¿QUIÉN ES BILLY?

MONDO BRUTTO 41

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SUPERHEROES VAGABUNDOS

BOSS HOG: ELLA ES LA JEFA

BOSS HOG: Ella es la Jefa. 
Una Entrevista con Cristina Martinez de Boss Hog por Gail Worley (Ink 19, June 2000). Traducción de Frog2000.

Cristina Martínez expresa preocupación porque su peludo abrigo de lana negra la haga parecer una prostituta, pero yo no lo creo. Al contrario, hace que parezca poseer un innegable aura de ser alguien importante, alguien al que te gustaría conocer. El abrigo le da un aspecto deslumbrante a la cantante de pelo oscuro de nuestros colegas de Nueva York, Boss Hog, haciendo que parezca lo que realmente es: una estrella de rock. Martínez y su banda –la cuál incluye al que es su marido desde hace diez años, el guitarrista Jon Spencer (de la Blues Explosion), el bajista Jens Jurgenson, la batería Hollis Queens y el teclista Mark Boyce, llevan desaparecidos en combate desde hace casi cinco años.

Su nuevo CD, White Out, demuestra que Boss Hog ha aprovechado su retirada del campo de juego como una oportunidad perfecta para reagruparse y volver con una potencia de fuego superior. Después de lanzar su debut con una gran discográfica (con Geffen, en 1995) y firmar para hacer frente a su siguiente disco, las cosas no salieron como las tenían planeadas. En mitad de la tumultuosa fusión entre Universal y Polygram, Boss Hog fueron expulsados de la compañía, pero se marcharon con el avance completo de lo que hubiera sido su segundo disco con ellos y como propietarios de todas sus canciones. Martínez considera que tuvieron mucha suerte. "Nos encontramos en la mejor situación posible de todas", comenta. "Yo seguía teniendo todas mis canciones y el dinero de adelanto. Llegamos a grabar White Out completo para Geffen y ahora todo lo que saquemos del disco serán beneficios. De lo contrario nunca habríamos visto un centavo, porque lo que ganásemos habría sido para devolver los gastos y nos tendríamos que haber quedado en ese sello discográfico de mierda." En esta ocasión, lo que no les ha destruido los ha hecho más fuertes. White Out es el cuarto disco de Boss Hog como tal en sus diez años de historia. Definitivamente parece ser un buen augurio para su futuro.
En White Out habéis trabajado con una gran cantidad de productores diferentes en vez de con uno sólo, ¿por qué lo habéis hecho de esa manera?

Escribimos las canciones en dos sesiones diferentes. El disco terminó siendo muy diferente estilísticamente. El primer grupo de canciones era muy New Wave y la segunda tanda acabó sonando mucho más moderno y poppy para nuestro gusto. Pensé que harían falta dos sensibilidades diferentes para hacer frente a los resultados. Mi intención inicial era que sólo hubiese dos productores: Andy Gill y Tore Johanson. Cuando vino Andy Gill su cometido era trabajar en ocho canciones en unas dos semanas, así que al final tuvo que darse prisa y mezclar cuatro canciones en un día o algo así. Era algo ridículo. Naturalmente, aunque todo estuviese dicho y hecho, algunas de las canciones no estaban terminadas del todo. Entonces tuve que hacer frente al hecho de que me había quedado sin dinero en ese momento y Andy ya no iba a estar disponible, porque ya estaba ocupado en su siguiente proyecto.

Así que básicamente recluté a amigos que viven en Nueva York y que sabían cómo hacer un buen trabajo, así como hacer un par de mezclas por poco dinero. Terminaron siendo cinco productores en lugar de dos, pero la intención inicial era la de tener sólo dos. Tore es el único que en realidad es productor y también es un genio con mucho talento. El resto de ellos son artistas y eso era todo lo que sabíamos de ellos, aunque también habían producido sus propios trabajos. Andy había producido material de Gang of Four y así fue como conocimos su faceta de productor. Respecto a Jim Thirlwell y Roli Mosimann, Wiseblood me han influido enormemente, por eso los conocía. Jim Sclavunos forma parte de los Bad Seeds. Por lo tanto, lo que realmente me interesaba era su faceta como músicos.

Sin embargo, algunos son nombres importantes...

Sé que parece el Quién es Quién de los productores, pero siempre he tenido la idea de componer una canción y dársela a varios productores para ver quién hace el mejor trabajo y luego partir de ese punto. Eso es lo que quería hacer. En lugar de acudir a ellos y escoger entre lo que ellos me ofrecían, terminamos diciéndonos: "¡Oh, puede que este haga un buen trabajo". Y funcionó, ya sabes, me he quedado muy contenta con el disco. Al final soy como su Productora Ejecutiva, la persona que mantiene la cohesión de todo el conjunto... la que se asegura de que todo lo que suena tenga sentido.
El disco tiene un sonido retro muy cohesionado, especialmente gracias a los teclados.

Es curioso, porque parece retro-moderno. Utilizamos loops de batería, que es algo que nunca habíamos hecho antes. No es que quisiésemos usar los loop de batería, pero los productores sí que querían meterlos. Yo sólo quería un ritmo constante a lo largo de toda la canción, que es algo que nunca habíamos hecho antes. Compusimos las canciones para que tuviesen ritmos continuos en las versiones que hicimos en los ensayos y a continuación, para conocimiento de los perfeccionistas, les metimos loops en base a lo que Hollis había tocado antes. Me encanta que no tuviésemos ningún problema, ya que probamos un montón de combinaciones. Sonaron todo tipo de cosas, ritmos continuos que eran muy parecidos al trance, muy hipnóticos, y terminamos por quedarnos prendados.

Cuando escucho el registro de tu voz, tanto en lo vocal como en lo estilístico, en realidad me recuerdas a la primera Blondie. ¿Puedes comentar algo?

Hay varias personas que me lo habían dicho antes y es algo que me hace mucha gracia, porque he de confesar que el primer disco con el que cogí un cepillo y simulé que era un micrófono fue con el Parallel Lines, uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. Todavía escucho "Fade Away"... Todas esas canciones son sencillamente geniales. Me resulta tremendamente halagador que me lo comentes. No creo que mi voz se acerque a la de Debbie Harry. Su voz es increíble. Si me parezco un poco es porque me encanta. Si crees que te recuerdo a ella entonces eso me parece genial.
¿Qué se siente al volver al estudio después de un largo descanso concentrada en ejercer de mamá?

Después de una pausa tan larga estábamos muy contentos de tocar con los demás. Por eso todas las canciones son muy energéticas y pop en el mejor sentido de la palabra. Tienen un montón de energía positiva. Eso está bien. Todo lo que puedo decir de este disco cuando lo escucho es que es muy pop [risas]. Podría haber sido algo espantoso, ya sabes, porque quizás lo hubiese censurado en el pasado, pero estaba completamente abrumada por esa sensación tan positiva, por lo divertido que resulta tocar música con los amigos. Ha pasado tanto tiempo y estaba tan ansiosa por volver y tocar después de dos años de estar totalmente concentrada en alguien más, en mi hijo... Luego he vuelto y he reorientado toda esa energía en mi interior y he pensado, "¿Qué es lo que quiero hacer? ¿Quién soy?, ¿qué es lo que quiero hacer con mi vida?, ¿qué es lo que me gusta hacer?"

Tenía poco tiempo [señala con dos dedos] para hacer el disco, porque luego tenía que cuidar de mi hijo. Tengo una cantidad muy limitada de mi tiempo para hacer las cosas. Ahora mi tiempo es mucho más valioso. No es algo que pueda pasar por alto. Estar en una banda es algo que me gusta hacer, lo que siempre he querido hacer. Pero [antes de que naciera nuestro hijo] era justo lo que estaba haciendo, no me parece que fuese algo que hubiese elegido hacer de una forma activa. Volver a actuar ahora era algo que quería hacer de verdad y algo por lo que me he esforzado y por lo que he luchado y también algo por lo que quería sacrificarme, que es una cosa a la que nunca he sido muy dada anteriormente. Sacrificar el tiempo que paso con mi hijo para hacer este disco es algo que me ha resultado muy gratificante mentalmente, y me doy cuenta de lo mucho que significa para mí. Me ayuda a ponerlo todo en perspectiva.
Jon y tú lleváis casados mucho tiempo, diez años. Probablemente tenéis el matrimonio de rock n´roll más exitoso de todos. ¿Qué sientes al tocar en un grupo junto con tu marido? ¿Chocáis mucho creativamente?

Oh, por supuesto, absolutamente. Acabo de leer una entrevista con Yo La Tengo y los respeto mucho porque alguien les preguntaba: "¿Os importa que la gente os haga preguntas acerca de vuestra relación? E Ira contestaba algo así como: "No, no me importa, siempre y cuando no me digas que "no es un asunto de negocios." [Risas]. La gente siempre me hace preguntas similares, porque es una situación extraña, no suele ocurrir en la mayoría de bandas. Pero les intriga. Forma parte de todos los estereotipos.

Si hubiese un momento en mi vida que pudiese revivir, ese sería cuando vi a Jon sobre el escenario por primera vez y tuvimos esa forma loca de telecomunicación en el mismo instante, en donde pensamos: "¡esto es lo más grande del mundo y yo te amo y tú me amas a mí y es muy divertido!". Cada pedazo de mierda que tienes que soportar en el escenario merece la pena por ese momento, o cualquier otra situación por la que haya tenido que pasar en otro momento, mientras camino por la calle, o cuando me encuentro en una fiesta o lo que sea. Ese momento significa más que cualquier otra cosa para mí... y también me desagrada más que ninguna otra cosa tener que decirle a alguien que te encantaría que cerrase la puta boca.

Siempre solías decir que Boss Hog era una banda de punk rock, ¿sigues pensándolo?

Por supuesto, siempre. Éticamente somos muy punk rock. No voy a mentir y esconder que, hey, creo que estaría bien ganar algo de dinero, porque así no tendría que hacer otra cosa más que esto. ¿Qué idiota diría lo contrario? Puede que un mentiroso, pero nadie más. Nosotros no vamos a hacer algo específicamente con ese fin, de ninguna forma. Vamos a hacer lo que realmente queremos, y si alguien nos paga por ello, me parece genial. No tengo ningún problema con ganar dinero. Pero tengo un problema con hacer cualquier cosa en la que no crea. Eso es el punk rock. Eso es el hazlo-tú-mismo. Si me voy de Geffen, editaré mi disco con un sello indie, ¡sólo quiero que mi disco esté en la calle! Me gusta la música, me encanta tocar y grabar discos. Allí donde me permitan hacerlo, allí estaré.

Después de grabar “Fear for You”, ¿sentiste algún alivio o algún tipo de catarsis?

No, en absoluto.
¿Cuál es la historia detrás de un tema como “Itchy & Scratchy"?

Soy una gran seguidora de Los Simpson, pero el nombre de la canción no proviene de la serie. Cuando escribí esa canción compuse parte de la guitarra rasposa (imita el sonido) que se oye en ella. Continuamos refiriéndonos a ella como la canción “scratchy”. Así que la llamé "Itchy & Scratchy" pensando en los dibujos animados. Luego, cuando comencé con las letras, que en parte estaban escritas antes y en parte fueron improvisadas, empezó a tomar forma y realmente sí que empezó a recordar a los dos personajes de la serie, por lo que ese es el título que se quedó. A menudo ponemos los títulos de las canciones con anterioridad, pero luego los cambiamos. De vez en cuando me los guardo para otro tema. En este caso era un título muy conveniente, por lo que se quedó el que habíamos pensado en un principio.

Muchas veces la gente me dice que trabajan mirando las cosas con retrospectiva... que una vez que tienen la canción escrita es cuando deciden el nombre de la misma.

Sí, eso es cierto. Este es un trabajo en progreso y con frecuencia, aunque muchas veces tenemos el título, a veces no tenemos ninguno. En el CD que hicimos, Cold Hands, todas las canciones son nombres de chicos... porque en los ensayos nos dijimos: "Vamos a enumerarlas con diferentes nombres de chicos". Se suponía que después las llamaríamos de otra forma. Al final me dije que era tan gracioso que todas tuviesen esos nombres que los dejamos en las canciones y así se quedaron. [Risas.] Así que por eso las canciones parecían tan raras, pero en realidad todas hablan sobre el estúpido sentido del humor que gastamos cuando nos encontramos en el local de ensayo. Nos reímos de todo hasta caernos de culo. Es una de las cosas más hermosas de Boss Hog y que me hace tan feliz cuando toco con ellos. Jens, Mark, Hollis, Jon y yo tenemos una buena relación. Nos encanta escuchar música y salir de juerga, gastarnos bromas. Para mí de eso trata estar en un grupo, ese sentido de la camaradería. Es algo que nunca había sentido antes. Nunca había tenido esa afinidad con el resto de mi familia. Encontrarme con que esta es mi familia me parece muy satisfactorio en todos los sentidos.
Lo que más me gusta de la canción "White Out" es que posee un toque que la acerca al gospel, casi como si estuvieses rezando en el tema.

Esa es Hollis. Yo no canto en esa parte, aunque tengo que decirte que es Hollis Queens y que me parece que su voz es increíble. Tiene una gran voz y canta en plan Aretha Franklin como nadie a quien haya escuchado antes. También me parece una artista de mucho talento y además tiene su propia banda, Low High. Allí canta y toca la guitarra.

La canción "Chocolate" parece una balada de rock en la que Jon y tú os cantáis el uno al otro.

Bueno, esa canción es de Jon. Pero supongo que es cierto, porque en ella canta "Mi bebé", y supongo que yo seré su bebé (risas). Bueno, si analizo lo que canto en la canción, en realidad estoy hablando de que él es mi hombre y de que... lo amo. Sí, es como la canción a lo "I Dig You" del disco. Siempre tiene que haber una de ese estilo. "Creo que eres genial. ¡Te amo!"

Es muy cool, y sin embargo muy funky. Es la canción que más suena a la Blues Explosion.

Bien, puede que sea porque la canción la escribió Jon en su mayor parte. Realmente esa fue la única, porque es muy simple, está compuesta en el acto. Y creo que ese riff se lo trajo al local, por lo que la canción es más suya que del resto. En realidad, la mayor parte de los temas surgen de la colaboración entre todos, pero creo que esa canción es un poco más suya. Y "Jaguar" la escribió Mark Boyce [el teclista de la banda.]

¿Qué es lo que crees que has logrado a nivel personal con este disco?

Lo que este disco ha hecho por mí es que me den ganas de componer otro. Eso es lo que me gustaría hacer. Es un buen disco, estoy muy orgullosa de él. Pero por ahora todo lo que venga después de este álbum se quedará en espera, porque para mí este es mi último logro. Creo que he hecho un buen disco y me siento orgullosa del mismo. Es un álbum mejor que el anterior y es todo lo que esperaba conseguir, quería seguir progresando o lo que yo creo que es mi idea de progresar. Es como la saga de Star Wars, ¿sabes? Hay gente que siempre está esperando que hagamos el mismo disco. ¿Y sabes qué? Mejor decepcionar a esas personas que a mí misma. No voy a grabar el mismo puto disco una y otra vez porque entonces me convertiría en una esclava de la rutina. Se trata de intentar probar cosas nuevas, experimentar y descubrir lo que quieres hacer y lo que te gusta hacer. Esto va de seguir hacia adelante, no de quedarse pegado en el mismo lugar, sino de seguir en movimiento. La reacción inicial de la gente siempre es que quiere más de lo mismo. Al principio es algo que resulta difícil de superar.

SUICIDE / SUICIDIO / SUICIDIO

Suicide/Suicidio/Suicidio
(Artículo para el fanzine Ronald Reagan 2: Especial Suicide (2003). Nunca fue editado).

“Joder, pensé. Me fui hacia Marty y le dije: “¡La hemos jodido, tío!. Ya no causamos controversia. Bailan. Estamos acabados. ¿Qué vamos a hacer ahora?.”
Alan Vega.

Esta frase la emitió la voz de Suicide en 1999. Hoy es 2003 y hace unos meses el grupo ha puesto en circulación un nuevo producto: American Supreme.
A pesar de ellos mismos (¿a quién no le gusta vivir de su talento?), Alan Vega y Martin Rev no van a incrustarse en el mercado dance ni van a vender lo que a ellos (y a mí, ojalá fueran muy famosos para que yo pudiese conseguir todo lo suyo) nos gustaría. Sólo tienes que fijarte en que se les sigue metiendo en el muy definido paquete punk (que quiere decir rock) de 1977, sin enterarnos que el grupo hace mucho que trascendió su filiación a unos determinados movimientos culturales. Están por encima de todo porque simplemente son algo mucho mejor. Suicide son volver a tener quince años y sentir la chispa de rebeldía que nos recorría las venas a esa edad. Esto es importante porque parece que los nuevos rebeldes se quedan con el toque fashion y poco más. Vega y Rev no hacen lo que hacen solamente por la pasta, como diría Zappa. Echad un vistazo a las fotos. Realmente me creo que el tecno-dúo hacen daño al sistema único y eso que rozan los 60. Por lo tanto, todo es una cuestión de planteamientos cerebrales y muchas ganas de no caer en el conformismo más desolador.



De Suicide se ha dicho todo lo bueno y lo malo que se puede decir de un grupo único. Que si innovadores. Que si se adelantaron al movimiento tecno. O al industrial. Yo me quedo con la etiqueta “rockabilly tecnológico”, que ya no sé donde leí. Su música tiene tantos matices y tan dispares, que encuadrarlos en uno sólo se me antoja como ridículo. Y es que qué grupazo, señores. Si ahondas en su (y parece que no) dilatada discografía, no verás ni una contradicción. Su legado discográfico es robusto, pero ante todo coherente. Decir Suicide es hablar sobre 30 años de sonido. Nombrar a Suicide es programar revolución. Hablar sobre Suicide quiere decir muerte al capitalismo.
¿Qué son inofensivos?. Depende para quién. Para la masa que se rompe el cuerpo en su trabajo de esclavo Suicide no molesta porque en el S. XXI nada molesta. Nadie se toma la molestia de escupir porque se nos ha olvidado. ¿Pero qué sabremos los obreros de los placeres refinados, si no nos dejan ni pensar?.

Suicide son el producto de una época que ha mutado. Al pequeño retoño de monstruo le han surgido colmillos.
Como los venerables ancianos de las leyendas estos dos viejos tienen mucho que enseñar. Quizá verlos ahora rozando la senectud produzca más risa que otra cosa. Pero si aún se puede disfrutar de sus ideas, ¿dónde está el problema?. ¿A cuántos de los músicos desaparecidos que veneras te gustaría ver en el escenario ahora mismo?. Con Vega y Rev aún estás a tiempo.



American Supreme está hecho D. 11. S. (Después del 11-S).
American Supreme apabulla, pero me molesta que sólo lo haga para los que pueden coger el chiste. Como siempre, nos enteramos cuatro gatos. Es éste un disco que no es que se adelante a su tiempo sino que lo dobla. Es como la página de sucesos de toda la década, y por eso es más importante de lo que parece. Suicide es una de las experiencias que hay que absorber antes de morir. Para que la vida no sea sólo rutina.

“Sabíamos que el rollo de la guitarra y la batería estaba acabado.”
(Alan Vega.)

Me gustaría sentir lo que sintieron los punks de 1977 cuando vieron a Suicide, ¿cambiaron sus esquemas?. Visto el punk de los tres últimos lustros me parece que es estúpido preguntar. Suicide no son más conocidos que Jesucristo; a veces pienso que ni falta que hace, otras quiero que tengan programas especiales en un horario de máxima audiencia.
A pesar de la mortificación que les producirá a los más puristas, creo que Suicide es el grupo definitivo de garage. Mejor decir de habitación, porque cuando empezaron no tenían donde caerse muertos, excepto una habitación cutre de New York.
Suicide (al contrario que Ramones) sí demostraron tener algo en la cabeza y reformularon las bases del rock, transformando blues, jazz y pop con una elegancia inusitada. Sus dos primeros discos merecen como mínimo una escucha por cada ser humano del planeta. Igual así cambiaba algo (que ya es hora).



Porque todo se ha vuelto predecible. En el Siglo XXI, a los ciudadanos nos han derrotado con la homogeneidad. Nos han acostumbrado a odiar lo diferente, a no valernos por nosotros mismos, a no respetar a dos viejos que, con la ayuda de unas putas máquinas e ingenio son lo más anti-stablishment (una de las definiciones de punk) de los últimos 80 años.

“Aunque aplaudían seguían sin entendernos y la verdad es que nosotros tampoco lo comprendíamos del todo. De hecho, el público de ahora parece entenderlo mejor que nosotros mismos, y esto, bueno, nos desconcierta.”
Martín Rev.

Datos al aire (más):
Suicide y Reagan tienen muchos lazos en común.
Suicide NO SON situacionistas, SON situacionismo en movimiento.
Alan Vega y Martín Rev aún existen e intentan cambiar el mundo, pero el tiempo se les acaba y a mí también.

“Nos respetan, pero no nos hacen ni puto caso.” Alan Vega.


ByFrog2000.

SUICIDE LIVE

BY FROG2000
POTOCHOP: Huberti1976

SONIC YOUTH: HISTORIAS DEL VALLE DE LA MUERTE

Traducido por Frog2000, Melody Maker, 11 de mayo de 1985.

Los inadaptados neoyorquinos Sonic Youth le cuentan a Peter L. Noble que “¡Nosotros somos una banda americana!".

Al igual que el resto de cargamento compuesto por miles de bandas independientes de América (con grandes nombres como Jody Foster's Army, Rat At Rat R, Salem ’66, Scratch Acid y Tar Babies, por nombrar algunas), Sonic Youth, que formaron el grupo hace cerca de cuatro años, no encajan exactamente en la maquinaria bien engrasada de la gran industria mainstream del rock. A pesar de haber sido ignorados por el crítico y gurú musical del Village Voice neoyorquino, Robert Christgau, a duras penas los Sonic se han ganado todo un nuevo público tanto en Norteamérica como en Europa gracias al enfebrecido apoyo de fanzines y prensa alternativa de rock y arte.

Con su cuarto proyecto ya en vinilo, "Bad Moon Rising", y su posterior single junto con Lydia Lunch "Death Valley 69", publicados ambos en Blast First (a través de The Cartel), los cuatro modestos y muy divertidos componentes del grupo ofrecieron cuatro canciones del nuevo LP mientras participaban en la ACI Rock Week. 

La bajista Kim Gordon admite: "no creo que haya nadie que se piense que Sonic Youth está en esto sólo para volverse rico y famoso." Las influencias del grupo ni son ostentosas ni tampoco han sido maliciosamente ignoradas. La última canción de “Bad Moon Rising”, "Society Is A Hole", cuenta con un extracto de “No Rights” de Iggy & The Stooges, probablemente el primer arquetipo crucial de rock metálico, sucio y caótico.

"Es la música que nos gusta escuchar y que escuchábamos cuando estábamos creciendo," admite el alto, rubio y desgarbado guitarrista Thurston Moore. "También nos hemos visto influenciados por algunos de nuestros contemporáneos, como Sacahrine Trust, no sólo por la Velvet Underground. El tiempo no es un factor que nos limite." 

Y sin embargo, el consenso general de aqellos que rodean al grupo alude a su falta de orgullo, algo bastante común en la escena musical neoyorquina. ¿Son Sonic Youth una amenaza para la video-monstruosidad inane conocida como MTV, a la cuál ellos se refieren como "el entramado de los clubs trendy del Danceteria o el Peppermint Lounge"? ¿O podrían ser, como ha dicho el propio Christgau, el hijo bastardo de estos?

"La verdad es que nunca intentamos conectar con el Village", explica Kim. "Básicamente, lo que le ocurre a Christgau es que tuvo bastantes dificultades con la escena No Wave hace varios años. James Chance lo golpeó en uno de sus conciertos. Como resultado se niega a revisar todo que esté asociado con la No Wave, como ha ocurrido con Glenn Branca o Lydia Lunch. "
El guitarrista Lee Renaldo solía tocar con Glenn Branca. Me comenta: "estamos interesados en las posibilidades del sonido de la guitarra, el bajo y la batería de formas que no creemos que aún se hayan explorado en su totalidad. Estamos interesados en la textura de los sonidos y en las posibilidades de los instrumentos para hacer algo que no encaje en las normas convencionales de bajo, guitarra y sección rítmica." 

"Nuestra música tiene la misma emoción, sentimiento y pensamiento poético del rock. Somos una banda de rock y estamos orgullosos de ello. No somos una art-band, una banda de noise o una extreme-band. Simplemente hacemos lo que hacemos". 

Muchas de las canciones se construyen alrededor de la relación entre los músicos, los instrumentos y el equipo, en particular, el amplificador. Las guitarras son baratas, punzantes y molestas. A veces se manipula el amplificador eficazmente como parte integrante de la estructura de la canción. El feedback nunca había sonado tan acogedor. 

"La idea es la de que el instrumento principal no es la guitarra, sino que forma parte de la cadena", dice Lee. "Es el todo formado por la guitarra, el jack y el amplificador con la electricidad zumbando a través. El instrumento no acaba cuando la guitarra se reúne con el cable. Se inicia cuando el sonido empieza a salir del altavoz. Nos gusta imaginar que tocamos con nuestros amplificadores. No es algo raro en el rock. Hendrix era uno de los pocos guitarristas conscientes de ello. "
Graves y con la mirada penetrante, Sonic Youth insisten en que son tan típicamente americanos como Springsteen o Prince.

"En cuanto a lo cultural", sigue Lee, "somos americanos, pero es casi como si lo acabáramos de descubrir. Al girar por Europa durante los últimos años nos hemos sentido incluso más americanos según íbamos percibiendo las diferencias culturales. Aunque no es que seamos nacionalistas agitadores banderas." 

Una nueva canción de la Cara B de Death Valley titulada "Satan is Boring" representa la actitud del grupo frente a los freaks quinceañeros del centro de Norteamérica y su culto al diablo.

Thurston: "la canción trata sobre los adolescentes que escuchan a Ozzy Osbourne y AC / DC. Estos chavales se agarran a ese tipo de heavy metal de tebeo satánico. Hubo un caso de unos chavales de Long Island que hacían rituales satánicos bajo la influencia de esta basura de la América de las drogas. De hecho, sacrificaron y mataron a un montón de sus amigos.

"Al final fueron apresados. Ves a esos niños en las noticias de las seis mientras son entregados en la comisaría de policía de los suburbios de la ciudad  y algunos se parecen a tu propio hermano, llevan camisetas de Ozzy y están sonriendo." 

"Death Valley ´69", concebida desde un principio como el título de una canción y con letra de Lydia Lunch, fue el resultado directo de que el grupo pudiera hacerse con algunas copias de "Helter Skelter", "The Family" y la autobiografía de Roman Polanski. Kim, que nació y creció en el centro de Los Angeles, aún recuerda la oleada de terror después de los ultrajes provocados por Charles Manson.

"Mi hermano tenía una novia que fue asesinada por la familia Manson. Hoy en día hay un montón de gente discutiendo por qué tiene el aspecto e incluso las mismas marcas que Jesucristo. Nos convertimos en unos estudiosos de ese período de la Historia. Era como el final del ideal utópico. Mientras tanto, la idea utópica de la vida en las zonas residenciales sigue en marcha. "Death Valley ' es nuestra interpretación de esa historia en contraposición a lo que los medios de comunicación proyectaron sobre el público."
Thurston y Kim llevaban camisetas de Madonna y Prince en la performace en el ICA. Cuando se les pregunta, el grupo planta cara al unísono, desvelando que todos tienen merchandising oficial de Madonna en forma de pulseras de plástico de múltiples colores. 

"Realmente nos gustan Madonna, Prince, Cyndi Lauper y Bruce", confiesa Thurston. "Los equiparamos a pesos pesados de la talla de Husker Dü. Para nosotros todos son lo mismo. Son como dibujos animados". 

"El otro día estaba charlando con alguien y comentábamos que nos gustaba mucho la foto de Psychic TV donde aparece vistiendo una camiseta de Manson. ¿Por qué no hacerlo?. Quiero decir, la vida es una enorme broma, y nosotros su culminación de chiste". 

FANZINE RUIDO

Para celebrar el que sabía que iba a ser un gran concierto de Gories en Bilbao, teloneando a unos insípidos Oblivians, machaqué cincuenta copias de un nuevo número de RUIDO, el fanzine en el que recopilo artículos que ya estaban en otros blogs, etc,
Si te pasas por el Ambigú bilbaíno, igual les queda alguna copia de RUIDO 2 (gratuito esta vez.)

Aquí os dejo el número uno para descargar.

Necesitarás el CDisplay.

VIVIENDO SOLOS

Música: "Wonderful Subdivison" de DRUNKS WITH GUNS.

THE FAUVES

¿A qué huelen las flores?, ¿a qué suena Grant Morrison?.

Aquí se puede oír una canción (en el Gramófono) de una de las bandas donde militó el escocés como cantante y guitarrista, The Fauves. Otra fueron The Mixers.
El resto de permutaciones y combos de corta vida en Spirophone.
¿Alguien dijo Garage-Mod?...

RESEÑAS PERDIDAS

Ahí van unas reseñas de un número (inédito) del difunto ´zine Fuck You, We Are The Best!.

World Domination Enterprises
Let´s play domination, 1990.

!Vaya pintas que gastan estos tipos en las fotos y en el vídeo que corre por el Tubo!. Y vaya sonido que consiguieron en su mejor disco “Let´s Play Domination” (1990, Product Inc): parecen los verdaderos herederos del espíritu que animó al mutado Alan Vega a implotar el rock and roll en su grandiosa trilogía Jukebox Babe/ Collision Drive / Saturn Strip. Un atolondrado cruce de noise proletario con el garage de siempre que, fíjate tú, me produce más cosquilleos en el córtex que la mayor parte de discos novedosos que he escuchado últimamente por lo fresco que todavía parece hoy en día y por lo a tan hazlo-tu-mismo que aún suena en este S. XXI de grandes producciones. También tendrán algo que ver los pequeños toques dub y rap que colorean alguna canción (versión de “I can´t live without my radio” de LL Cool J al canto), que si en su día quedaría moderno, hoy puede ser escuchado con agradable nostalgia.
Las letras, topicazos alejados del espíritu del capitalismo actual ( ese que sólo quiere que produzcamos y nos aburramos frente a las miles de series que nos duermen actualmente), nos animan a drogarnos, follar y gastar nuestro dinero alegremente sin pensar en el mañana. Y si todo lo anterior no te ha convencido para que busques el LP en el mercado de segunda mano, el monstruoso temazo industrial “Asbestos Lead Asbestos”, incluido en toda suerte de recopilatorios post-punk actuales, lo hará por sí sólo.

Billy Bao.

Según la leyenda y la promoción del grupo, el músico nigeriano Billy Bao se trasladó de Lagos a Bilbao, quedándose prendado de la escena punk que inundaba la ciudad.
Su propósito desde entonces será el de combatir un sistema que se nos traga a todos.
Este subterfugio es la excusa perfecta para que el músico experimentado en mil batallas ruidosas Mattin, junto a Alberto López (Yogur, Atom Rhumba, La Secta) formen un combo incómodo, Billy Bao.
Radicales desde su concepción (definidos no sin sorna como post Rock Radical Vasco por críticos de amplio recorrido) el primer single que se sacan de la manga es un artefacto que entretiene y apasiona. La cortante sopa de melaza que formulan no es nada nuevo para el coleccionista bregado, pero no hay que quitar mérito a propuestas como las realizadas, ya que se producen con cuenta gotas. Oscuro y ruidoso punk de castigo grabado en los estudios Chocablock (que es lo mismo que decir calidad) es lo que encierran las canciones de “Bilbo´s incinerator”. Como ellos mismos dicen en una de sus letras aullada en inglés “this is a fucking pop song, give them virus”.
Su segunda referencia busca ese más difícil todavía que muchos grupos intentan en cada nueva referencia. Billy Bao lo consiguen. Innovador es una pobre palabra para definir lo que ha logrado parir la nueva formación del grupo: el omnipresente Mattin, Xabier Erkizia y Alan Courtis y Pablo Reche (estos dos últimos forman dos tercios de los aberrantes Reynols, grupo argentino que ejemplifica por sí mismo lo que el underground nunca debió perder, la diversión).
En el nuevo trabajo la electrónica forma parte importante de cada tema, mientras las escasas guitarras sirven para apuntalar unas canciones reducidas a la misérrima expresión. Aquí se practica un demencial juego con el oyente, no por desconocido menos inquietante: sacarlo de quicio, incomodarlo. ¿Tomadura de pelo?. Sin duda alguna, pero (otro tópico) la sarna con gusto no pica. Quiero más.

SUPERTRASHKULL

Noise punk de estudio que grabé con Huberti1976.
Empecemos por la despedida, un HELLO! en el que se cruzan cientos de baterías digitales, un grito que reivindica más educación en el trato con el ser humano. BRAKE OUT es el prólogo COOL a un disco que nos costó CERO euros, hecho con cerveza y risas (y cigarros) durante muchas tardes aburridas de fin de semana. FEMINIZE experimenta con tenedores aislacionistas y FRITZ THE CAT es la elegía electro al gato ideado por Robert Crumb. Por su parte, NO SPORTS FUCK SPORTS KILL SPORTS ONLY SMOKE, está basado en la primera No-Wave y es la versión de un tema de un amigo al que perdí la pista.
"MEJOR GILIPOLLAS QUE LECTOR" sigue estando de plena actualidad en el Madrid de Mike Gallard y Espe. BONE FACE desreivindica el heavy y para combatir la Crisis "Steal all you can" en grandes superficies, cómo no.
THE WAY OF VIOLENT PACIFISM es un speech de uno de los protagonistas del tebeo de Grant Morrison, The Filth, y JEHOVA´S WITNESS la mutilación de cualquier religión. KILL THE MUTTAFUCK lo dice todo en tres palabras. Para tardes de viernes. Otra época.


SUPERTRASHKULL

1-BRAKE OUT
2-BONE FACE
3-JEHOVA´S WITNESS
4-FEMINIZE
5-KILL THE MUTTAFUCK
6-FRITZ THE CAT
7-STEAL ALL YOU CAN
8-NO SPORTS
9-THE WAY OF VIOLENT PACIFISM
10-BETTER JERK THAN READ
11-HELLO!

CREDITS:

SUPERTRASHKULL ARE:

HUBERTI1976: PROGRAMMING, VOICE, GUITAR
FROG2000: VOICE, GUITAR, PROGRAMMING

RECORDED AND PROCESSED 2005-2006. MADRID.

ALTERNATE COVER TO THE CD VERSION.

FUCK YOU, WE ARE THE BEST! SUPPORT THIS.

AQUI.

PUSSY GALORE BOOTLEGS 5 (DE 7)

PUSSY GALORE LIVE AT ANTHRAX CLUB
(Norwalk, Connecticut, 31-JUL-1987)

1-ASSHOLE
2-JUST WANNA DIE
3-PRETTY FUCK LOOK
4-TRASHCAN OILDRUM
5-WHITE NOISE
6-CONSTANT PAIN
7-UPTIGHT
8-CUNT TEASE
9-WHEN I GET OFF
10-NOTHING CAN BRING ME DOWN
11-ALLRIGHT
12-HELLSPAWN
13-SPIN OUT
14-WATUSSI PUSSY

Sonido óptimo.

AQUI.

SUGARSHIT SHARP

En The Commerzial Zone suben otro disco de Pussy Galore, "Sugarshit Sharp".

Grabado originalmente por Steve Albini y Wharton Tiers barata y rápidamente en New York, SUGARSHIT SHARP aparece otra vez reeditado, pero esta vez el pequeño LP ha crecido hasta estar compuesto por siete canciones, con una versión de Devo, la afilada "Penetration in the Centerfold", que no aparecía en el disco original sino que está recogida de un single compartido con Black Snakes y editado por un zine japonés, y otra de Einstürzende Neubauten, "Yü-Gung", el homenaje más potente e influyente que Spencer y los suyos realizarían durante toda su carrera, más las cinco composiciones propias con las que hicieron evolucionar el rock a golpes: "Handshake", "Adolescent Wet Dream", "Sweet Little Hi-Fi", "Brick" y "Renegade!". 

El grupo ya no busca el impacto fácil de anteriores productos y en este disco pueden permitirse mirar por encima del hombro a cualquier otra banda "competidora" de la época (pienso en Sonic Youth, Unsane o incluso Big Black) gracias al cruce de influencias habitual de Detroit Rock, No-Wave y punk netamente neoyorquino que son capaces de mixturizar. Pero no sólo por eso, sino que además existe una sana intención de controlar el ruido mientras homenajean a sus héroes y se divierten durante el proceso. Porque Pussy Galore, como siempre demostraron en sus entrevistas, se tomaban demasiado en serio.

Gracias a la enorme planificación de las estructuras de las canciones y el trabajo de las guitarras, que ululan como nunca, el talento bien dirigido, y muchos trucos aprendidos y aplicados ingeniosamente en Sugarshit Sharp, la banda estuvo lista para crear su siguiente disco, el increíble DIAL M´, que influyó a toda la generación grunge. 

Pero eso es otra historia...

PUSSY GALORE BOOTLEGS 4 (DE 7)

De este boot hay tres versiones: el CD que contiene cuatro canciones (el mismísimo Tom Smith, de To Live and Shave in LA y ex-Pussy Galore, aborrece de él, lo puedes encontrar a la venta en Amazon, Interpunk, etc - por aquí una review). El cassette de tirada rídicula (10 copias, más info aquí) que editó Tom (sin el permiso de Pussy Galore) y que puedes descargar de aquí, y esta cinta, que nos envió Tom.

En el blog del susodicho,se puede encontrar la historia y ver el artwork original de esta versión que ofrezco de Oven Bait, con la que Jon Spencer rellenó parte de Corpse Love (recopilatorio de la primera época de Pussy Galore).

Bonus: contiene la famosa canción FUCK IAN MCKAYE, que revolucionó a la masa hardcore de la época.

PUSSY GALORE - OVEN BAIT CASSETTE
ORIGINAL VERSION 1985-1986.

01 Intro A
02 HC Rebellion
(long studio version)
03 Why Would I Say It to You?
(University of Maryland, 21 Dec 85 - first gig)
04 Die Bitch
(Nightshade Cafe, Greensboro, NC, 4 Jan 86)
05 HC Rebellion
(Westminster Basement, Washington, DC, Nov 85)*
06 Fuck Ian MacKaye
(Peach of Immortality with Julie Cafritz, live, 9:30 Club, DC, 8 Dec 85)
07 Fuck Ian MacKaye
(Westminster Basement, Washington, DC, Dec 85)
08 Outro A
09 Intro B
10 Shitrain
(Ca Chapel, Tallahassee, FL, 10 Jan 86)
11 Fuck Ian MacKaye
(Wuxtry Records, Birmingham, AL, 13 Jan 86)
12 You Look Like a Jew
(Wuxtry Records, Birmingham, AL, 13 Jan 86)
13 No Count
(Wuxtry Records, Birmingham, AL, 13 Jan 86)
14 Teen Pussy Power
(Wuxtry Records, Birmingham, AL, 13 Jan 86)
15 Why Would I Say It to You?
(W.C. Don's, Jackson, MS, 16 Jan 86)
16 Teen Pussy Power
(7:30 Club, Jacksonville, FL, 12 Jan 86)
17 Cunt Tease
(7:30 Club, Jacksonville, FL, 12 Jan 86)
18 Spit and Shit
(Westminster Basement, Washington, DC, Dec 85)
19 Outro B

DOWNLOAD HERE.

BOSS HOG AT MAXWELL´S

Aquí fotos y crónica de uno de los primeros conciertos de regreso de Boss Hog (en el Maxwell´s de Hoboken, NJ).

El día 11 en Joy Eslava, Madrid, junto a Lowers y Mika Miko. ¡Allí nos veremos!.

PUSSY GALORE BOOTLEGS 3 (DE 7)

Versión DIFERENTE del famoso cassette-versión del clásico "Exile on Main St" de Rolling Stones y que Pussy Galore puso a la venta en 1986.
Llegaron a enviárselo al representante de los Stones, para poder sacarlo de forma legal, pero les rechazaron la propuesta.
A lo largo de los noventa el cassette original sería reeditado por completo como CD bootleg por algún sello fantasma y también en vinilo, aunque de forma incompleta.

PUSSY GALORE - Exile on main Street Unmixed Version 1986
(DIFFERENT THAN THE CASSETTE VERSION)

01. Rocks Off
02. Rip This Joint
03. Shake Your Hips
04. Casino Boogie
05. Tumbling Dice
06. Sweet Virginia
07. Torn & Frayed
08. Sweet Black Angel
09. Loving Cup
10. Happy
11. Turd on the Run
12. Ventilator Blues
13. Just Wanna See His Face
14. No Title
15. Let It Loose
16. All Down the Line
17. Stop Breaking Down
18. Shine a Light
19. Soul Survivor
20. Soul Survivor Reprise down tempo

DOWNLOAD HERE.

Aquí, review y posibilidad de bajar la versión original.

Aquí, el artwork del cassette original.

MIKE IBAÑEZ

Mike Ibañez, Barcelona, es el escritor de un libro clave para entender aquello que atrae más tiempo nuestra atención: la TV. Su título: ZAP (Futura Ediciones).

Mike Ibañez es el escritor de un libro clave para entender aquello que más dinero nos consume actualmente: la cultura aPOPcalíptica. Su título: pOp cOntrOl (Glénat).

Mike Ibañez también colaboró en el libro sobre Fakedocumentales de título IMAGENES PARA LA SOSPECHA con un capítulo dedicado a la InfoWar, desgraciadamente censurado (puede encontrarse íntegro aquí.

Mike Ibañez es el artífice de documentales neuronalmente tan nutritivos como AcT.V.ty y Subliminalia, realizados para BTV.

Mike Ibañez dirigió el programa de radio "La Rosa de Vietnam/ Vietnam Rose" en Radio 3.

Mike Ibañez ha colaborado en La Vanguardia, escribiendo sobre televisión, cine, cultura, política y etcétera. Gracias a la Hemeroteca digital del periódico he podido hacerme con la mayoría de sus colaboraciones, aquí están.

Mike Ibañez tenía en la recámara la segunda parte de ZAP, de título KILL your TV, pero la edición se abortó debido a la estrechez de miras de determinados editores, quizá preveyendo las bajas ventas en un país en el que la gente no sabe/ no quiere leer.

BONUS SPECTRA.

MORE INFO.

MAS DE MIKE.

REEDICIONES NECESARIAS (3): CABLE DE CASEY Y LADRONN

Cable: un héroe renovado (rescatado y readaptado de mi antiguo fanzine Fuck You, We are the Best!, nºs 1 -especial cómic- y 5, Dic. 1998-Sept. 2001)

Después de una etapa de triste recuerdo de la que sólo se salva la miniserie Cable: Sangre y Metal (y por el dibujo de John Romita Jr., siempre agradable al ojo), Cable llega a un período (en su número 25 de ediciones Forum) en el que tras despojar a una colección que funcionaba como mero fill-in de la Patrulla-X de todos sus pesados lastres se consigue un cómic innovador que nos lleva a revisitar en la memoria aquellas pequeñas maravillas con las que Marvel nos regalaba a mediados de los 70 y principios de los 80. Sí, un tebeo innovador aunque parezca que el dibujante (un excelente Ladronn) se haya aprendido el método Kirby como si fuera una teoría filosófica. Los guiones son incluso mejor que el dibujo: la nueva etapa de la colección contó con un acertado James Robinson en sus números iniciales, dando paso a un excelente Joe Casey (*).

Joe Casey se vale del rico universo en el que se circunscribe Cable para emocionarnos sin situaciones absurdas o forzadas, destacando sobre un ajado Claremont (**) y superando a nuevos valores como Seagle, el pesado de Waid o un Kurt Busiek que se pierde en su propia nostalgia.
Todo empieza en el número 25 de Forum, perteneciente al mes Flashback (en el que se narraban diferentes anécdotas de cada personaje en su correspondiente pasado). Robinson y Ladronn sitúan la acción durante la llegada de Cable a la Tierra desde un futuro apocalíptico. Madelyne Pryor y Cíclope de la Patrulla-X enviaron a su hijo al futuro. Allí fue/ será criado por una extraña secta hasta convertirse en adulto y volverá a nuestro presente convertido en un hosco guerrero adulto.
Randy Green y Rob Haynes serán los desatinados dibujantes de los números 26, 27 y 28 correspondientes al mega-cruce Operación: Tolerancia Cero y que, sorprendentemente para lo que suelen significar estos eventos, se leen de forma muy agradable gracias al tratamiento de película de acción hollywoodiense que marca James Robinson.

En el número 29 tenemos al mismo guionista, siendo el primer núemero en la colección del asombroso Ladronn. El autor mejicano realiza uno de los más redondos trabajos que se pueden haber visto hasta la fecha donde se nos narrarán los problemas de una periodista que investiga la vida privada de Sebastián Shaw, líder de la corrupta asociación Club del Fuego Infernal.
Se inicia así una epopeya en la que Cable y la periodista Merryweather, que asociada con el héroe intentará ayudarlo mientras recoge todos los datos posibles de su trayectoria, intentarán detener al Fuego Infernal antes de que estos resuciten al Heraldo del Apocalipsis, villano de la función. La historia se prolongará durante los apoteósicos números 30 y 31, mientras que los números 32 al 34 serán donde se produzca el cambio de guionista, con un Casey que finaliza estupendamente la trama. Es obligado hacer referencia al número 33, dibujado por el español Germán García de forma contundente.
El número 35 es una excelente aventura en la Wakanda de Pantera Negra y que supura espíritu pulp por todas las viñetas.

En el 36 se nos contará otra de esas anécdotas al estilo Marvel, pequeñas pero grandiosas, donde Cable conoce a una camarera de un bar de la Cocina del Infierno.

Dibujados por Ryan Benjamin, los números 37 y 38 pecan de ser transitorios hasta la siguiente gran saga, El Contrato Némesis, que abarca desde el prólogo del número 39 hasta el 43 y en el que Cable se enfrenta a Shield y a uno de sus típicos cazadores de hombres llamado Jack Truman (que se convertirá en el nuevo Deathlock -***). La saga es imprescindible, con contínuas referencias a los cómics que la Marvel publicó a lo largo de su historia, haciéndose eco de los hallazgos conseguidos por Steranko, Frank Miller y el resto de genios de la editorial.
Después de una saga tan agotadora a nivel creativo, el número 44, dibujado por el excesivo Stephen Platt, parece estar metido con calzador, pues proviene de un cruce con la Patrulla X llamado "Hermanos de Sangre". Sin embargo el número 45 es un repaso a la caudalosa biografía del protagonista. Casey preparaba una saga (truncada) en la que iba a resolver el misterio de los Doce, un argumento que se originaría en las colecciones mutantes "mayores" y al que Alan Davis pondría fin años después. 

En los números 46 a 50 (68 USA) prosiguen los acontecimientos denominados como "la Saga de los Doce", con el Heraldo de Apocalipsis de némesis principal, pero Forum decide cortar la colección por lo sano a tan sólo dos números del desenlace. Mientras tanto se publicará el intrascendente anual compartido con Lobezo "Agallas y Gloria", donde nos encontramos de nuevo con Stephan Platt al dibujo.

Los últimos dos números se publicarán en Universo-X, una grapa gorda donde se aglutinan colecciones con bajas ventas (Mutante X, Masacre y Cable). La saga tiene un desenlace cerrado aunque un poco apresurado (se atarán todas las tramas y nos encontramos en las últimas viñetas con un final feliz con el que podrían haber echado perfectamente el cierre a la colección). Marvel tomó la decisión de que el horrible Rob Liefeld dibujase las siguientes entregas así que Joe Casey, solidarizado con su amigo Ladronn, también abandonó la colección. Para el recuerdo quedará una etapa de la que sólo disponemos de la edición de Forum y que debería ser rescatada en la nueva línea de Panini, Marvel Gold.

* Nadie sabe muy bien qué le pasó al prometedor autor visto sus innanes números posteriores de X-Men.
** Aunque aún no había regresado a Marvel, su trabajo en la Distinguida Competencia dejaba mucho que desear.
*** Originó una colección de corta vida inscrita en la nueva Marvel-Tech, guionizada por Joe Casey y dibujada por Leonardo Manco.