "¿estaré acabado?"
Hussey: Craig, déjame formular la cuestión anterior. ¿Cómo crees que trata tu obra la generación anterior, te sientes aceptado o más bien rechazado por ella?

Thompson: Para ser honesto, no creo que exista una brecha tan grande entre generaciones como para justificar toda una charla. [Grandes risotadas.] De acuerdo, puede que exista algo de rechazo, no lo sé, aunque solo hay unos diez años de diferencia. Y aparentemente, la generación más antigua parece estar apoyándonos. Recuerdo cuando me reuní con Chris Ware la primera vez, yo estaba muy nervioso, era un fan inseguro con un único mini-cómic editado, y sin embargo él me animó un montón.

Hussey: Tampoco me esperaba que hubiese actuado con acritud.

Thompson: No, pero más bien creo que la generación más joven mantiene una especie de distancia respetuosa de fan. Cuando conocen a alguien al que respetan mucho, te das cuenta de que los historietistas alternativos se quedan estupefactos como fans. Por supuesto, es una tontería, pero les sigue intimidando un montón hablar con Dan Clowes. A Clowes lo he visto un par de veces y no he sido capaz de hablar con él.

Hernandez: Bueno, puedes sentirte a salvo la próxima vez, porque tu trabajo no se parece nada al de él. Si fuese más parecido, creo que se terminaría propasando contigo un montón. [Risas.] Creo que se está convirtiendo en el mejor historietista que existe.

Thompson: Jordan Crane y yo estuvimos charlando hace poco y me comentó: "Ya sabes, Craig, resulta muy extraño. Nosotros nos hemos convertido ya en "la vieja escuela" para todos estos nuevos chavales de los mini-comics". Me pareció hilarante.

Hussey: Craig, ¿te causa algún problema la forma en que obras como Love and Rockets han terminado siendo definitivamente influidas por los cómics comerciales según se iban desarrollando a lo largo de los años? Me estoy refiriendo a cosas como la continuidad de los mismos personajes en la serie. Por lo general los cómics se suelen centrar más en el número de grapa que en la recopilación. Son rasgos que Love and Rockets también comparte. ¿Qué opinas?

Thompson: Bueno, por culpa de su rasgo de serial continuado, resulta imposible que haya nuevos lectores que se pillen un número suelto y puedan meterse en este Universo, o incluso llegar a comprenderlo. Por eso creo que las novelas gráficas auto-conclusivas disponen de una ventaja. Y a veces, por culpa de la limitación de páginas, el ritmo narrativo del serial puede ser extremadamente denso, incluso llegar a dar sensación como de congestión. Los nuevos cómics tienden hacia un ritmo más espacioso y casual que les ofrece la flexibilidad de la novela gráfica... ¡aunque a menudo también pueda causar errores! Algunas novelas gráficas se pueden leer en media hora. Los árboles que habrán tenido que morir...

Hussey: Parece que ahora los lectores tienen como más decisión. Sé que hay un montón de ellos que rechazan por completo las historietas que aparezcan en Top Shelf y punto. También he escuchado decir que "Dan Clowes es terrible. Antes solía gustarme. Pero ahora es horrible, solo me gustan James Kochalka y Jordan Crane", o cualquier otro de la lista. No quiero ni pensar hacia dónde nos pueden llevar pensamientos tan reaccionarios. Pero me gustaría escucharlo.

Thompson: Bueno, creo que los historietistas europeos están realizando una revisión mucho más dramática de los enfoques más tradicionales del medio, como el de esperar todo un año para sacar un álbum de 48 páginas meticulosamente dibujado. Un buen ejemplo puede ser la revolución propugnada por Trondheim y su producción de 500 páginas al año. Obviamente es una reacción contra ese estilo "lento" anterior.
Hussey: ¿Cuáles son las fortalezas y las debilidades que puede tener la generación de Gilbert y Dan Clowes?

Thompson: Creo que saber abocetar y dibujar es vital, es el esqueleto de este arte, lo que hace que tenga valor. Pero el estilo de historieta "clásico" también puede convertirse en algo aburrido y rígido, demasiado trabajado. Lo ideal sería dibujar composiciones con mucha solidez y un entintado más suelto. Eso es lo que intentan hacer un montón de historietistas más jóvenes. Desafortunadamente, algunos sólo escogen la parte del entintado más suelto. [Risas.] Es como la gente que intenta copiar al último Picasso antes de aprender a dibujar. 

Kim Thompson: [Desde el público.] O como Frank Miller intentando ser Hugo Pratt.

Hernandez: Es gracioso, porque Frank Miller ha ido mucho más allá al elaborar su actual dibujo abstracto que la mayoría de estos jóvenes chavales.

Thompson: Creo que es un elemento compartido por muchos artistas de la generación anterior, aunque tampoco se pueda aplicar a Love and Rockets. Me refiero a que los primeros trabajos de Chester Brown (que me encanta y es mi historietista favorito) y Dan Clowes, a veces son perturbadores e inquietantes por el placer de serlo. Es muy similar a los primeros underground. Y creo que ahora esos son los límites que tenemos que superar, porque no hace falta ser perturbador (ya que se puede convertir en todo un aburrimiento), con todos esos personajes comiéndose los mocos y esa imaginería bizarra y freak...

(Continuará)

martes, 6 de septiembre de 2016

UNA CONVERSACIÓN CON GILBERT HERNANDEZ Y CRAIG THOMPSON (1 de 3)

(Artículo aparecido en The Comics Journal número 258, 2004, traducido por Frog2000.)

Craig Thompson se basta por sí solo para refrendar la teoría de que no existe una brecha generacional de importancia entre la primera y la segunda oleada de creadores de cómic alternativos lo suficientemente importante como para no poder celebrar un debate en una Convención de cómics. Porque mientras charla con su colega historietista Gilbert Hernandez sobre las sucesivas generaciones del cómic, el trabajo y el esfuerzo, el arte de primera, algunos de sus compañeros y la asquerosidad que suponen los ordenadores y las Escuelas de Arte, no parece que exista dicha brecha generacional. Esta conversación se celebró el 17 de marzo de 2003 en el Olympia Comics Festival de Olympia, Washington. El Journal quiere agradecerle al señor Hussey que nos haya prestado sus grabaciones personales del evento. 

-Milo George.

(La charla fue transcrita a partir de audio y video por Ilse Driggs y Milo George. El Sr. George la copió y editó con la ayuda de los participantes.)

Frank Hussey: Cuando asistí a la Small Press Expo del año pasado me sorprendió un montón la cantidad de nuevos cómics (o cómics naif) que habían empezado a editarse. Individualmente conocía algunos (porque, por supuesto, forma parte del trabajo en la tienda), pero no estaba al tanto del movimiento que se ha ido generando, de cuánto material existe ya hasta el momento. Me hizo pensar que en el medio del cómic hay varios movimientos generacionales diferentes. Tengo enfrente a Gilbert Hernandez, que creo que es uno de los mejores ejemplos con los que podemos contar de la primera generación de cómic alternativo, y a Craig Thompson, que creo que es uno de los mejores ejemplos con los que podemos contar del último movimiento en los cómics. "Bueno, juntémoslos y veamos si se produce algún tipo de conversación fructífera". Me gustaría señalar (y podéis estar de acuerdo conmigo o no) que cuando hablo sobre esta nueva escuela de cómic naif, me refiero a artistas como Tom Hart, James Kochalka, etc.

Craig Thompson: ¿Como si formasen parte del arte-folk o algo así? ¿Naif? ¿A quién te refieres? ¿A Howard Finster y otros artistas del folk?

Gilbert Hernandez: ¿Tíos que realmente no saben dibujar bien y que quieren ocultarlo de algún modo?

Hussey: No, en realidad no, porque me parece que algunos de ellos son buenos dibujantes, pero otros no son buenos para nada. Tenemos cosas como Clumsy [Torpe, La Cúpula], de Jeffrey Brown, que me gusta un montón, pero su estilo de dibujo es muy rasposo. Y también está gente como Joel Priddy, que hizo Pulpatoon Pilgrimage, que me parece un material precioso, pero tampoco es que me haya puesto a buscar la recopilación. La cualidad que más parece mostrar esta generación es ese tono vacilón, a menudo de rasgos caprichosos, como si quisieran incrementar el tono cartoon. Y por ello dan esa especie de sensación naif.

Thompson: La verdad es que no sé si deberíamos englobar juntos todos estos estilos, pero creo que John Porcellino es todo un ejemplo para mi generación. Me refiero a esta generación de creadores de mini-cómics, ya que hay un montón de nosotros que empezamos a mostrar nuestras obras dentro de dicha comunidad, y creo que tendíamos a trabajar con un estilo más minimalista. Puede que "minimalista" sea un término más apropiado que "naif": en formato reducido, con dos viñetas por página...

Hussey: En una charla que se ha celebrado anteriormente, los ponentes fueron Kochalka y Woodring. "Currarse las cosas es el enemigo" fue una de las sentencias promulgadas por Kochalka. 

Hernandez: Solo un tío que no sabe dibujar es capaz de decir algo así. Aunque tampoco creo que él dibuje mal, su estilo me parece encantador.

Hussey: Y es cierto que improvisa muchísimo.
Hernandez: Claro, y tampoco espero que dibuje como Frank Frazetta. Mi hermano Jaime es alguien único porque es capaz de tender un puente entre el dibujo de primera, las habilidades naturales y los guiones adultos. Pero solo una persona que no es capaz de dibujar bien se atrevería a atacar de esa forma a la gente que puede hacerlo.

Hussey: Durante el debate yo estaba completamente a favor de Woodring [risas], pero creo que si leemos entre líneas, nos daremos cuenta de que Kochalka estaba intentando decir algo en plan: "Adelante con el cómic. Hay que seguir creando. Que no os detenga el hecho de que no seáis capaz de dibujar bien." 

Hernandez: Entonces debería haber dicho eso en lugar de lanzarse con una charla tediosamente larga...

Thompson: Es joven, estaba demandando atención.

Hussey: Claro, en gran medida ese puede ser el motivo.

Thompson: Me parece muy interesante que en los dos movimientos musicales contra-culturales de nuestras generaciones, el punk rock de finales de los setenta y el indy rock de los noventa, se promoviese la ética del hazlo tú mismo y se potenciase la actitud sobre el esfuerzo de currárselo, aunque el punk tenía una actitud más urgente y de hacerse de una vez por todas con el mundo, mientras que de alguna forma, el indy rock que surgió del grunge era más derrotista. Quizá ese sea el motivo de que los Hernandez tengan ese estilo tan evolucionado, mientras que a mi generación podríamos culparla de ser un poco gandules. 

Hernandez: Recuerdo que a finales de los setenta y principios de los ochenta me gustaban todas las bandas punk que iba a ver, me encantaban, me pillaba todos sus singles y el resto de cosas que hubiesen puesto a la venta. Pero cuando las escucho en la actualidad solo me gustan las bandas que son capaces de tocar como los Clash o X. Hay un montón de grupos que me gustaban y a los que solía escuchar que ahora ya no me dicen nada, porque musicalmente no me suponen ningún desafío. 

Hussey: Supongo que tu capacidad crítica se habrá ido incrementando con la edad y ya no te subes al carro solo porque la banda esté etiquetada como punk.

Hernandez: Si, tal y como me solía ocurrir antes.

Hussey: Me pregunto si no terminará ocurriendo lo mismo con un montón de estos cómics que están saliendo de las manos de esta generación de la fotocopiadora.

Hernandez: Es obvio que en esta generación también van a aparecer historietistas magníficos...

Hussey: Supongo que lo que los diferencia de la generación anterior es que ahora cualquiera puede tener acceso a una fotocopiadora. 

Thompson: También hay como un afán de intentar pertenecer a la Generación-X, de ser un poco vago y no querer levantar la vista más allá de tu entorno de los mini-cómics. Es como una especie de auto-rechazo con el que soy capaz de llegar a identificarme.

Kim Thompson: [Desde el público.] No creo, porque sé que ahora estás ocupado con una novela gráfica de 500 páginas. [Risas.]

Hernandez: Para mí sería mucho más fácil que cuando fuese a comprar una obra de Craig pudiera decirme: "Oh, oh, este es otro de esos tíos de los mini-cómics. La verdad es que no sé qué es lo que me quiere decir." Pero tu material es completamente maduro. Sabes dibujar. Sabes cómo guionizar. Sabes muy bien cómo hacer un cómic. Se puede ver perfectamente en tu obra.
GENERACIONES DE CÓMICS ARTÍSTICOS

Hussey: Se me ha ocurrido que podríamos echarle un vistazo a las generaciones anteriores de escuelas y cómics artísticos con la intención de investigar cuáles fueron sus influencias y si en su momento también reaccionaron contra la generación anterior. Por ejemplo, ahí tenemos a los habituales artistas del cómic underground, que conocían muy bien el material de la EC y que claramente dibujaron algunas obras que diferían bastante de sus influencias. Por su parte, la generación de historietistas alternativos de los ochenta habían leído esas obras underground anteriores, pero se dirigieron en una dirección completamente opuesta. E incluso entre los talentos con un estilo más artístico como los de Robert Crumb o Gilbert Shelton se pueden reconocer otro tipo de influencias. Tienen estilos parecidos al de Wolverton, un dibujo de grandes pies, pero cuando te pones a revisar los ochenta te das cuenta de que, por supuesto, estos tíos siguen estando entre los más vendidos, y que aunque también aparecieron una buena diversidad de estilos y técnicas de guión, casi todos los artistas poseen ese tipo de trazo perfecto y preciso: los Bros. Hernandez, Clowes, Ware, Burns. Hay muchos más. Ahora estamos presenciando la llegada de una generación muy diferente, tanto en la forma de guionizar como en la de dibujar. ¿Contra qué creéis que se están rebelando y cuáles son sus rasgos más característicos?

Thompson: Bueno, creo que mi generación sí que les rinde culto a los hermanos Hernandez, a Dan Clowes y a Chris Ware. Puede que Ware sea el autor más reverenciado de todos, en parte por su formalismo inventivo. Supongo que para muchos jóvenes historietistas, el Acme fue el recopilatorio que "los enganchó a los cómics." Aunque también he de confesar que yo me he posicionado un poco en contra de esa especie de frialdad y cinismo que suelo percibir en los cómics alternativos. Por lo que quiero producir deliberadamente obras más alegres para intentar alejarme un poco de tanta amargura.

Hussey: ¿Crees que ese es un rasgo que predomina mucho en la obra de la generación anterior?

Thompson: Hasta cierto punto creo que sí. Por supuesto, nadie que se lea todo Jimmy Corrigan va a etiquetarlo como una obra sombría y amarga. En realidad es humana y sincera, ¡y me parece maravilloso! Pero mi forma de ver las cosas ha cambiado. Creo que todos los grandes historietistas actuales se están empezando a centrar más en cosas honestas.

Hussey: Beto, tengo la sensación de que la generación más joven de historietistas actual suele ser bastante fan de la tuya. Han leído muchísimo vuestras obras, algo que me parece que no ha ocurrido al revés. ¿Qué crees que opina tu generación de esta otra generación más joven? ¿Crees que son aceptados o en realidad suelen ser descartados?

Hernandez: Resulta difícil decirlo, porque todavía no he hablado con ninguno. [Risas.] Tampoco es que yo sea un buen contertulio. La mayoría de este material lo conozco por el Comics Journal. Nunca había escuchado hablar de muchos de estos jóvenes artistas, porque la verdad es que no estoy al día. Suelo acudir a las Convenciones, por lo que he acumulado montones de mini-cómics que la gente me suele dar para que los eche un vistazo, algo que me parece estupendo. Pero a veces miro alguno y en realidad me parece que los dibujantes acaban de empezar su aprendizaje, aunque me doy cuenta de que tienen ganas de meterse en los cómics y eso me parece bien, ¿vale? Y luego cogen y me dicen: "Me gustaría que nos dieses tu opinión para meterla en la portada", porque quieren vender su obra. ¿Me estás vacilando? [Risas.] Como he dicho, cuando los miras al principio parece que se han divertido mucho al hacer y sacar los cómics. De acuerdo, me parece magnífico. Pero luego empiezan a decir que si esta es su gran obra y no sé qué. Así que supongo que durante un tiempo he estado guardando las distancias y todo eso, porque ibas conociendo gente y te terminaban pasando toneladas de material. Y como ya soy más anciano, un viejo historietista, cada vez me atrae más la forma antigua de hacer los cómics. Hablo del dibujo, no del guión. Aunque creo que ahora los chavales están intentando parecer más adultos, o al menos parece como si intentaran comunicarse con el público. Mi generación todavía se siente atraída por un montón del material que se leyeron cuando eran críos, como las cosas de Jimmy Olsen de las que nos estuvimos cachondeando el otro día [se refiere a las proyecciones que se hicieron al principio del festival, durante las que Hussey estuvo mofándose de viejos cómics de Superman.] Aunque me critiquen por decir algo así, no me importa confesar que me gustan mucho esos cómics.

(Continuará)