jueves, 29 de septiembre de 2016

GILBERT Y JAIME HERNANDEZ CHARLAN SOBRE PUNK, LATINIDAD Y EL RENACIMIENTO DE LOVE AND ROCKETS, SU SEMINAL COMIC BOOK

Por Barbara Calderon Douglas para Remezcla (2016)

En 1981, una serie de comic book independiente titulada Love and Rockets hizo aparición en el medio para redefinir por completo los estándares de lo que debía ser el cómic underground propiedad de sus creadores. Concebido por chicanos de California, los hermanos Jaime y Gilbert Hernández, y con la ayuda de su tercer hermano Mario (que ya no participa en la serie), el título nació en un momento en que los cómics que se centraban en la vida de los latinos prácticamente eran inexistentes. Los personajes que aparecían en sus páginas y que representaban personas que cualquiera de nosotros podría reconocer en la calle (como la mujer que siempre está dejando a sus hijos con su prima para poderse ir al club, o el yonqui del barrio con una historia personal traumática y trágica), siempre proporcionaban una representación de la raza, el género y la sexualidad compleja, honesta y evolucionada, incluso para los estándares actuales.

A lo largo de su etapa inicial de 15 años y cincuenta números, Love and Rockets terminó convirtiéndose en una serie de culto (más adelante fue resucitada en otro volumen y algunas novelas gráficas de cadencia anual). La Nación ha calificado al tebeo como "uno de los tesoros escondidos de nuestra empobrecida cultura", y Rolling Stone lo catalogó como la novela gráfica no super-heróica más importante de todos los tiempos. Como este mes los Bros Hernández celebran el 35º aniversario de la publicación, la serie regresará al quiosco una vez más. Para muchos de los latinos que se vieron reflejados por primera vez en las historias de Gilbert situadas en la mítica población de América Latina Palomar y en las historias de Jaime sobre un grupo de punks chicanas que van creciendo en California del Sur, es un acontecimiento tremendamente importante.

Natasha Hernández, una fan de Love and Rockets que vive en San Antonio con la que he contactado por facebook, lleva literalmente su amor por la serie en el brazo, donde luce un enorme tatuaje del personaje Maggie la mecánica en su parte superior. Después de tropezar con 16 años con Locas, la serie de Jaime, inmediatamente se quedó enamorada de la representación en cómic de las latinas homosexuales que la protagonizaban, algo que nunca le había ocurrido con los otros cómics que solía leer. Antes de descubrir a Maggie, Hernandez comenta que la mayoría se identificaba con personajes de pelo rubio y ojos azules como Betty Cooper, el personaje marimacho que aparecía en los cómics de Archie. "¡Pero yo no soy Betty Cooper!", me dice por teléfono. ¡"Betty Cooper" no es una chica de color marrón! ¡Los padres de Betty Cooper no hablan español! "Como chica punk rocker gay que me auto-proclamo", explica Natasha, "puedo verme reflejada en estos cómics [Love and Rockets]. Porque me causaron un enorme impacto, me hicieron sentir normal y reforzaron mi realidad".

Según el tema de la diversidad va ganando espacio entre los guionistas y convirtiéndose en un asunto candente en los medios, resulta muy útil fijarnos en Love and Rockets como un estudio de campo sobre lo que puede suceder cuando los escritores de color tienen control completo sobre su labor creativa y sus historias, cuando son libres de poder representar mundos convincentes y atraer a una amplia audiencia sin tener que depender de estereotipos obsoletos.

Pude hablar con Gilbert y Jaime Hernandez por teléfono en entrevistas separadas sobre la influencia de la música punk en su obra, su infancia y adolescencia en la pequeña ciudad de Oxnard, y su representación de las mujeres y los latinos en su cómic de culto Love and Rockets. Esto es lo que me comentaron:

Sé que vuestra mamá fue la que os descubrió el medio del cómic a tus hermanos y a ti. Pero también sé que en las familias chicanas, al igual que ocurre en muchas otras familias, no se fomenta precisamente la idea de convertirse en un artista. ¿Experimentásteis lo mismo con vuestra madre?

Jaime: Le gustaban mucho los cómics y le parecían adecuados, pero en ese momento no sabía que terminaría siendo nuestro trabajo. Al final estaba contenta de que hubiésemos encontrado un trabajo. No fuimos educados para vivir sin trabajar. Fuimos criados para llevarnos bien entre nosotros y sobrevivir. Nuestro padre murió cuando yo era muy joven y ella no volvió a casarse, pero crió a 6 niños por su cuenta, y los cinco mayores eran varones. En cuanto llegamos a la adolescencia sabía que no sería capaz de manejarnos, por lo que tan sólo esperaba que las cosas nos fuesen bien y que no nos pasara nada. Algo en plan: 'Oh Dios mío, tan sólo espero que no se metan en líos."

Obviamente te inspiraba e influenciaba la escena punk de Los Ángeles. ¿Podrías hablar de cómo fuiste dando testimonio sobre el movimiento punk al traducirlo al medio del cómic?

Jaime: La mayoría sólo eran niños como yo que estaban en bandas que habían montado ellos mismos, y a los que no les intimidaban los conciertos en grandes estadios. Era más como "vamos a tocar en este club para diez personas y vamos a hacerlo a nuestra manera." Esa actitud terminó convirtiéndose en nuestra forma de enfocar nuestro cómic. "Quiero hacerlo de esta manera y sé que es una buena manera, y no me importa lo que piensen los demás. Voy a confiar en mis instintos." El punk me dio esa libertad. Era el momento adecuado.

Retratáis la latinidad en toda su diversidad. En vuestros cómics aparecen negros, blancos y personajes indígenas. Parece muy real. Y lleváis haciéndolo desde los años 80, cuando la identidad latina era retratada de forma monolítica demasiado a menudo. ¿Qué hizo que reconociéseis y retratárais tal y como era y es toda esta diversidad que existe dentro del mundo latino?

Gilbert: En el mundo real hay diversidad. Crecí en el sur de California. Puede que algunos me lo cuestionen, pero allí existe mucha diversidad. La escuela era un crisol de razas y a mí me parecía de lo más normal. No me parecía que la gente estuviese intentando evitarse entre ella y se odiase a puerta cerrada. Que hubiese personas de diferentes colores en el mismo lugar me parecía lo normal. Cuando se me ocurrió hacer Palomar, me di cuenta de que no había nada parecido en cualquier otro [cómic]. En cuanto a eso los comic books son terribles. Para mostrar la diversidad son de lo peor. Spiderman, Superman, Batman, ya llevan apareciendo desde hace un montón de tiempo. El único motivo son las películas y los vídeo-juegos. A principios de los años 70 y 80, cuando empecé a hacer cómics, me preguntaba cómo podía hacer que fuesen diferentes. Me gustaba escuchar punk, y las bandas más inteligentes como The Clash o X siempre sugerían que fueses tú mismo, que fueses alguien de verdad, honesto. Esa fue mi inspiración. La única forma de ser diferente era siendo yo mismo.

Nunca pensé nada parecido a: "si lo hago, será la leche". Sencillamente cogí y lo hice. La base de fans llegó más tarde. Ni siquiera creíamos que fuésemos a conseguir una base de fans. Fue más una cosa de sacar los comic books al mercado y ya está, porque eso sí que sabíamos cómo hacerlo. En realidad, cuando la gente empezó a pillarse los cómics nos produjo una grata sorpresa.

Es como si la gente los estuviese esperando. Los latinos estaban ansiosos de ser representados de una forma parecida. Lo que no entiendo es por qué después de 35 años, dicha representación sigue suponiendo un problema para algunos. ¿Tienes alguna idea de por qué puede ser?

Jaime: Creo que ahora hay una burrada más de creadores latinos de los que había en aquel entonces. Se están fraguando su propio camino, algunos de manera diferente a como yo lo haría, y me parece genial. Cada uno tiene su propio punto de vista. Creo que el problema aparece cuando hablamos de dinero. Siempre que haya dinero involucrado, aparecerán estereotipos. Todo tiene que estar hecho para complacer al blanquito. El dinero se dirigirá hacia donde está el dinero ¿y que más da ese otro 1%? Bien sabemos que a la gente que está al cargo del estudio de televisión o el estudio de cine, o quien paga los cheques por este arte, no les importamos. No les preocupan las otras culturas. Si se enterasen de algo en plan, "oh, bueno, ¡caramba! Hay mucha gente latina que podría gastar su dinero en nuestro producto", ¡entonces no van a saber ni qué hacer! La conclusión es que cuando hay dinero de por medio, hay alguno que puede que sufra un paro cardíaco.

Una vez dijiste: "Cuanto más étnico soy, más atención recibo." ¿Por qué crees que ocurre eso y por qué suele funcionar?

Gilbert: Creo que cuanto más me acerco a lo que soy y de dónde vengo, más veraz soy. De esa forma soy capaz de contar una historia más verdadera o incluso una historia más divertida y oscura, porque sencillamente, creo que así estoy intentando reflexionar sobre lo que soy. Sin embargo, creo que hay un pequeño elemento que la verdad es que no me gusta comentar demasiado [que es que] nuestro trabajo también es como una zona segura para los lectores que no son latinos. Lo que hago lo transmito a través de un papel. Los personajes son dibujos. No resultan una amenaza. Cuando ves a un cantante, una actriz o un actor, son reales. Lo que hago yo no son personas reales. Creo que para algunas personas, ellos [los personajes latinos de la vida real] resultan ​​un poco más difíciles de aceptar.

Porque les están dando su dinero.

Gilbert: Por lo que se convierten en una amenaza de verdad, ya que te pueden quitar el trabajo, pueden distraer tu atención de lo que realmente les gusta, etcétera. Por poner un ejemplo, cuando Jennifer Lopez se hizo popular como cantante pop, inmediatamente la gente empezó a disgustarse mucho. De inmediato apareció un prejuicio en plan: 'Oh, ella es bastante mala.' Se podía leer entre líneas lo que significaba realmente. Podías darte cuenta. Ellos no quieren que ella sea la estrella. Querían a Britney Spears. En realidad querían decir: "mejor no vengas con ese tipo de cosas a mi barrio." Creo que eso es lo que pensaban de verdad.

Vuestra obra ha influido a un montón de gente creativa. Junot Díaz dijo en una ocasión que "Love and Rockets" le había enseñado muchísimo. ¿Cómo te hace sentir?

Gilbert: Me halaga mucho. Estoy contento de haber hecho algo bueno. Sin embargo no me gusta alardear, y ya sé que lo siguiente va a sonar egoísta, pero tampoco es que me sorprenda, porque si yo hubiese visto algo como Love and Rockets de niño, también me habría inspirado. Pero no pude verlo, porque simplemente no había nada parecido. Por un lado me siento halagado, pero por el otro me digo, '¿Qué más hay parecido?' Pero... por supuesto que estoy muy halagado.

'Love and Rockets' todavía tiene un efecto enorme entre el público. Resulta increíble que se haya estado publicando de forma continuada desde hace 35 años.

Gilbert: Más allá de que sea un producto latino, es una situación un poco singular. Todavía seguimos haciendo cómics después de 35 años, y las personas y las tiendas siguen comprando nuestros cómics.

Tanto tu hermano como tú sois conocidos por ofrecerles a vuestros personajes femeninos unas vidas profundas. Sí, son personajes atractivos, sexuales, pero no están estereotipados. ¿Qué es lo que hizo que quisiérais escribir personajes femeninos?

Gilbert: Terminamos aburridos de que los cómics fuesen un club para hombres. Era un club de machos desde el comienzo de los cómics. No es que sea necesariamente malo, porque existe y ha existido una gran cantidad de muchachos que hacen buenos cómics, pero sólo son una parte del medio. La verdad es que no había demasiados personajes femeninos que nos gustasen. Supongo que ya que habíamos crecido con nuestra madre, nuestra abuela y nuestras tías, conocíamos sus dinámicas cuando hablaban entre ellas, sabíamos cómo era la vida para ellas. Era algo que había que sacar en forma de cómic, ya que no se podía encontrar algo similar. Y era algo que nosotros conocíamos bien. Por eso la gente se ha quedado pasmada durante todos estos años, "¿de dónde proviene todo esto?" Pues proviene de lo que nosotros mismos hemos visto. Yo no me lo inventé ni tampoco creo que sea algo especial. Sencillamente pongo en un papel lo que conozco.

Jaime: Me gusta escribir mujeres. Me gusta dibujarlas. Me gusta hacer que las mujeres cobren vida en la página. Allí está el otro lado. Es lo que tengo que hacer. No es que haya habido una gran representación de las mujeres en el pasado, no mucha, sobre todo en los cómics.

Algunos de vuestros cómics tocan ideas políticas. Como mujer que también es escritora, una chicana, creo que no puedo dejar de incluir algo político en todo lo que hago. ¿Crees que todo lo que haces tiene un elemento político?

Jaime: En mi obra intento que mis personajes no se acerquen mucho a la política, porque quiero que haya un equilibrio de diferentes tipos de personas. Quiero gente mala, despistada, inteligente, boba, porque eso ayuda a la hora de escribir. Pero de vez en cuando me gusta apuntar alguna cosa. Mi sentimiento político es privado y rara vez sale a la luz. Me imagino que mis personajes principales tienen una actitud bastante liberal. De vez en cuando me gusta hacer algo inesperado. ¿Qué pasa si este personaje ha sido un conservador durante todo este tiempo?

Bueno, existen los "Latinos por Trump"...

Jaime: Oh Dios. En cuanto a la política, estos dos últimos años han sido los más terribles o los más entretenidos de todos.

¿Crees que Trump podría aparecer en un cómic?

Jaime: No me gusta decirlo, pero creo que es alguien indigno de aparecer en mis cómics. Resulta demasiado sencillo criticarlo. Si tuviese a alguien como él en mi obra, sentiría como que la estoy abaratando.

Estamos en un momento en que muchos latinos están despertando políticamente, y están empezando a descubrir un linaje de lo latino en las artes que ha ido permeando a través de los resquicios culturales. Creo que algunas de estas personas están fijándose en Love and Rockets como un ejemplo.

Gilbert: Dos cosas que todavía tenemos en contra es que nuestra obra sigue siendo considerado sólo como un cómic, y además nuestras historias están muy sexualizadas y son sexys. Es algo que puede llegar a asustar a la gente. Cuando me comentan que soy un modelo, yo les digo: "entonces no te fijes en esta historia". [Risas].

¿A qué edad debería darle a mi sobrino Love and Rockets?

Gilbert: Ehhh... diría que a los 16 años, pero algunas personas se inician tan pronto como a los once.

miércoles, 28 de septiembre de 2016

VARIOUS - BRAINKILLER: LOST PUNK HITS FROM THE AMERICAS 1977-1982


Various - Brainkiller: Lost Punk Hits From The Americas 1977-1982 (Bootleg, 1999)

A1-Cinecyde - Radiation Sickness
A2-Dennis Most And The Instigators - Destructive Love
A3-Crime - Frustration
A4-Hollywood Squares - Hollywood Square
A5-Symptoms - Be On Top
A6-Los Reactors - Be A Zombie
A7-Suburbs - Memory
A8-Bob - The Things That You Do
A9-The Ed Davis Band - Asshole
B1-VS. - Magnetic Heart
B2-Tanks - Bongo Congo
B3-Reind Dears - (White) Christmas
B4-Jim Basnight - She Got Fucked
B5-The Gizmos - 1978
B6-Mutants - Piece O' Shit
B7-Units - Cannibals
B8-The Clocks - Confidentialy Renee
B9-Familia Real - Destruye

AQUI.

martes, 27 de septiembre de 2016

KILLED BY DEATH #33


Various ‎– Killed By Death #33
(Redrum Records (KBD), 2000)

A1-The Brigades - State Controlled Paranoia
A2-Soldiers Of Fortune - American Dream
A3-The Gangsters - Record Company
A4-Victim - The Teen Age
A5-Grinder - Spiderman
A6-Cadillac - Heute Abend
A7-Billy Wizard & The K-Mart Studio Orchestra - Nazi Love
B1-Running Dogs - Born Yesterday
B2-X-Defektors - Agent Orange
B3-Rebel - Al1
B4-Dickheads - Squad Leader
B5-Nirvana - Kuljen Kaupungilla
B6-The Vultures - Russian Spy
B7-O-Level - East Sheen
B8-Rudolph Dietrich - No Claim With Bluff & Swindle
B9-Charge - Kings Cross

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lunes, 26 de septiembre de 2016

LOST IN TRANSLATION: BAKUNE YOUNG (3 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 247 (2002). Traducido por Frog2000.  Parte 1, parte 2.

Afortunadamente, sus habilidades artísticas están vinculadas con una historia de peso, aunque en un primer momento no parezca que ese sea el caso. La obra es un desmadre continuo y repleto de violencia y acción desenfrenadas. Pero en lugar de utilizar estos recursos de forma gratuita, Matsunaga se esfuerza por retratar los conflictos de la historia de forma grotesca, incluso satírica. Por un lado se satirizan las convenciones del género, aunque es incluso mucho más satisfactorio cuando el autor también satiriza las estructuras sociales que logran que este tipo de ficciones resulten necesarias. La violencia hace aparición en un mundo de ridículas convenciones sociales e idiotez burocrática, y es ejercida tanto por parte de los yakuza como por la propia policía. Cada ejemplo de violencia de cómic al límite y cada página empapada completamente en sangre también se encuentra repleta de parodias súper repugnantes al estilo Sonny Chiba que sacan a la luz la conciencia social del autor. Por lo general, casi todas las mejores parodias terminan convirtiéndose en aquello en lo que estaban parodiando, y de todos modos, gran parte de nuestra cultura suele rayar en lo auto-paródico. Que nunca se llegue a caer en trampas similares en esta obra engrandece los logros conseguidos por Matsunaga. 

En un principio, Bakune Young funciona casi como un entretenimiento ultraviolento y desechable, aunque en realidad hay mucho más que mascar bajo la superficie. Dicha cualidad no se hace evidente hasta llegar al tercer tomo, aunque en los dos primeros se puede encontrar material más que suficiente para proseguir con su lectura hasta el final. El argumento básico trata sobre Bakune Young, un tarado descomunal, que un buen día decide repentinamente acabar con la yakuza. Durante su periplo obtendrá un botín de cien trillones de yenes (más que todo el presupuesto fiscal de Japón) que depositará en su Suiza (no se nombra la palabra "cuenta", tan solo "Suiza"), conseguidos gracias al rapto de Don de Nippon, al  que ocultará junto a otros jubilados en el Castillo de Osaka. Inmediatamente la policía entrará en juego, en especial el súper policía Sorigami (más conocido como Cabeza de Código de Barras por culpa de su peinado). Durante la historia irán teniendo lugar explosiones y peleas constantes, y podrán verse algunas páginas de llamativos diseños asombrosamente atestadas de figurantes. De forma tan hilarante como apropiada, la sátira campará a sus anchas a lo largo de la historia. Un ejemplo es la "Operación: Robots Humanos Que Persiguen Ritmos de Batería" ideada por Sorigami, y (aunque parezca no tener ningún sentido) a continuación harán aparición soldados consecuentemente enganchados a los ritmos de batería. Si Matsunaga hubiese finalizado su obra con estos dos volúmenes, habría creado un trabajo memorable pero bastante ligero cuyo alcance sería el mismo que el del género que parodia. Sin embargo, con el tercer tomo la obra revela todo un nuevo nivel de significado.
Al final del tercer volumen Matsunaga arroja en la mezcla las políticas y modos de hacer habituales del Ejército de los Estados Unidos. Las ideas apuntadas son bastante apropiadas, algunas veces absurdas, aunque totalmente en consonancia con la percepción que tiene Japón de los norteamericanos. Por lo general, Japón ha tenido un inexplicable relación de amor-odio con los Estados Unidos. Después de la Guerra teníamos la intención de que Japón se reestructurara como un pequeño productor de bienes y servicios, no como el gigante tecnológico y la súper potencia económica en los que ha acabado convirtiéndose. Más aún, nuestra presencia militar en el Este Asiático se apoya en las bases que nuestro país tiene en Japón. Estas bases han sido una fuente constante de tensiones para muchos japoneses, que creen que el Ejército de los Estados Unidos se está aprovechando de Japón. Gran parte del problema puede ser que a menudo los soldados americanos han tenido relaciones problemáticas con los ciudadanos japoneses. Por ejemplo, en 1995 tres soldados de Estados Unidos raptaron y violaron a Okinawan, una estudiante de doce años. Aunque finalmente los tres fueron sentenciados a pasar siete años en prisiones japonesas, en un principio el Ejército norteamericano rehusó entregárselos a las autoridades del país, muy en consonancia con el cuestionable historial del Ejército al tratar con incidentes similares. Puede que la última catástrofe significativa haya sido el incidente de febrero de 2001, cuando el submarino U.S.S. Greeneville volcó un barco de pesca japonés y asesinó a varios de sus tripulantes. El Ejército norteamericano fue fuertemente criticado en los medios de comunicación japoneses por la forma que tuvieron de afrontar la situación.
Al comienzo del tercer tomo, Matsunaga tiene en cuenta todo estos incidentes. Renge decide iniciar una serie de movimientos que tendrán como última consecuencia la destrucción del gobierno japonés para poder reemplazarlo con el suyo propio, además de alcanzar el destino que se le ha profetizado. Para conseguirlo abordará subrepticiamente el Kitty Hawk norteamericano e intentara manipular a su tripulación para que ataque el Edificio de la Dieta japonés. En realidad es un acto de terrorismo, pero astutamente, Matsunaga hará que el Capitán Mercury Cougar pontifique sobre lo que significa la "justicia": "La Guerra significa luchar por al búsqueda de la justicia. Por supuesto, como nosotros tenemos la razón,, no tenemos necesidad alguna de justicia. Tener la razón resulta de lo más apropiado... y ese es el motivo de que nosotros podamos vigilar lo que hacéis vosotros." Estas palabras son pronunciadas justo después de que la dotación de Cougar vea el helicóptero civil de Renge y se pregunte: "¿qué pasaría si generásemos un poco de fuego amigo?"

Matsunaga caricaturiza a grandes rasgos las prácticas habituales del ejército norteamericano, y aunque sea por encima, sus descripciones tienen algo de verdad, o por lo menos la verdad que la mayor parte del mundo percibe acerca de nuestras políticas internacionales: egoístas, farisáicas y demasiado tajantes como para poder oponerse a ellas. De hecho, Takeshi Yamashina, un periodista del periódico de Mainichi, escribió en el número especial sobre la región de Asia y el Pacífico ("un análisis sobre Oriente-Occidente") de octubre de 2001 que justo después de los ataques del 11 de Septiembre, muchos japoneses tenían el sentimiento generalizado de que los Estados Unidos habían empezado a excusarse en dichos ataques para poder llevar a cabo sus políticas en el extranjero, porque "los americanos se comportan como matones que le dictan al resto del mundo lo que tiene que hacer". No es ninguna sorpresa (ni tampoco un rasgo subversivo ni una forma de sorprender al lector, ni siquiera el cómic es más tenebroso de esta forma), que al final de la obra el combatiente americano escriba en el cielo "USA" justo sobre las ruinas del Edificio de la Dieta. Simplemente es lo que esperábamos.

(Continuará)  

viernes, 23 de septiembre de 2016

BAY MUD CASSETTE


Bay Mud
(David Hayes Self-released, 1986)

A1-Unknown Artist
A2-Crash-N-Burn - Car Wreck
A3-Infernal Forces - License To Kill
A4-Infernal Forces - Jungle Warfare
A5-Complete Disorder - Products
A6-Complete Disorder - Cry For The World
A7-Lookouts - Why Don't You Die
A8-Lookouts - California
A9-Koel Family - Floriduh Song
A10-Koel Family - Insurance Man
A11-Mr. T Experience - P.V.S.
A12-Mr. T Experience - One Big Lie
A13-Rabid Lassie - Society Image
A14-Rabid Lassie - Trip
A15-Kwikway - Fuck!
A16-Kwikway - Whatever
A17-Half Blind - Dead Sailor
A18-Italian Whorenuns - Ice Cream + Cigs
A19-Dot 3 - Acting Rather Pink
A20-Short Dogs Grow - Don Juan
A21-Short Dogs Grow - Serum Hepatitis
A22-Attitude Adjustment - In The Center It Was Silent
A23-Attitude Adjustment - D.S.F.A.D.M.S.
A24-Unknown Artist 
B1-Unknown Artist
B2-Clown Alley - The Party Ends
B3-Clown Alley - The Theme
B4-Legion Of Doom - Make A Change
B5-Legion Of Doom - American Waste
B6-Stikky - Ja Hovas Guys
B7-Stikky - 8-Hour Shift
B8-Rhythm Pigs - Animosity Index
B9-Rhythm Pigs - Cant Change The World
B10-Ten Tall Men - I Wanna Get Married
B11-Ten Tall Men - Squish
B12-Forethought - Grinder
B13-Forethought - I Dont Stand Tall
B14-Boss Hoss - The Witch
B15-Victims Family - Devon Drool
B16-Victims Family - Sir Onslaught / Work
B17-Neurosis - Security
B18-Neurosis - Life On Your Knees
B19-Crimpshrine - I Just Dont Know
B20-Sweet Baby Jesus - Shes From Salinas
B21-Unknown Artist

AQUI.

jueves, 22 de septiembre de 2016

LOST IN TRANSLATION: BAKUNE YOUNG (2 DE 5)

Artículo de Bill Randall para The Comics Journal 247 (2002). Traducido por Frog2000.  Parte 1.

La visión de Matsunaga no es tan nihilista. Y además el autor tiene un completo control de sus habilidades creativas, que como dibujante, y especialmente como narrador, superan a la de la mayoría de sus compañeros del medio, ya que muchos de los que operan en el mundo de la serialización y se hacen ayudar por asistentes demuestran que así se funciona de forma más limitada en lugar de hacerlo con plena libertad. Sus historias también se ven beneficiadas por su longitud. La mayoría de las series más populares suelen estropearse por culpa de la devoción de sus fans, ya que los editores insisten en continuarlas una vez rebasado el punto en el que deberían haberse acabado. En los tres tomos de 250 páginas cada uno que conforman la obra, Matsunaga entrega una historia de estructura perfecta y completamente orgánica, a pesar de que originalmente fuese publicada en Spirits, una revista de manga tremendamente popular. Cada tomo finaliza en un momento ideal, formando tres unidades con consistencia interna que conforman una narración más larga. Una vez recogidas en tomo, sus páginas no muestran evidencia alguna de que hayan sido previamente serializadas. En otras palabras, el autor es un maestro del ritmo y hace alarde de un profundo conocimiento de cómo se han de ir estructurando los episodios para generar finalmente una obra narrativa mayor.
Además, Matsunaga no tiene miedo a la hora de cambiar el ritmo. Si bien la historia prosigue linealmente, con frecuencia se queda en pausa para poder centrarse en algunos elementos vitales para su desarrollo. En la secuencia que tiene lugar al final del segundo volumen, el clímax que pondrá fin a todos los conflictos coge una velocidad de vértigo y luego de repente se detiene por completo. Durante esta secuencia, el autor va saltando entre por lo menos cuatro escenas diferentes, incluyendo una estampida de los yakuza, un combate entre ninjas y samuráis, un conflicto final entre Bakune y su vieja némesis Shiroyama y las correrías de la yakuza Renge mientras vigila todo lo que ocurre desde su helicóptero. Estas luchas finalmente terminan mezclándose con otras y sus participantes intercambiándose de enemigo, algo que ya sería lo suficientemente abrumador si además no tuviésemos que tener en cuenta las páginas cruzadas con efectos de sonido que empujan los límites entre viñetas, así como la rotunda fisicidad del dibujo de los personajes. A medida que va incrementándose la acción, sobre todo durante la estampida de los yakuza (donde se utiliza una técnica de impresión para las viñetas donde estas parecen repetirse y salirse ligeramente de tono), el efecto es como si la propia impresora no fuese capaz de contener las páginas. Igualmente, Matsuyama incrementa de forma juiciosa el uso de las líneas cinéticas, y las viñetas crecen de forma cada vez más desordenada según la historia va progresando. Sin embargo, en cuanto las peleas finalizan las cosas presentes en la viñeta empiezan a disminuir, las viñetas se reducen, las composiciones parecen menos elaboradas, casi como si la historia empezase a respaldar a Renge para que esta pueda ya hacer su entrada y limpiar todo el desaguisado. El efecto es elegíaco.
Matsunaga también varía su forma de dibujar dependiendo de la historia. Como ocurre con casi todos los manga, el autor enfatiza la plasticidad de los personajes y la solidez del mundo en el que se mueven, pero no deja que esto limite su estilo de dibujo. Los diferentes personajes demandan técnicas diferentes. Un personaje como Purima, que es el carácter habitualmente amable y posiblemente el único simpático de toda la obra, parece como si estuviese dibujado por un niño, con trazos limpios y redondeados. Sin embargo, Shiroyama ha dedicado su vida a odiar a Bakune con singular devoción y está consumido por su intención de acabar con ella, por lo que su cara está diseñada como si hubiese sido dibujada a base de cortes y trazos nudosos. Según se va incrementando el odio, se incrementará también la angulosidad y deformidad de su rostro, hasta que parecerá estar más que nunca tallado en madera en lugar de carne. A lo largo de la obra Matsunaga utiliza varios estilos en sus diferentes personajes. Por ejemplo, es un caricaturista excelente, y a menudo borda los esteroptipos existentes con los que dibuja a algunos de ellos y los retuerce con salvajes variaciones. Go, el policía de ultra-derecha, parece un viejo policía de antiguas historias de manga, mientras que otros están dibujados de forma que recuerdan a primates. La horda de los yakuza muestra variaciones de los diferentes arquetipos, y los personajes se comunican con el dialecto de Osaka y llevan tatuada la espalda, algo que esencialmente parece el catálogo épico de los diferentes tipos de personaje del gremio. Matsunaga nunca se cansa de dibujar figurantes y la obra se encuentra salpicada por miles de caras individuales.

(Continuará)

miércoles, 21 de septiembre de 2016

RATIONAL ANIMALS - PERCEPTION BECOMES REALITY


Rational Animals ‎- Perception Becomes Reality 7"
(Feral Kid Records, 2008)

A1-Perception Becomes Reality
A2-Tasting Blood
A3-Loose Cannon
B1-Tell Me What You Want
B2-You Can Do What You Want When No One Is Looking
B3-Visions Of Death

AQUI.