LOS BEATLES DE CADIZ

LA VERDAD, YO NO VEO GRAN DIFERENCIA CON ESTOS OTROS:



LOS DE CADIZ, DANDOLO TODO, CON ROCIO DURCAL.

Y AQUI, CHARLES MANSON, CANTANDO POR ENCIMA DE UNA DE LAS TONADAS DE LOS GAZMOÑAS INGLESES, MEJORANDOLA.

PODRIA SER HOY EN GENOVA

TALMENTE COMO ESTA ABUELA.

EL VIBORA CHECKLIST, NUMEROS 1-10

Empiezo aquí un proyecto que sé que me traerá más de un dolor de cabeza pero que no he podido dejar de hacer por culpa de mi afán coleccionista.
Me gusta revisar antiguas publicaciones, fantaseando con la idea de que se reediten grandes historias que han quedado aparcadas en sus olvidadas páginas. También la curiosidad me ha movido a repasar los números de El Víbora que he conseguido a través de la mula, mientras la nostalgia saqueaba mi cabeza y no podía evitar compungirme un poco mientras recordaba el día en que me deshice de mi (incompleta) colección del Víbora por culpa de una de las plagas bíblicas que suele asolarnos a casi todos los acumuladores de cómics: el espacio cada vez más reducido donde colocar nuestras colecciones.

Muchas de las historietas que sacó el Víbora a la luz durante su andadura han sido republicadas en elegantes, asequibles tomos, pero por desgracia, hay una ingente cantidad de material esperando su pronta reedición.

Repasando el checklist de estos números me sorprendí gratamente al comprobar que en la revista tuvo cabida desde un primerizo y (hoy) reconocido Daniel Torres hasta el autor underground más ígnoto y combativo. Aquí y en ningún sitio más se publicaron las historias cortas de un Kim Deitch que pasaría desapercibido hasta que el año pasado La Cúpula (otra vez) editó su magna obra "El bulevar de los sueños rotos".
Berenguer, el editor, fue un pionero en varios apartados y también lo sería con el manga, pues en los primeros números aparecieron crudas historias de uno de mis autores japoneses favoritos, Yoshihiro Tatsumi, recordad que esto se publicó ¡en 1980! (¿qué pensaría el españolito de a pié de los ochenta, futuro padre de algún otakito, al leer cosas como "Qué triste es la vida"?).

Cada vez que el tiempo me lo permita (y si me aguanta el cuerpo), seguiré posteando el checklist del Víbora en tandas de diez números. Estad atentos.

Gracias a la mula, el CRG, y sobre todo, a Duktor.



EL VIBORA Nº 1 (1979)

-Portada, Nazario
-Editorial, presentación
-No hay tregua para Palmer, Petillon
-Fraudes famosos, Kim Deitch
-Gustavo en la actividad del Radio, Max
-Comedia de costumbres, Bill Griffith
-Cartas del manicomio, Bea
-El hombre invisible, Rochette
-Las aventuras de Anarcoma, Nazario
-Drácula, Gallardo y Mediavilla
-Tratamiento equivocado, Art Spiegelman
-Contra los N.A.D.A., Martí y Rodolfo
-Fred Falo en Criminal de guerra y delincuente sexual, Willem
-Cielo y Sangre, Spain Rodriguez



EL VIBORA Nº 2 (1979)

-Portada, Gallardo
-Presentación
-Marcha en la nuclear, Max
-Fraudes famosos, Kim Deitch
-Edmundo y Gisela, Rochette
-Los N.A.D.A, Martí
-Cartas del manicomio, Bea
-Anarcoma, Nazario
-Hara-Kiri, Mirco Illic
-La serreria, Petillon
-Sex Comic, anónimo
-Frankenstein, Gallardo y Mediavilla
-Ah!, las mujeres, Willem
-BLAH-BLAH-BLAH, Mats Renhman
-Cul Hito, Detective enano, Art Spigelman
-Contraportada, Petillon



EL VIBORA Nº 3 (1980)

-Portada, Martí
-Presentación, con dibujo de Kim Deitch
-La segunda Babel, Joost Swarte
-Carnaval, Pons
-Dame gomina Mariolina, Gallardo y Mediavilla
-Palmer se mosquea, Petillon
-El muñeco, Bill Griffith
-Anarcoma, Nazario
-La labia y la filosofía, Onliyú
-Ha Ha Ha, Cardon
-Contra los N.A.D.A., Martí
-Oropel, Willem
-Planeta Infierno, Art Spigelman
-La banda se dispara, Max
-Contraportada, Petillon (?)



EL VIBORA Nº 4 (1980)

-Portada, Pons
-El Barón Negro, Got y Petillon
-No me gustan los lunes, Max
-El miedo, Willem
-Porno criminal, Pons
-Debe ser cosa del clima, Smeets y Geradts
-In Concert, Gallardo y Mediavilla
-35627, Ceesepe
-Anarcoma, Nazario
-El Fakir embaucador, Kim Deitch
-Mundo curioso, Sento
-Heroina, Peter Pontiac
-Las putas, Willem
-Pimentón turbina, Basil Wolverton
-Los N.A.D.A., Martí
-El doctor Supermarkenstein, Petillon
-Contraportada, J. David



EL VIBORA Nº 5 (1980)

-Portada, Max
-Editorial
-Fat Freddys Cat, Gilbert Shelton
-El tren de las 17:45, Petillon
-A tope, Max
-Trágica Venganza, Pons
-Safibarakalofi, Gallardo y Mediavilla
-Anarcoma, Nazario
-Kr2a, Joe Wylie
-Corazón y azucar, Evert Geralds
-Good Bye, Yoshihiro Tatsumi
-Un día de suerte, Art Spiegelman
-Contra los N.A.D.A, Martí
-Contraportada, (?)



EL VIBORA Nº 6 (1980)

-Portada, Roger
-Fotomontaje, Bea
-Ilustración, Bea
-Comecomix
-Dot Darling, Leslie Cagarga
-Bisnes en Melilla, Gallardo y Mediavilla
-El tiempo es un Océano, Roger
-Qué noche la de aquél día, Pons
-Jack Palmer, Petillon
-Anarcoma, Nazario
-Mundo curioso, Sento
-Fat Freddy´s Cat, Gilbert Shelton
-Una masacre, Vasili y Pere Joan
-A tope II, Max
-Después del petróleo, Willem
-Contra los N.A.D.A., Rodolfo y Martí
-Contraportada, (?)



EL VIBORA Nº 7 (1980)

-Portada, Ernesto Carratalá
-Comecomix
-La invasión de los Globs, Gilbert Shelton
-Amor de madre, Pons
-_ _ _ _ _!, Max
-Melopea en el sótano, Rochette
-El monstruo del pantano, Basil Wolverton
-Detente mariposa, Pamiés
-Mundo Curioso, Sento
-Anarcoma, Nazario
-Pasión bestial, Kim Deitch
-Pirula en Málaga, Gallardo y Mediavilla



EL VIBORA Nº 8-9 (1980)

-Portada, Mariscal
-Comecomix
-Fumada en Granada, Gallardo y Mediavilla
-Arcana mayor, Denis Kitchen
-No hay camino al Paraíso, Pons
-Asesinato en 24 imágenes por segundo, Daniel Torres
-Animal Camp, Gilbert Shelton
-Mujer violada, Max
-Los Garriris con Fermín y Piquer, Mariscal
-Plancha Niefes, Nicole Claveloux
-Fotonovela, Guión: Nazario, realización: “el Víbora”
-Supersonic Sammy, Basil Wolverton
-Anarcoma, Nazario
-Palmer se joroba, Petillon
-Legítima defensa, Rodolfo
-La última película, Martí
-Perfidia moruna, Pamiés
-Qué triste es la vida, Yoshihiro Tatsumi
-Jack Palmer y Sam, Petillon
.Desfile triunfal, Simónides
-Un trabajo en la costa, Martí
-Contraportada, fotomontaje



EL VIBORA Nº 10 (1980)

-Portada, Félix
-Comecomix
-Código Zippy, Bill Griffith
-¡Milagro!, Max
-La doncella del diablo, Peter Pontiac
-El hombre enmascarado y Porno D´epoque, Pons
-Fat Freddy´s Cat, Gilbert Shelton
-Falo contra Tarzán, Willem
-Angeles Negros, Ceesepe
-Diccionario para mariquitas y ojos verdes, Nazario
-Póster “Operación Zippy”, Bill Griffith
-La Gioconda es una moderna, Félix
-On the Road, Gallardo y Mediavilla
-El telescopio, Yoshihiro Tatsumi
-Contraportada, Peter Pontiac

QLOACA LETAL

En este blog pocas veces verás música en castellano porque casi toda me hace reír por no llorar. Pero hay dos o tres excepciones que sí subiré con el tiempo y una caña. Una de ellas es la reedición en CD de la maqueta de 1984 de Qloaca Letal (si consigues el CD reeditado, en el libreto encontrarás mucha información jugosa).

El atolondrado combo estuvo funcionando durante la primera mitad de los ochenta en esa ciudad tan atroz que es Valladolid y que tan bien plasmó Santiago Lorenzo en su película “Mamá es Boba”. Ignorados de forma sistemática en todos los recopilatorios actuales que documentan los inicios del punk ibérico, ha producido que se conviertan, por desconocimiento, en un grupo aún más de culto.
Quizá esto se deba a que la música atrapada en el CD es más áspera que el pop acelerado (vitamínico en algunos casos) de las bandas que impregnaron de sabor punk la España del Psoe.
Qloaca Letal parecen un cruce deforme entre Eskorbuto (las letras asociales que beben muy poco de los cuatro clichés de siempre, las guitarras a piñón fijo) y Big Black (la batería programada (?), el ruido cortante que fueron capaces de conseguir en sus grabaciones).

Sólo por “Destroy”, la canción con más mala baba del disco, serán recordados durante mucho tiempo.


Más información.

QLOACA LETAL – NUNCA, SIEMPRE (CD, REEDICION, 2001)

1-NUNCA, SIEMPRE
2-DESESPERACION
3-CAOS, SA
4-YA TE VALE, POLICIA
5-ODIO
6-VALLADOLID, QLOACA LETAL
7-SOY UN ASESINO
8-DESTROY
9-LA VIDA ME ESCUPE
10-PARANOIA
11-SUBVERSION
12-¿QUIÉN ERES?
13-DESESPERACION (EN DIRECTO)
14-ODIO (EN DIRECTO)
15-SOY UN ASESINO (EN DIRECTO)
16-DESTROY (EN DIRECTO)
17-LA VIDA ME ESCUPE (EN DIRECTO)
18-POGO PUNK (EN DIRECTO)
19-PARANOIA (EN DIRECTO)
20-LA VIDA SIGUE IDEM (EN DIRECTO)
21-ESCAPA (EN DIRECTO)
22-VALLADOLID (EN DIRECTO)
23-SUBVERSION (EN DIRECTO)
24-PARANOIA (FEAT. TEATRO CORSARIO)
25-SOY UN ASESINO (FEAT. TEATRO CORSARIO)
26-LA VIDA ME ESCUPE (FEAT. TEATRO CORSARIO)
27-CAOS S.A. (FEAT. TEATRO CORSARIO)
28-NUNCA, SIEMPRE (FEAT. TEATRO CORSARIO)

AQUI.

El disco lo saqué en algún momento de 2007 de aquí.

ANGEL CALLEJERO, LA PRINCESA DE LA POBREZA

Posiblemente este sea uno de los tres mejores cómics que editaron el año pasado.

Como ya hay gente que lo ha reseñado mejor que como yo lo haría, os pongo este y este otro enlace con un par de análisis sin desperdicio. Tan sólo comentaré que Angel Callejero es uno de esos atípicos tebeos que producen ganas de crear según se están leyendo.

La web oficial del tebeo está aquí.

De Ponent lo editó en castellano.

Os dejo con una entrevista con Jim Rugg, uno de los dos creadores de Angel Callejero.

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La Experiencia Jim Rugg.
(por Adam White, 2005, ComicCritique.com. Traducido por Frog2000)

Recientemente tuve la oportunidad de conversar con Jim Rugg, uno de los creadores de la serie Angel Callejero para Slave Labor Graphics, la cuál ya deberías haber leído. Durante el transcurso de la conversación, Rugg nos comentó cómo fueron sus orígenes en los cómics, cómo empezó Angel Callejero, y los proyectos que está preparando ahora. Rugg también ofreció inteligentes puntos de vista sobre el estado actual de la industria del cómic, muchos de los cuáles tendrían que ser tomados en serio por algunos editores...

Adam White: ¿cuándo te empezaron a gustar los comics?. Como suele decir Warren Ellis, ¿fue algo con lo que empezaste tú solo o conociste el mundillo a través de algún amigo?.

Jim Rugg: No estoy seguro de cómo empecé con el cómic. Después de un tiempo leyéndolos e intentando dibujarlos, me di cuenta de que probablemente sabía más de comics que cualquier otra persona en la Tierra. Si bien esto puede llegar a ser deprimente, es difícil no seguir explorando el medio. Si quiero expresarme hoy en día, probablemente estoy condenado a que los cómics sean mi forma de hacerlo.
O tal vez lo que pasa es que soy demasiado perezoso como para ponerme a dibujar con pintura al óleo.

AW: ¿Qué es lo que te mantiene interesado en el cómic?.

JR: Sobre todo que es divertido hacerlos, leerlos y hablar sobre ellos. Definitivamente lo encuentro más gratificante que ver la televisión.

AW: ¿Qué escritores y dibujantes te han inspirado a la hora de crear?

JR: Siento la necesidad de crear casi en cualquier momento en el que estoy paladeando otras formas de arte o de entretenimiento. Los autores que realmente me han llegado a lo largo de mi vida son Frank Miller, Erik Larsen, David Lapham, Kirby, Mazzuchelli, Mignola, los hermanos Hernández, Crumb, Clowes, Ware, Doucet. Probablemente todos son demasiado evidentes.

AW: ¿Entonces casi todos los que te han influido son creadores de cómics, o hay artistas de otros medios de comunicación que te han empujado en tus aspiraciones creativas?

JR: Últimamente algunas cosas que he disfrutado son The Office, Arrested Development, las películas de Wes Anderson, la escritura de Kobo Abe, la fotografía de Todd Hido, y las pinturas y dibujos de Toba Khedoori.

AW: ¿Tuviste una educación convencional en la escuela o más bien fuiste autodidacta?
Y otra gran pregunta es: ¿cómo llegaste a la industria del cómic?.
Por otra parte, ¿has tenido (o tienes actualmente) alguna profesión fuera del campo del cómic?.

JR: Antes de Angel Callejero hice algunos mini-cómics que llevaba a convenciones como SPACE, SPX, y Mocca. También comencé a intercambiar mini-cómics a través de correo con dibujantes cuyo trabajo me gustaba.
Estuve trabajando a jornada completa como diseñador gráfico durante casi seis años.

JR: Tuve una beca BFA en Diseño Gráfico y dibujo de una pequeño y liberal instituto de arte.

AW: ¿Cómo empezó tu relación con Brian Maruca (guionista de Angel Callero?). ¿Fue a través de Slave Labor Graphics?.

JR: Brian y yo trabajábamos en la misma compañía. El es un escritor técnico. Pronto nos hicimos amigos. Le decía que leyese los guiones y los cómics que hacía, y finalmente empezamos a colaborar. Hicimos unos cuantos fanzines juntos, y luego hicimos la versión en mini-cómic de Angel Callejero. Cuando lo acabamos, enviamos una copia a Slave Labor, presentando un desarrollo de la serie (el aspecto de la portada, resúmenes de las siguientes entregas, etc).
Dan Vado, el editor de SLG, se puso en contacto con nosotros y concertamos una entrevista.

JR: Nos inspiraron un par de cosas. Durante dos años estuve asistiendo a convenciones de cómics y observé un patrón repetitivo. En cada convención veía mini-cómics y muestras de historietas sobre super-héroes hechos en casa. Por lo general no eran muy profesionales, pero se notaba un entusiasmo increíble en todo ese material.

Además, he recibido guiones de aspirantes a escritor, y noté que algunos de los temas eran sobre la violencia y la denigración de la mujer. Estas dos cosas influyeron en Angel Callejero más que cualquier otra en particular.

También me influyó el one-shot Screw-On Head de Mignola y el episodio piloto de Heat Vision y Jack.

AW: Son raros los retratos fidedignos de niños y adolescentes en el mundo del cómic (o para el caso, en la literatura, el cine, la TV, etc), ¿cómo fuisteis capaces de crear una genuina doceañera, donde tantos otros han fracasado?.

JR: Nos esforzamos mucho en mantener la ingenuidad de Jesse, y esa mezcla que tiene de escepticismo y esperanza. Esa es una de las cosas que pasamos hablando durante mucho tiempo. Además de ser un adolescente, no es muy inteligente y eso es algo que tratamos de mostrar tal cuál. Si piensas que hemos conseguido un buen personaje, es porque probablemente tuvimos un montón de suerte.

AW: En “Down in the Dumpster Blues” la acción y la comedia cambian hacia un tono más serio sin perder la coherencia con el resto de episodios. ¿Cómo habéis equilibrado las dosis entre humor y drama pero manteniendo las mismas sensaciones durante todo el cómic?

JR: Esa historia fue concebida muy al principio del desarrollo del guión. Y parece encajar mejor con lo que es el personaje, incluso un buen número de personas me han dicho que es su número favorito o que es el primero que leen y que les gusta. Como creador, me pareció muy divertido hacerlo, un poco al estilo de Andy Kaufman. Se socavan las expectativas de todo el mundo, pero de ninguna manera creo que traicionase el carácter del tebeo.

La clave para el libro y lo que podemos o no podemos hacer en el mismo es la personalidad de Jesse. Mientras las historias que escribimos sean fieles a su forma de ser, creo que estamos haciendo juego limpio. También pienso que el humor, el drama, etc, pegan con el resto del guión mientras este sea interesante y seamos fieles al personaje.

AW: Sinceramente estoy de acuerdo y creo que esa fidelidad es evidente debido al buen resultado conseguido en la serie. ¿Vosotros estáis satisfechos con el resultado final de Angel Callejero?. ¿Puede decirse que habéis conseguido lo que queríais con el mismo o existe algo quizá habríais hecho de otra manera?.

JR: Esta siempre es la pregunta más difícil, porque nunca sé con seguridad si he conseguido lo que quería. Cuando empezamos el cómic, no me parecía que tuviese mucho que decir. Pero mirando en retrospectiva, creo que el resultado puede ser una celebración del cómic de superhéroes y, si es así, no estoy seguro de que alcanzásemos el éxito. Cuanto más tiempo paso lejos de la serie, más defectos la veo - Supongo que sé que podría haber sido mejor y eso es todo lo que puedo decir.

A un nivel estrictamente personal, estoy muy entusiasmado con el libro. Durante dos años, he derramado todo mi tiempo libre en Angel Callejero. Y al final, he creado un cómic-book sobre un personaje que Brian y yo hemos ideado y que me gusta. Es algo que he querido hacer desde que tenía doce años. Me produce una gran satisfacción.

AW: Creo que habéis conseguido lo que queríais, por lo que respecta a contar una gran historia con personajes muy interesantes. Jesse Sánchez es una rareza en los cómics actuales: es un personaje absorbente y excepcional que mantiene la integridad y entretiene a sus lectores al mismo tiempo. Lo cual me hace preguntar: ¿veremos a Jesse Sánchez de nuevo?

JR: Brian y yo acabamos de terminar el guión para el número seis. Hemos anotado ideas para los cuatro o cinco números siguientes. Estamos jugando con la idea de una tira de Angel Callejero con cadencia bisemanal. ¿Quién sabe lo que nos deparará el futuro?. Me sorprendería mucho si algún día no volviésemos a hacer más cómics de Angel Callejero.

AW: Me alegra enormemente oír eso. Espero con interés ver más Angel Callejero y animaré a más lectores a conocerlo. Algo que me lleva a preguntar por la razón por la que elegí el cómic de Angel Callejero sobre otros cómics: las cubiertas.
¿Hay algo en particular que inspirase las de Angel o simplemente fue una idea que tomó vida propia?.

Y es que ya se sea un lector veterano o un desinformado novato, la primera cosa que una persona ve cuando se enfrenta a un cómic es con la cubierta. Creo que en lo que a Angel Callejero se refiere es particularmente esta es llamativa y muy adecuada con esa mezcla de color rosa sólido e imágenes crudas. ¿Qué te hizo realizar esas portadas?

JR: Cuando estábamos haciendo el libro, Brian y yo fuimos a la tienda de cómics más cercana para diseñar la portada. En la tienda colocan todos los cómics nuevos colgados en una larga pared. Así que estábamos apoyados en la pared observando los colores y diseños que más destacaban. Con este proceso, nos fijamos en el toque de color rosa que tenía cada portada. Asi que en lugar de un consistente logo, usamos el color rosa como tal.

AW: ¿Crees que esas portadas son esenciales para atraer lectores?

JR: No sé si son imprescindibles como para vender un cómic en una tienda de cómics. Pero me encantan las buenas portadas (especialmente las antiguas portadas de la Edad de Oro que contaban historias), así es algo con lo que me tomo mi tiempo a la hora de hacer las de Angel Callejero.

AW: ¿Tienes la sensación de que ahora las empresas pasan por alto la importancia de las portadas?. ¿Hay alguna que te haya impactado?.

JR: No creo que las compañías las pasen por alto. Creo que los editores que participan a la hora de adoptar decisiones pueden carecer de sentido del diseño, o sus ideas de marketing no son las mismas que las mías o algo así. La aparente decisión de Marvel de utilizar figuras icónicas de estilo pin-up simplemente no funciona para mí. Recuerdo cuando Byrne o Jim Lee dibujaban una dramática portada de la cara de Wolverine totalmente enfurecido y era muy llamativa. Pero la fuerza de ese tipo de portada no era por la cubierta en sí, sino que destacaba porque era muy diferente del resto (por lo general, muy ruidosas y saturadas). Tan pronto como la orden editorial fue que las portadas debían representar al personaje principal en una pose de chico duro, de repente tienes cien comic-books al mes que no pueden diferenciarse.

Otro problema que veo es que el número de cada mes parece el mismo que el del mes anterior y el mismo que el del mes anterior a ese (por ejemplo, los del Punisher). Creo que DC, Wildstorm y Vertigo han tenido algunas portadas que merecen mucho la pena en la última década: Wildcats 3.0, Predicador, Sandman (aunque a veces ha sufrido en menor medida de lo mismo de lo que adolece el Punisher), las portada de Bolland para Animal Man, 100 Balas. No estoy seguro si es una buena estrategia tener portadas hechas por artistas diferentes a los dibujantes del interior, pero si eso es todo lo que Bolland tiene tiempo para producir y encima hace un trabajo maravilloso, entonces...

Una gran cantidad de compañías buscan una imagen cool para la portada. Esto es algo obvio y superficialmente parece ser una muy buena idea. Pero una imagen guay de 20x30 pulgadas en un lienzo o en un brillante y rasposo monitor de LCD sin el título, sin el logotipo de la empresa y la información del precio, etc, no es lo mismo que un comic-book impreso y esto la gente parece no entenderlo. Una portada de cómic-book no es una pintura, o un dibujo o una fotografía, sino una portada de un cómic.

Y cuando un director de arte está trabajando con una portada, el o ella pasan mucho tiempo mirando la portada de forma aislada. Una vez que se coloca junto a otros 100 cómics, puede que no tenga el mismo efecto.

AW: Creo que una gran cantidad de editores harían bien en prestar atención a tus palabras sobre las portadas. Actualmente hay una saturación repetitiva que conduce a la apatía general, incluso entre los fans más devotos. Lo cuál refuerza la ignorante opinión pública sobre los cómic-books, que aún cree que son una forma juvenil de perder el tiempo.

Como forma de arte, los cómics han sufrido una falta de respeto entre el público generalista durante años y también entre gente de la propia industria del cómic. ¿Por qué crees que ha pasado esto y qué podemos hacer para superarlo?.

JR: No creo que los cómics sufran la falta de respeto a un nivel general que la gente de la industria reclama. Creo que hubo un momento en que estaban considerados como una basura, como una diversión para analfabetos, pero creo que eso fue hace una o dos generaciones.

Pienso que hay una mayor falta de respeto dentro de la industria. Esta proviene de unas pocas fuentes. En primer lugar, porque la industria ha sido tan pequeña durante tanto tiempo, que todo el mundo interactúa estrechamente entre sí, desde los fans hasta los dibujantes y desde los editores hasta las editoriales. Como resultado, parte de esta industria siempre se expresas con segundas y, a menudo, lava su ropa sucia en público, lo que nos ha hace parecer poco profesionales. Otro factor que considero problemático es que los grandes capitalistas de nuestra industria (y esto debe entenderse de forma relativa) sólo han confiado en un campo demográfico (el del coleccionista de superhéroes). Esta dependencia es la que dicta que sólo se produzca un determinado tipo de cómic. El resultado es un comic-book que a mí actualmente no me llega. Como lector y creador es frustrante ver cómo se gastan más esfuerzos en hacer algunas cosas que no me importan nada y casi ninguno en aquellas cosas con las que sí disfruto.


AW: Así que que los superhéroes dominan el mercado y creo que un buen número de lectores sólo siguen ese tipo de cómics porque simplemente lo tienen siempre a su disposición (de nuevo aquí aparece el factor de la apatía). Y los cómics de superhéroes suelen apoyarse en una continuidad deformada y densa y en eventos y crossovers de corta duración para mantenerse a flote.

¿Crees que el actual revival de las mega-compañías centrado en los crossovers de superhéroes es un obstáculo para ganarse el respeto de la opinión general y / o atraer a nuevos lectores?.

JR: Lo primero que se me ocurre es lo siguiente: el contenido y la calidad son el principal obstáculo para ser aceptados por el mainstream y conseguir nuevos lectores.

Entonces me doy cuenta de que eso también es erróneo. Si conseguir llegar al mainstream es el objetivo principal, entonces los cómics tienen que ser una barata, accesible y repetitiva basura que se nutra de la cultura pop y que apele al consumidor que hay en cada uno de nosotros. Porque somos adictos a buscarnos en los espejos distorsionados de una casa del terror diseñada para lucirnos y hacer hincapié en nuestros defectos. Si quieres que los cómics obtengan el éxito a nivel popular esa es la solución. Los superhéroes son un arte los suficientemente viciado como para llegar a conseguir una audiencia mayoritaria.

Asimismo, la distribución debe cambiar significativamente antes de que llegue el momento de vender a lo grande.

AW: Es muy interesante esto que comentas. Tener éxito vendiendo cómic books a una audiencia mayoritaria significa tener una menor calidad en el contenido de los mismos. Sabiendo lo que la gente paga por ver en la TV por cable y en el cine, tal vez sea mejor evitar totalmente la corriente mainstream. Las tendencias que la gente sigue en otros medios de comunicaciòn son terribles, e incluso a veces tienes que tragarlas fuera del mundillo del cómic.

Dicho esto, ¿qué tendencias detestas en el cómic?.

JR: Me preocupa que muchas empresas (nuevas y antiguas) se metan en el mercado directo. Me doy cuenta de que ahora mismo es la única forma de “jugar”, pero me gustaría ver a alguien tratando de vender cómics en algún otro sitio que no sean los de la venta directa. Creo que el mercado directo requiere un cierto enfoque para el material que puede ser descrito como inmaduro. Y con esto no tengo la intención de ser ofensivo. Tan sólo se trata de una descripción.

Creo que los consumidores de los que dispone el mercado directo son un pequeño y específico pedazo del público. Y desde un punto de vista comercial, si deseas tener éxito en el mercado directo, ese es el grupo al que debes llegar. Del mismo modo, la mayoría de los dibujantes son fans de los cómics dirigidos hacia la venta directa. Como resultado, crean el mismo trabajo con el que disfrutan. Es un círculo vicioso que da como resultado un cierto tipo de trabajo que tiene unos recursos limitados y que a mí prácticamente no me gusta. Por lo tanto, esa tendencia, ciclo o práctica empresarial me molesta.

AW: A mí tampoco me gusta. Es una práctica empleada por las grandes editoriales, y con la cuál las “Dos Grandes” mantienen el control y la forma actual de mercado. Lo que no deja mucho margen para que las pequeñas editoriales prosigan con la gran labor que están haciendo y tampoco permite que los creadores independientes obtengan la audiencia que se merecen.

¿Tienes algo que decir sobre el debate de los personajes independientes frente a los personajes corporativos?.

JR: No tengo mucho que decir. Creo que un buen trabajo puede ser y ha sido producido tanto de una forma como de otra. Si un creador consigue un trabajo remunerado con una comprensión clara de lo que él / ella está haciendo, creo que está haciendo bien las cosas. No es que siempre haya que hacerlo así, pero si un creador no sabe lo que él o ella quiere hacer en un momento y situación determinada, el va a tener toda la culpa de dónde se mete. Hace cuarenta años, el creador que detentaba la propiedad de sus personajes tenía pocas o ninguna salida. Ahora sí que la tiene por lo que trabajar con personajes corporativos sólo es una opción más.

AW: ¿Qué artistas sigues que trabajen con sus propios personajes y qué personajes de las grandes editoriales te gustaría dibujar o escribir y por qué?.

JR: Me gusta mucho el trabajo de Paul Grist. Prefiero Kane a Jack Staff, pero disfruto de todos los diseños. También me gusta el trabajo de Mignola, Savage Dragon, Balas Perdidas.

Hay toneladas de personajes de las grandes compañías que me gustaría escribir o dibujar. La respuesta corta es que lo haría por el cheque, pero también influye la nostalgia, la pereza, y algunas razones creativas.

AW: ¿Hay algún personaje con el que nunca trabajarías?

JR: No puedo pensar en ningún personaje con el que nunca trabajaría, pero Spider-Man me resulta algo extraño. ¡Odio a Peter Parker, pero me encanta el traje de Spider-Man!. Por lo tanto, no estoy seguro de qué podría hacer con él.

AW: ¿La saga del clon: El Retorno, tal vez?

¿Qué cómics actuales te parecen grandes trabajos?

JR: No creo que pueda llamarse a los cómics que te voy a decir “grandes” trabajos, pero algunos de los que más me gustan (incluso alguno sí que es “grande”) son: Kane de Paul Grist, el trabajo de Mignola, Savage Dragon de Erik Larsen, Balas Perdidas de Lapham, Usagi Yojimbo de Stan Sakai. El trabajo de Dan Clowes, Chris Ware y Anders Nilsen. Creo que Fantagraphics y Drawn & Quarterly probablemente son las mejores editoriales. Editan el mayor porcentaje de los cómics que leo.

AW: Para terminar, ¿hay alguna historia que te morirías por hacer?. ¿Algunos creadores con los que te gustaría trabajar?. ¿O prefieres esperar a ver donde te lleva el azar?.

JR: Hay una historia de Punisher y Galactus que me gustaría hacer. También hay muchos artistas con los que me gustaría trabajar. Pero por el momento sólo seguiré mis propias directrices. La creación de cómics es un cruce entre la maldición y la diversión, por lo que hay que mantener un gran nivel de entusiasmo o acabaría viendo la televisión por la tarde mientras bebo cerveza.

AW: Y lo que podría hacerte esto, prefiero que no ocurra. Tus comentarios sobre el mundo del cómic me han hecho reflexionar mucho más que la “Danza con las Estrellas” de la semana pasada.
Una vez más, gracias por gastar tu tiempo en charlar con nosotros – ha sido algo muy informativo y creo que muchos puede que se piensen mejor qué cómics van a comprar la próxima vez.

Por el momento, ya estamos esperando nuevos números de Angel Callejero y esa historia de Galactus y Punisher.

BANNED CARTOONS

Si quieres comprobar qué veían nuestros bisabuelos americanos en TV las largas mañanas de los sábados y domingos de hace setenta años, aquí están recopilados unos cuantos dibujos animados que no se han vuelto a emitir en la pequeña pantalla o recogido en DVD. Y eso que algunos están dirigidos por luminarias de la animación como Tex Avery, Chuck Jones o realizados por la famosa productora Hanna Barbera.
Los motivos son variados, entre ellos que salgan muñecotes pegando una paliza a Hitler, divertidos animalillos antropomórficos defendiendo el nacional-socialismo o gente de color representada de forma racista.

Más cómos y por qués, aquí.

HAUNTED GEORGE & THE LAMPS

Imprescindible single compartido entre Haunted George y The Lamps

The Lamps and Haunted George split single (In The Red, 2008)

1-Haunted George - Ron Campbell
2-The Lamps with Ashley McHugh and Jimmy Hole - Gonna Lynch U

AQUI.

LA LISTA DEL BEATLE CON MENOS TALENTO.

¿Cuál es el Beatle con menos talento? 

Ringo Starr
Ringo es, evidentemente, el menos talentoso. ¿Cómo infiernos hizo este chico para conseguir el trabajo?. ¿Estaban los otros tres tan borrachos en ese momento como para que Ringo les sonara realmente bien?. Sin embargo, el resto de la banda debería haber estado un par de veces lo suficientemente sobrios como para estar seguros de que las pistas que grababa Ringo fuesen rechazadas del corte final. Estamos hablando de un chico blanco sin ritmo. Demonios, si hacemos un registro aleatorio por los pubs de Londres, conseguiríamos un batería mejor. ¿Cuál es la diferencia entre Ringo y un reloj parado?, pues que el reloj da el tempo dos veces al día. ¡Sabes que es malo porque “Yellow Submarine” fue su momento más brillante!.

Paul McCartney
Paul y esa mierda de Linda "Yo sé lo que es mejor por lo que no voy a servir carne en mi concierto” lo lleva definitivamente hasta la segunda posición. Aparentemente esa pretendida vida “limpia” no funciona tan bien como habían previsto. Creo que es un aviso para despertar y vivir la vida al máximo, en vez de gastar el tiempo navegando por la red leyendo páginas sobre los Beatles. Y no me digas lo gran compositor que se supone que es Paul. Cualquiera puede escribir una canción de 4x4 con 3 o 4 acordes.

George Harrison
Bueno, está muerto. ¿Podemos, por favor, parar ahora de descubrir canciones de chicos muertos?. El ritmo de "Set on you" de hace unos años casi hace que George eche a Paul de su puesto en la lista. Una o dos más como esa y definitivamente habría conquistado el podio.

John Lennon
John es probablemente el menos talentoso de los sin talento. No voy a decir el más talentoso de los que no disponen de talento, porque eso implica que en alguna ocasión habría existido algún tipo de talento. Pero me hace preguntarme algunas cosas sobre un tipo que se cuelga de alguien como Yoko.

Traducción a partir de una lista de la página
HELP! THE BEATLES SUCK,
donde hay más cosas divertidas sobre los mastuerzos de Liverpool.

KING SOUND QUARTET - ANNIHILATE THIS WEEK

King Sound Quartet fue un super-grupo de avant-garage de corta duración formado por Mick Collins (Gories, Blacktop, voz y guitarra), Tim Kerr (Big Boys, Poison 13, guitarra), Alex Cuervo (Blacktop, bajo)y Stephanie Friedman (Lord High Fixers, batería). Disponen de un LP en In The Red Records, más fácil de conseguir que el single.



KING SOUND QUARTET
Annihilate This Week 7" (Estrus, 1996)

1-Annihilate This Week
2-Memphis Train

AQUI.

INDIANA JONES

Para mí Indiana Jones fue siempre un tipo hecho de bits, pues nunca pude ver ninguna de las tres películas de la saga en el único cine de mi pueblo y cuando las echaron en la tele siempre tenía algo mejor que hacer. 

Sin embargo sí que jugué a Indiana Jones and the Fate of Atlantis, abortado argumento para una cuarta película que extendiese la trilogía y que se convirtió en video-juego para mi 286, entonces una máquina potente a la altura de Hal-9000. 

Durante el reinado de las aventuras gráficas (que para mí empezó en 1991 y acabó en 1997) los mejores juegos fueron los de LucasArts, destacando la aventura del arqueólogo sobre el resto de productos de la casa. Y eso que los otros juegos eran todos de bandera: Sam y Max, Maniac Mansion, Day of the Tentacle, la saga de Monkey Island.

Los gráficos del juego eran los típicos de la empresa, funcionales. Pero tampoco se buscaba deslumbrar al comprador sino hacerle un adicto a la pantalla, pues los juegos de entonces enganchaban una burrada y una vez quedabas hechizado no podías hacer otra cosa que jugar y jugar hasta que llegabas a los habitualmente decepcionantes finales. Pero de lo que más me acuerdo es de la famosa sintonía de la película que, traspasada al speaker del PC, sonaba de aquella manera pero emocionaba. Para mí la música de Indy siempre fue ese soniquete lo-fi.

Creo que a los chavales de entonces nos gustaba más leer que a los zombies de las consolas actuales, y es que hay que recordar que las Aventuras Gráficas se basaban en su mayor parte en ir avanzando por la trama a base de diálogos, siendo especialmente caudalosos los de LucasArts. Esto nos marcó a unos cuántos, que buscaríamos para siempre los argumentos elaborados por encima de la acción descerebrada sin más.

Así que The Fate of the Atlantis (que se puede conseguir fácilmente en cualquier página de Abandonware) fue mi Indiana Jones, al igual que mis primeras Guerras de las Galaxias fueron las de los tebeos que editó Fórum en sus comienzos. 

Años después “Las Llaves de Atlantis” conocieron su versión de historieta pero no era muy allá. El típico producto de explotación para coleccionistas de basura (hoy desluce orgullosa en una de mis estanterías).

En los últimos años ya me he puesto al día con las famosas aventuras de Jones y espero con igual ansiedad que el resto de seguidores el día del estreno de la cuarta. Y aunque todos sabemos lo mamonazos que pueden llegar a ser tanto Lucas como Spielberg, estoy seguro que esta vez no nos van a fallar, pues ellos mismos son fanáticos de su creación.

SABRE DE MCGREGOR Y GULACY

Como hay gente que me lo pide en los comentarios, aquí tenéis esta gran obra.

Recordad que para poder leer en la pantalla, el mejor programa es el CDISPLAY.

OTROS TOUR DE FORCE MEMORABLES DE PAUL GULACY SON (TODOS ELLOS CON DOUG MOENCH HACIENDO LOS GUIONES):


SHANG CHI: MASTER OF KUNG FU (1974-1977, MARVEL COMICS)
PUBLICADO POR FORUM EN TRES TOMOS.


SHANG CHI: MASTER OF KUNG FU (2002, MARVEL MAX)
SECUELA DE LA COLECCION ORIGINAL, PUBLICADA POR FORUM EN TRES PRESTIGIOS.


SLASH MARAUD (1987, DC COMICS)
PUBLICADO POR ZINCO EN 6 GRAPAS, PROXIMA REEDICION POR PARTE DE PLANETA DEAGOSTINI.


BATMAN: PRESA (1990, DC COMICS)
BATMAN: TERROR (2000, DC COMICS, SECUELA DE LA ANTERIOR SAGA)
PUBLICADAS AMBAS EN UN TOMO POR PLANETA DEAGOSTINI.


OTRAS OBRAS RECOMENDABILISIMAS DE DON MCGREGOR SON:


KILLRAVEN (1973, MARVEL COMICS)
PUBLICADO POR FORUM EN UN TOMO.


LA FURIA DE LA PANTERA (1973, JUNGLE ACTION, MARVEL COMICS)
PUBLICADO POR FORUM EN UN TOMO.


LA PANTERA NEGRA CONTRA EL KU KUX KLAN (1974, JUNGLE ACTION, MARVEL COMICS)
PUBLICADO POR FORUM EN UN TOMO.

A FEAST OF SNAKES LP

Este es uno de los cinco mejores discos que ha sacado In The Red en toda su historia. Aquí los Stooges son aplastados hasta convertirse en papilla para bebé. ¿Exagerado?, escúchalo y ya me contarás.


A Feast Of Snakes 12" (In The Red, 2003)

1-Killing Time
2-Own Me
3-Kill Your Boyfriend
4-Burnin' Off The Fog
5-Know Your Name
6-Dirty Leg
7-What You Ain't
8-Love Like Cancer

REEDICIONES NECESARIAS (4): AZTEK, EL HOMBRE DEFINITIVO

Ahora está de moda el super-héroe desconstruido pero en 1996 no era tan usual el que un personaje se moviera por su universo de ficción emitiendo frases tan cool como las que Mark Millar y Grant Morrison en comandita pusieron en boca de Aztek.

Creado por dos de los renovadores actuales más importantes del género super-heróico (otro sería Warren Ellis), el tebeo se convirtió en una extraña mezcla de post-modernismo bien entendido y lo que se dio en llamar nuevo tradicionalismo; o lo que es lo mismo, el esfuerzo que hicieron algunos guionistas como Mark Waid o Kurt Busiek por llevar los argumentos de sus tebeos más allá de la oscuridad argumental que obras como Watchmen o Dark Knight habían legado al género y que, tergiversadas por peores autores, lo habían lastrado hasta dar en ejercicios de quiero-y-no-puedo tan sonrojantes como los perpetrados por la generación Image.

La labor en los dibujos de N. Steven Harris, Keith Champagne y Chris Eliopoulos producía una interesante y oscura ambientación que, extrañamente para lo esforzado pero mediocre del resultado, no desencajaba con el tono que se pretendía dar en lo literario.

Aztek, campeón del dios azteca Quetzalcoatl, será (como bien reza desde la portada) el Hombre Definitivo en una colección que parece hecha a la antigua usanza, con el típico y espectacular origen o la típica ciudad con rasgos propios por donde se desenvuelve el héroe, Vanity City. Esta jugará un papel fundamental a la hora de ambientar las historias, pues Millar y Morrison consideran que todas las ciudades del Universo DC tienen alma y así, mientras Gotham es la ciudad que representa la amenaza y la oscuridad y Metrópolis hace lo propio con la luz, la urbe de Aztek será la de la desesperanza y la depresión.

Para combatir las diversas amenazas que se le presentan, Aztek hará uso de una armadura de alta tecnología y una capacidad física y mental metahumana, al haber sido entrenado desde su nacimiento por la misteriosa Sociedad Quetzalcoatl.
Aunque su mayor enemigo será Tezatlipoca el dios oscuro, al estar la colección plenamente integrada en la ficción de Batman y Compañía veremos aparecer por la misma tanto al Joker como a la JLA.
Morrison incluso se atrevió a convertir al personaje en miembro de pleno derecho de la Liga de la Justicia en alguno de los números que guionizó de la misma, pero sucesivos guionistas no han querido (o no han sabido) ver el potencial del luchador azteca y este ha sido poco menos que infrautilizado.
Por lo tanto, esta no es la enésima colección prescindible de los devastadores noventa, sino que por una vez la melaza resultante está aderezada con todos los (buenos) trucos que un guionista inteligente (en este caso eran dos) debería haber asimilado durante la década de los ochenta.

Ahora que la DC ha reeditado la colección (sólo son diez números, leñe) en un tomo es una buena ocasión para que Planeta recupere una de esas series tan extrañas como atinadas que algunos autores tuvieron la perspicacia de inventar a finales del siglo pasado, cuando la producción de buenos tebeos de super-héroes no estaba de moda, sino más bien al contrario.

NOTA: aunque este cómic no se ha editado nunca en nuestro país, lo meto como Reediciones Necesarias, porque como dijo Rafa Marín, la mayoría de nuestros editores sólo son reeditores.

A FEAST OF SNAKES FIRST SINGLE

Brutal grupo que practica un garaje quemado muy nutritivo. La canción que abre su segundo single, Ghost of you, es una de mis favoritas desde la primera vez que entró por mis orejas.

Echa un vistazo a uno de mis viejos artículos sobre Feast of Snakes.

Entrevista con el gran Alex Cuervo, guitarrista de la banda.

En grunnenrocks puedes ver su discografía.

Por cierto, agradecería que alguien me hiciese llegar la canción que incluyeron en la B.S.O. de la película "Broad Daylight".

Mañana, las demos de A Feast of Snakes.

A FEAST OF SNAKES - FIRST SINGLE
(Dropkick Records, 2001)

1-Bow Legged Woman
2-In My Grip (Samhain version)
3-Hello Dummy!
4-The Scent Of Lonliness

AQUI.

REEDICIONES NECESARIAS (3): CABLE DE CASEY Y LADRONN

Cable: un héroe renovado (rescatado y readaptado de mi antiguo fanzine Fuck You, We are the Best!, nºs 1 -especial cómic- y 5, Dic. 1998-Sept. 2001)

Después de una etapa de triste recuerdo de la que sólo se salva la miniserie Cable: Sangre y Metal (y por el dibujo de John Romita Jr., siempre agradable al ojo), Cable llega a un período (en su número 25 de ediciones Forum) en el que tras despojar a una colección que funcionaba como mero fill-in de la Patrulla-X de todos sus pesados lastres se consigue un cómic innovador que nos lleva a revisitar en la memoria aquellas pequeñas maravillas con las que Marvel nos regalaba a mediados de los 70 y principios de los 80. Sí, un tebeo innovador aunque parezca que el dibujante (un excelente Ladronn) se haya aprendido el método Kirby como si fuera una teoría filosófica. Los guiones son incluso mejor que el dibujo: la nueva etapa de la colección contó con un acertado James Robinson en sus números iniciales, dando paso a un excelente Joe Casey (*).

Joe Casey se vale del rico universo en el que se circunscribe Cable para emocionarnos sin situaciones absurdas o forzadas, destacando sobre un ajado Claremont (**) y superando a nuevos valores como Seagle, el pesado de Waid o un Kurt Busiek que se pierde en su propia nostalgia.
Todo empieza en el número 25 de Forum, perteneciente al mes Flashback (en el que se narraban diferentes anécdotas de cada personaje en su correspondiente pasado). Robinson y Ladronn sitúan la acción durante la llegada de Cable a la Tierra desde un futuro apocalíptico. Madelyne Pryor y Cíclope de la Patrulla-X enviaron a su hijo al futuro. Allí fue/ será criado por una extraña secta hasta convertirse en adulto y volverá a nuestro presente convertido en un hosco guerrero adulto.
Randy Green y Rob Haynes serán los desatinados dibujantes de los números 26, 27 y 28 correspondientes al mega-cruce Operación: Tolerancia Cero y que, sorprendentemente para lo que suelen significar estos eventos, se leen de forma muy agradable gracias al tratamiento de película de acción hollywoodiense que marca James Robinson.

En el número 29 tenemos al mismo guionista, siendo el primer núemero en la colección del asombroso Ladronn. El autor mejicano realiza uno de los más redondos trabajos que se pueden haber visto hasta la fecha donde se nos narrarán los problemas de una periodista que investiga la vida privada de Sebastián Shaw, líder de la corrupta asociación Club del Fuego Infernal.
Se inicia así una epopeya en la que Cable y la periodista Merryweather, que asociada con el héroe intentará ayudarlo mientras recoge todos los datos posibles de su trayectoria, intentarán detener al Fuego Infernal antes de que estos resuciten al Heraldo del Apocalipsis, villano de la función. La historia se prolongará durante los apoteósicos números 30 y 31, mientras que los números 32 al 34 serán donde se produzca el cambio de guionista, con un Casey que finaliza estupendamente la trama. Es obligado hacer referencia al número 33, dibujado por el español Germán García de forma contundente.
El número 35 es una excelente aventura en la Wakanda de Pantera Negra y que supura espíritu pulp por todas las viñetas.

En el 36 se nos contará otra de esas anécdotas al estilo Marvel, pequeñas pero grandiosas, donde Cable conoce a una camarera de un bar de la Cocina del Infierno.

Dibujados por Ryan Benjamin, los números 37 y 38 pecan de ser transitorios hasta la siguiente gran saga, El Contrato Némesis, que abarca desde el prólogo del número 39 hasta el 43 y en el que Cable se enfrenta a Shield y a uno de sus típicos cazadores de hombres llamado Jack Truman (que se convertirá en el nuevo Deathlock -***). La saga es imprescindible, con contínuas referencias a los cómics que la Marvel publicó a lo largo de su historia, haciéndose eco de los hallazgos conseguidos por Steranko, Frank Miller y el resto de genios de la editorial.
Después de una saga tan agotadora a nivel creativo, el número 44, dibujado por el excesivo Stephen Platt, parece estar metido con calzador, pues proviene de un cruce con la Patrulla X llamado "Hermanos de Sangre". Sin embargo el número 45 es un repaso a la caudalosa biografía del protagonista. Casey preparaba una saga (truncada) en la que iba a resolver el misterio de los Doce, un argumento que se originaría en las colecciones mutantes "mayores" y al que Alan Davis pondría fin años después. 

En los números 46 a 50 (68 USA) prosiguen los acontecimientos denominados como "la Saga de los Doce", con el Heraldo de Apocalipsis de némesis principal, pero Forum decide cortar la colección por lo sano a tan sólo dos números del desenlace. Mientras tanto se publicará el intrascendente anual compartido con Lobezo "Agallas y Gloria", donde nos encontramos de nuevo con Stephan Platt al dibujo.

Los últimos dos números se publicarán en Universo-X, una grapa gorda donde se aglutinan colecciones con bajas ventas (Mutante X, Masacre y Cable). La saga tiene un desenlace cerrado aunque un poco apresurado (se atarán todas las tramas y nos encontramos en las últimas viñetas con un final feliz con el que podrían haber echado perfectamente el cierre a la colección). Marvel tomó la decisión de que el horrible Rob Liefeld dibujase las siguientes entregas así que Joe Casey, solidarizado con su amigo Ladronn, también abandonó la colección. Para el recuerdo quedará una etapa de la que sólo disponemos de la edición de Forum y que debería ser rescatada en la nueva línea de Panini, Marvel Gold.

* Nadie sabe muy bien qué le pasó al prometedor autor visto sus innanes números posteriores de X-Men.
** Aunque aún no había regresado a Marvel, su trabajo en la Distinguida Competencia dejaba mucho que desear.
*** Originó una colección de corta vida inscrita en la nueva Marvel-Tech, guionizada por Joe Casey y dibujada por Leonardo Manco.

ANSIEDAD

DESDE QUE HE DEJADO DE FUMAR, HE ENGORDADO 5 KILOS.

BAD MUTHAS: N.W.A. AND THE POSSE

"En 1987 Nueva York aún dominaba completamente el hip-hop cuando Macola Records (una empresa que distribuyó a numerosas compañías de rap de L.A. durante los ochenta, incluyendo a Ruthless Records de Eazy E) empezó a distribuir el innovador primer álbum de N.W.A. (Niggaz With Attitude) titulado "N.W.A. and the Posse". Ice-T fue uno de los pocos cantantes de rap de la Costa Oeste que disfrutó de fama a nivel nacional, y eso que el gangsta-rap aún estaba lejos de ser el fenómeno en que se convertiría años más tarde. Algunas de las canciones -incluyendo la brutalmente honesta "Dopeman"- serían reeditadas en "Straight Outta Compton", mientras que "Boyz-n-the Hood" compuesta por Eazy-E y primer single del disco se incluiría en su álbum en solitario de 1988 Eazy-Duz-It. El álbum entero sería reeditado por Priority en 1989. Este CD contiene desde los primerizos y seminales ejemplos de gangsta-rap hasta canciones que son pura diversión sin apologías -como la extravagante y extrañamente cómica "Fat Girl" y la que asocia a N.W.A con Fila Fresh Crew's "Drink It Up", una oda infecciosa al alcoholismo que emplea la melodía de "Twist and Shout" de los Isley Brothers. Uno de los miembros de la pandilla fue D.O.C., a quién Doctor Dre y Eazy-e llevaron a lo más alto de las ventas en 1989. Aunque no se pueda poner a la altura de "Straight Outta Compton, este CD mantiene su frescura y es igual de importante históricamente."

Alex Henderson (arramplado de Allmusicguide y adaptado por su seguro servidor, Frog2000).

MAS SOBRE EL DISCO AQUI.

LA BIOGRAFIA DEL GRUPO, RESUMIDA.

ESTUDIANDO A ALAN MOORE (2)

"Lo que me sorprendió fue descubrir que la década de 1880 era como el siglo veinte en miniatura, entonces pensé que quizá los asesinatos de Jack el Destripador fueron el cenit de la década de 1880. Así que de aquí es de donde saqué la idea de From Hell, donde en realiadad tenemos a William Gull en su último asesinato actuando más o menos como una comadrona en el nacimiento sngriento del siglo XX. Intentaba hacer ver a la gente como están conectadas las cosas, hacer ver las formas que existen en la Historia, las cosas que unen los eventos, a veces son coincidencias, a veces son una especie de retazos llenos de significado. Pero creía que si la gente pudiera ver las cosas desde esa determinada persepectiva tendrían una experiencia más enriquecedora de la vida."

(Alan Moore entrevistado por Omar Martini en Retrato de un caballero extraordinario)


MAS OBRAS EN LAS QUE SE ECHA UN VISTAZO MINUCIOSO A LOS MUNDOS CREADOS POR EL AUTOR DE NORTHAMPTON:


YELLOW KID Nº 5, DOSSIER ALAN MOORE
(RODOLFO MARTINEZ, XAVIER RIESCO RIQUELME, EDICIONES GIGAMESH, 2003)


KRAZY COMICS Nº 20, ARTICULOS
(VARIOS AUTORES, EDITORIAL COMPLOT, 1991)


ALAN MOORE (MAGIA Y PRECISION), MONOGRAFIA
(FRANCISCO NARANJO, EDICIONES SINSENTIDO, 2004)


RETRATO DE UN CABALLERO EXTRAORDINARIO, LIBRO
(VARIOS AUTORES, RECERCA EDITORIAL, 2004)


U EL HIJO DE URICH Nº 18, ESPECIAL ALAN MOORE
(VARIOS AUTORES, LA FACTORIA DE IDEAS, 1990)