THE NATION OF ULYSSES - THE EMBASSY TAPES

 

The Nation Of Ulysses - The Embassy Tapes
(Dischord Records, 2000)

1-Introduction
2-Uptight
3-R.O.T.T.E.N.
4-A.P.E. Embassy
5-Hex-Proof
6-Outline For Hangout
7-Gimme Disaster
8-Shakedown (Party)
9-Last Train To Cool
10-P-Power Pt. II

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ZENO CLASH ORIGINAL SOUNDTRACK, BY PATRICIO MENESES

ZENO CLASH ORIGINAL SOUNDTRACK, BY PATRICIO MENESES
(Patricio Meneses, 2009)

1-Main Theme 
2-The Dream 
3-Escape from Halstedom
4-Forest of Freedom 
5-Forest of Insanity 
6-Land of Zenozoik 
7-The Bounty Hunter 
8-Halstedom 
9-The Bar 
10-Confrontation 
11-Endworld 
12-The Throne-The Awakening
13-Danger In the Mist 
14-Dark Corridors 
15-Family Reunion 
16-Gate of Defiance 
17-Father-Mother's Wrath
18-Finale

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LOS 12 MEJORES JUEGOS DE PC A LOS QUE HE JUGADO ESTE AÑO 2012

I´M ALIVE
(Darkworks, Ubisoft Shangai, 2012)
Web oficial

THE BACONING
(Hothead Games, 2011)
Web oficial 
 

BOTANICULA
(Amanita Design, 2012)
Web oficial

CAPSIZED
(Alientrap Games, 2011)
Web oficial

DEADLIGHT
(Tequila Works, 2012)
Web oficial

EVIL GENIUS 
(Elixir Studios, 2004)
Community Fan Web

LIMBO
(PlayDead Studios, 2010)
Web oficial

THE SECRET OF MONKEY ISLAND (SPECIAL EDITION)
(LucasArts, 2009)
Web oficial

ORCS MUST DIE! 2
(robot entertainment, 2012)
Web oficial 

STACKING
(Double Fine Productions, 2011)
Web oficial

VESSEL
(Strange Loop Games, 2012)
Web oficial

ZENO CLASH
(ACE Team, 2009)
Web oficial

RUTA 66, NUMERO CINCUENTA Y CUATRO

RUTA 66, NUMERO CINCUENTA Y CUATRO (Septiembre, 1990)
BAJAR AQUI.

"The Breeders" es un compuesto formado por una Pixie (Kim Deal), una Throwing Muse (Tanya Donelly) y la ya ex-Perfect Disaster Jo Wiggs. También hay un batería, Shannon Doughton, pero se limita a sus labores de percusión sin mayores pretensiones de glamour. El sonido global tiene bastantes puntos de contacto con el de Pixies: voz suplicante, guitarrazos inesperados, temas construidos sobre esqueletos de serpenteante tiempo medio. "Hellbound" o "Glorious" podrían ser parte del repertorio de los autores de "Surfer Rosa". Pero la auténtica gracia del asunto reside en la compacta unión de unas instrumentistas predispuestas a un rock escurridizo. Steve Albini llama al desorden desde los controles, aunque en esta ocasión está mucho más recatado que de costumbre. Y las canciones actúan como conductores de una música apasionada, un crisol de relajadas melodías en el que tienen cabida los esquemas más reconocibles ("Fortunately Gone") y hasta una composición de Lennon / Mc Cartney ("Happiness is a warm gun"). Por otro lado, los violines se ocupan de las piezas más suaves, haciendo de "Pod" un apetecible experimento que hace pensar irremediablemente en terrenos que los Pixies posiblemente no volverán a pisar." 

Reseña del primer disco de Breeders por Pere Sandoval para Ruta 66 nº 54.

Nota: es necesario tener instalado el Chrome para poder descargar el archivo.

EMBRYO NUMERO TRES

¡Ya tenemos un nuevo Embryo en casa por Navidad! Bueno, por Navidad no, que se lanzó hace poco menos de un mes. En esta ocasión el ´zine está dedicado al Terror en la obra de Alan Moore. Entre la portada (dibujada por Maese ABL) y el portafolio del final (con la aportación de Eduardo Cassaró y Santiago Cárdenas) hay un montón de suculencias. El tercer número del trimestral se abre con una declaración de intenciones de uno de los autores de la revista, Miguel Angel Villalobos. Además, Maese ABL vertebra una necesaria reseña acerca de la subestimada "Un Pequeño Asesinato", nos ofrece la tercera parte de "Hechizo En Northampton" (o un paseo por la tierra que vio nacer a Alan Moore), y traduce más capítulos de “Roscoe Moscow", que se pueden leer por primera vez en castellano. Y por si fuera poco, deleita al lector con la traducción de una desveladora entrevista con el autor inglés, centrada en el Neonomicon, una de sus últimas obras.

También tenemos un “cacho” informe sobre “El Horror En El Cómic De Alan Moore” de varias páginas, escrito por uno de los artífices de Tebeosfera, Antonio Pineda Cachero. Y otro que no se queda atrás es Pablo de Blas Andrada con su crónica sobre From Hell (o el asesinato en el Cómic como una de las Bellas Artes).

Un número de cien páginas indispensable en todos los sentidos que se hace muy corto, por lo que… ¡ánimo y a por el siguiente!

ENTREVISTA CON GILBERT Y JAIME HERNANDEZ EN EL 30º ANIVERSARIO DE LOVE AND ROCKETS (1 DE 4)

Entrevista publicada originalmente en la web de The Comics Journal. Realizada por Tim Hodler, Dan Nadel y Frank Santoro, 13 de diciembre de 2012. Traducción de Frog2000. Transcripción original de Kristen Bisson, Janice Lee y Anna Pederson.

Este 2012 ha sido otro año victorioso para Gilbert y Jaime Hernández. Los hermanos han celebrado el 30º aniversario de Love and Rockets viajando de costa a costa para hacer un montón de sesiones de firmas, y además han continuado creando cómics que se encuentran entre lo mejor que han hecho nunca, incluyendo el “Love and Rockets: New Stories” nº 5, donde han participado ambos, “Fatima: The Blood Spinners” y "Venus", de Beto, y “El Retorno de las Ti-Girls”, de Jaime. Una mañana de septiembre, Gilbert y Jaime se sentaron con nosotros en el Carroll Garden de Dan, un grill bar de Brooklyn, para charlar sobre su nuevo trabajo, además de ofrecer algunas pistas sobre su viejo material y los procedimientos artísticos que suelen utilizar.

DAN NADEL: Me gustaría empezar centrándome en el tomo de las “Ti-Girls”. Para empezar, el nombre de Ti-Girls se parece mucho a la palabra “Tigers” [Tigres].

JAIME: Así es.

NADEL: Bueno, ¿cómo es que te ha llevado tanto tiempo finalizar toda esa historia protagonizada por superheroínas?

JAIME: Hasta ahora nunca había hecho una historia de superhéroes propiamente dicha. En mis historias solían aparecer en segundo plano. Hace un tiempo Gilbert me comentó: "Me gustaría hacer un cómic de superhéroes a color en plan “spin off”." Y siguió diciendo: "No tendría mucho sentido, se parecería a las series de los cuarenta, sin muchas explicaciones, sólo super-heroicidades." Y me dije, “hey, me parece que estaría genial.”

Así que empecé a pensar que a mí también me gustaría hacer algo parecido. Teníamos planeado empezar las dos historias al mismo tiempo, pero la mía iba a ser más larga, y la iba a editar alguna otra editorial, Dark Horse o alguna parecida. Cuando estuviese terminada la obra se la presentaría completa, lista para publicar. Pero entonces cambiamos de nuevo el formato de “Love and Rockets” y cada número creció hasta las cien páginas, y yo no tenía lista ninguna historia para ese primer nuevo número, así que me dije: "no pasa nada, siempre puedo dibujar esa historia protagonizada por las súpers para la revista."

Al principio era una historia para pasar el rato y divertirme, pero se convirtió en algo más ambicioso. Hace poco leí una crítica donde aseguraban que la historia no tenía alma.

NADEL: ¿En serio? Cuando la terminé de leer me pareció increíblemente conmovedora. Me pareció muy emocionante. Hasta cierto punto parece una historia que trata sobre la maternidad. Un tema por el que obviamente te has interesado otras veces, aunque nunca de una forma tan explícita. Sin embargo, parece que esta vez tratas el tema como si fuese un don de doble filo, me parece que también intentas hablar sobre el pánico que puede provocarle a cualquiera intentar formar una familia. Además, hace poco Gilbert también ha dibujado un montón de cosas que tienen mucho que ver con las relaciones entre madres e hijas, creo que ambos lleváis tratando esa temática desde hace bastante tiempo. Pero aún así, parece que ahora os estáis centrando más que nunca en el tema.

GILBERT: Bueno, hasta cierto punto tiene que ver con que he terminado por eliminar a todos los hombres de mis historias, lo digo en serio. En muchas de las historias de mis comienzos intentaba que apareciesen hombres y mujeres de forma equilibrada, pero entonces empecé a quitarlos de en medio hasta que desaparecieron por completo, porque me gusta más dibujar a las encantadoras damas que protagonizan mis historias.

HODLER: ¿Fue ese el único motivo? ¿Querías dibujar a esos personajes en concreto?

GILBERT: Cuando estás haciendo una historia hay un montón de cosas que quieres hacer, pero yo solía empezar con eso en mente. Quería dibujar a las chicas, así que la historia empezaba arrancando desde ese punto. De esa forma las historias se convertían en algo "serio". Al principio siempre aparecían más hombres en mis historias, pero como tenía que dibujar una determinada cantidad de páginas, constantemente estaba recortando cosas. Ahora todo me resulta mucho más fácil, porque los dos tenemos más páginas en este volumen de “Love and Rockets”, cerca de las cincuenta, aunque me parece que si fuesen más, me resultaría bastante pesado intentar rellenarlas todas. Ahora mismo estoy con el nuevo número de Love and Rockets, que todavía no ha salido, donde básicamente he empezado a tratar de nuevo el tema generacional de madres e hijas. Sé que literalmente hay un par de páginas que no voy a poder incluir en esta historia, porque he rellenado todo el espacio y ya no me queda más.

HODLER: ¿Te acuerdas de si aquel crítico argumentaba por qué le parecía que “Ti-Girls” no tenía alma?

JAIME: No. A él le gustaba mucho la historia, pero el único problema que veía era que no tenía alma. Me habría gustado que se hubiese leído otra vez la historia, porque daba la impresión de que quería que se pareciese más a un cómic de la Marvel, o de...

HODLER: Claro, de esa forma es más conmovedor. [Risas.]

GILBERT: Las críticas actuales centradas en nuestro trabajo aseguran que nos hemos alejado mucho de lo que hacíamos al principio, de aquello en lo que nos centrábamos en nuestros comienzos, la plenitud del alma y los dramas familiares profundos, todo eso, y sé que en la actualidad muchos de nuestros antiguos críticos ya ni siquiera siguen nuestro trabajo. Sencillamente, me parece que se han quedado atrapados en nuestro material más antiguo, como si todo lo demás que estuviésemos haciendo fuese de menor calidad. Es como si quisieran ordenarnos: "intentad no hacer obras menores." No estoy de acuerdo con ese punto de vista, porque en realidad puedo hacer lo que me apetezca.

“Love and Rockets” es como una tienda de cómics con la que hemos ido creciendo, bueno, la verdad es que entonces no había tiendas de cómics, había quioscos. Pero en el quiosco había una estantería con cómics donde se podían encontrar Blackhawk, Archie, My Love, y el resto de comic books. En esa época nadie pensaba: “existen cómics de verdad y otros que son falsos”, no, todos eran comic books. Así que nosotros metimos todo lo que nos gustaba en el mismo saco. Jaime ha hecho una historia épica de súperhéroes porque así es como siempre han sido los cómics. Puede que algunas veces yo me ponga a hacer una historia romántica, una “soap-opera”, porque esos géneros también forman parte del comic book. Igual no hago nunca una del Oeste, porque no me interesa mucho. Lo mismo me ocurre con los cómics bélicos, no solemos tocar esos géneros porque no nos interesan demasiado. Puede que me los lea, pero no me parecen demasiado interesantes, a excepción de las historias de Harvey Kurtzman.

Pero retomando el tema… sí, puede que esa falta de alma que comentaba el crítico bien pudiera ser porque se pensara: "Bueno, esto no parece una historia seria de superhéroes, no habéis hecho “El Regreso del Señor de la Noche”... en realidad habéis hecho los, eh... “Cinco Inferiores”. ¿Por qué pensará el crítico de esa forma?

NADEL: Es gracioso, porque en mi caso pensaba que la historia era muy seria. Es divertida, pero al mismo tiempo muy triste, y de verdad, de verdad, parece un cómic muy emocionante. Parece como si en muchos sentidos te ocupases de algunos temas que nunca habías revisado antes en tus historias, en especial las relaciones entre madres e hijas. Parece como si fuese la mejor versión de un superhéroe que se podría hacer alguna vez; daba la sensación de que son como super-héroínas al estilo de la ACG. Richard Hughes fue un magnífico guionista que le imprimía un buen ritmo a sus historias, me recuerda mucho a tu forma de narrar en “Ti-Girls”.

JAIME: Sí, en ese momento yo también sentía como si los fans de los superhéroes actuales estuviesen buscando superhéroes que mereciese la pena leer. Aunque sigan teniendo presente todo ese mito del superhéroe y el resto de cosas del género... pero me parece que... supongo que ese es el motivo por el que los críticos creen que mi historia no tiene alma, porque no intento utilizar el mito del superhéroe, no me importa mucho, sobre todo porque no sé sobre qué diablos podría tratar ese mito... [Risas.]

NADEL: ¿Cómo se convirtió “Dios y Ciencia” en algo más que una sencilla broma?  Hay partes del tebeo bastante densas...

JAIME: Porque no sé cómo simplificar las cosas. Al principio solo estaba jugando un poco. Pero cuanto más me sumergía en el guión, más empezaba a pensar sobre quiénes podrían ser estos personajes. Además, tenía que hacer algo con toda la trama de la madre: en parte también la metí para poder divertirme y en parte la historia era mi versión sobre qué es lo que pasaría si apareciesen superhéroes en nuestro mundo. La chica tenía poderes, y su mamá "charlaba" con ella sobre la responsabilidad que suponía tenerlos y todo eso. Así que es como si la historia fuese saltando atrás y adelante en el tiempo, tampoco es que me la tomase demasiado en serio, pero al mismo tiempo esos personajes son algo muy serio para mí, así que tenía que tratarlos con respeto, como si fuesen seres humanos, en lugar de preocuparme por saber quién es el siguiente secundario al que van a golpear. Aún así, mientras estás leyendo te das cuenta de que la obra es muy divertida, pero bueno, ya sabes...

GILBERT: Te preguntaré algo que, bueno, si quieres puedes pegarme un tiro en la cabeza, pero... en el tomo hace aparición Spectra, la Diosa Anciana del futuro, ¿es en realidad Xochitl o es un personaje nuevo?

JAIME: Creo que es… es una larga historia. [Risas.] Tenemos que volver al punto en el que había empezado a idear la historia. Me dije: “Oh, dios mío, estoy volviendo a crear personajes que se parecen a otros personajes que había hecho anteriormente.” Y así es como se me ocurrió retorcer un poco más las cosas: “Hey, ¿por qué no hago que sea algún viejo personaje que proviene de una dimensión diferente?" “Si Rocky es “The Weeper”, podría usar a Mini Rivero como la “Golden Girl”, y entonces también podría hacer que ese otro se pareciese un poco a Xochitl.” Pero te aseguro que no es ella. Quiero decir, si te fijas en Xochitl puedes encontrar algunas similitudes entre las dos, pero en realidad no son el mismo personaje. Así que me dije: “Después de todo, ¿por qué voy a hacerlo de esa forma?” Por eso empecé a bromear un poco en la escena en la que ella y Maggie se conocen. Maggie la dice: "tengo una prima que se parece un poco a ti". [Risas.] Así que sólo hice que se pareciesen un poco, pero es distinta, proviene de otra dimensión. Creo que todo ese asunto de las dimensiones alternativas también es bastante raro. Había más de lo que se podía ver, es como si en esa dimensión nosotros también fuésemos las mismas personas realizando diferentes funciones. [Risas.] En realidad me estaba intentando cubrir el culo.

GILBERT: De acuerdo, es que me lo he estado preguntando, porque tu dibujo actual tiene un estilo característico, y quería saber por qué los dos personajes se parecían tanto...

JAIME: Sí, es que me gusta esa estúpida cara con cabeza de calabaza. [Risas.] Me gusta mucho dibujarla.

GILBERT: Y es curioso, porque yo hago las cosas completamente al revés. A mí me gusta dibujar más a “Killer” que a otros personajes menos atractivos.

HODLER: Me acuerdo lo que contabas en tu intervención en la SPX, cuando creaste a la hermana de Fritz. Sencillamente, habías empezado a dibujar la cara de Fritz y te salió mal, y entonces...

GILBERT: Oh, ¿te refieres al primer número de Birdland?

HODLER: Claro.

GILBERT: Bien, se suponía que Fritz iba a aparecer en la portada de Birdland, pero el personaje que acabé dibujando no se parecía mucho a ella, y entonces me dí cuenta de que tenía que corregirlo todo. Su cabello era demasiado liso, y me dije, "hey, voy a hacer que sea su hermana. Es una historia pornográfica, así que será mejor meter más mujeres en la trama." Eso fue todo. Por alguna razón, en los muy felices viejos tiempos de las películas porno que veía con mis amigos en el “drive-in”, las tramas solían estar protagonizadas por una chica que se lo montaba con un montón de tipos en lugar de por un tío que se acostaba con un montón de chicas. Pero, ¿a quién le gusta lo que se hacía en los comienzos? [Risas.] ¿A quién le puede poner eso? Excepto por las películas de Russ Meyer. Ese sí que sabía muy bien lo que se hacía.

Bueno, de todos modos eso fue lo que ocurrió. A veces me burlaba de todo el asunto, pero las cosas se te suelen ocurrir de chiripa. Era un dibujo que empecé a elaborar a partir de un boceto. Dan Clowes también suele hacerlo todo el tiempo, simplemente se pone a dibujar a alguien y... me contó que al principio Wilson sólo era un dibujo, y luego dibujó un tomo entero a partir del boceto.

HODLER: ¿Sueles crear a los personajes de esa forma? ¿Suelen surgir como si fuesen una especie de accidente?

JAIME: ¡A veces sí! Son accidentes felices… cuando funcionan. Algunos no lo suelen hacer, pero los que funcionan se convierten en algo perfecto… son cosas que hasta ese momento no conocías.

HODLER: ¿Pensáis en todos los antecedentes de los personajes antes de empezar las historias o sencillamente lo hacéis a medida que avanzáis con el argumento?

JAIME: Diría que a veces lo solemos planear todo de antemano, ¿no es cierto?

GILBERT: Sí, aunque tampoco demasiado, lo suficiente como para ponernos en marcha y construir una historia a su alrededor, aunque muchas veces guionizamos las cosas en el momento. Me llevó 25 años averiguar quién era Fritz, ese es el motivo por el que siempre aparece en mis historias, porque finalmente he podido darme cuenta de quién es.

JAIME: En el caso de Tonta, acabo de empezar hace muy poco con el personaje. Ya sabes, ¡allá vamos! De acuerdo, es una joven con cara de boba, y también es la hermana de Vivian “Frogmouth”. Bueno, veamos qué sale de todo esto mientras sigo avanzando. Puede que termine siendo un error. Ya sabes, puede que sólo aparezca un par de veces, pero quiero que tenga una historia extensa detrás, incluso me gustaría que se convirtiese en uno de los personajes principales que aparece más que el resto de secundarios, pero...

HODLER: Acabo de leerme el último número. Me gusta mucho que cuando presentas tus nuevos personajes, parezca como si llevasen mucho tiempo con nosotros. Los lectores empezamos a pensar: ¿es que me he perdido las doce historias anteriores de Tonta? [Risas.] Es uno de esos efectos interesantes que consigues transmitir con tus historias.

JAIME: A veces empiezo las cosas justo a la mitad, por lo que la gente siente que de algún modo conoce al personaje o que por lo menos le gustaría hacerlo. Otras veces hay algún personaje caminando en segundo plano y ese es el comienzo de la historia. También suelo revistar lo que sabemos de los protagonistas. Tonta, al principio yo no te quería mucho. [Se ríe.] Lo único que quería era que el lector viese esa grande y boba cara de inmediato y ¡BAM! ¿Quién es esta chica? Y luego, a partir de ese punto quiero que intente conocerla mejor.

NADEL: Cuando habláis sobre el acto de escribir a los personajes, ¿a qué os estáis refiriendo en concreto? ¿Soléis escribir en el guión cómo es su personalidad?

JAIME: No, no es un guión en el sentido de que cuando empezamos a dibujar una cara, tenemos apuntado literalmente cómo es. Es más en plan: esto... es de esta forma. Sí, para nosotros eso es guionizar. Ya sabes, tan sólo dibujamos la figura, que puede que esté demasiado pulida o sin pulir, que sea delgada, lo que sea, demasiado delgada como para... Lo que tenemos en cuenta es si el personaje ha aparecido más flaco en ocasiones anteriores... ese tipo de cosas. Empezamos a escribir y a partir de ese punto vamos construyendo el resto.

HODLER: Igual me equivoco, pero me parece que en una entrevista decías que al escribir tus historias tenías todo pensado: su comienzo, el final y el nudo.

GILBERT: En cada ocasión hago las cosas de forma diferente. Es probable que esa sea mi forma de trabajar más habitual. Puede que a veces alguien llegue a la última página y la dibuje de una forma descuidada, porque ya está bastante cansado. Para que no me ocurra lo mismo, yo la dibujo justo nada más empezar a hacer la historia, de esa forma conozco el final, que es algo bastante raro, pero si sé cómo va a ser, puede que dibuje la última página justo al principio. Un poco como lo que hice en “Marble Season” [Tiempo de Cánicas, La Cúpula], mi tomo para Drawn and Quarterly, en el que hice la última página cuando iba por la mitad del libro, porque no quería llegar a esa última página con una sensación en plan: "estoy muy cansado, ¡no quiero dibujar más!" [Risas.] Es una lección que aprendí al fijarme en una de las primeras historias del Conan de Barry Smith, la de “Clavos Rojos”. ¿Era al final del primer capítulo, o de todo el...? En esa página te dabas cuenta de que había algo extraño: “Ey, Barry Smith, probablemente la habrás dibujado a las cuatro de la mañana”, porque la verdad es que no le hacía demasiada justicia.

JAIME: A mí me parece que todo ese segundo número era…

GILBERT: Creo que era la última página del primer capítulo, porque la primera parte realmente era muy intensa y a Conan le perseguía un dinosaurio mientras acarreaba a Valeria, y entonces, al final llegabas a la última página del capítulo, y parecía como si Smith le hubiese pasado el dibujo a Vinnie Colletta para que lo acabase.

NADEL: Oh, ¿lo acabó Colletta?

GILBERT: No, sólo lo parece. O Pablo Marcos.

NADEL: Ah. [Risas.]

GILBERT: Qué puedo decir. Parecía como si Barry Smith se hubiese quedado frito a las cuatro de la mañana, y que al día siguiente tuviese que llevar el material a la oficina sin tenerlo completamente acabado. Como yo no quiero que me pase lo mismo, el truco es hacer la página final antes de llegar. Claro. De esa forma, la página que has hecho más descuidadamente puede aparecer a mitad de la historia en lugar de al final, por lo que no se notará demasiado. Cuando aparece al final se nota mucho más.

Esa técnica la aprendí gracias a los chicos del “mainstream". Creo que hay un buen número de artistas independientes que no la conocen. Por eso no son capaces de hacer historias o relatos, o de estructurarlos bien. De todos modos deberían aprender un poco del “mainstream”, de sus mecanismos y giros. Como Dan Clowes me dijo una vez, "si ves los suficientes episodios de Mannix y de “The Twilight Zone”, podrás aprender cómo se estructura una historia." Esos chicos no saben hacerlo. Ya sabes, no saben cómo diseñar la estructura de la historia. Me refiero a que puede que tengan talento, pero solo con eso no consigues hacer una historia. Creo que es lo que hace que nuestros cómics le resulten bastante incómodos a la escena “indie”, porque en realidad son historias con estructura. Quizá no escribamos antes un argumento, pero creo que son historias con principio y con final.

NADEL: Sí, aunque ya no sé cuál es esa escena “indie” de la que hablas.

GILBERT: Es que no recuerdo ningún autor… pero cuando me leo la mitad de las cosas que nos pillamos en las Convenciones, me doy cuenta de que los dibujantes se han esforzado mucho, pero que no saben cómo estructurar una historia o cómo potenciar su dibujo utilizando el argumento.

NADEL: Entonces, ¿crees que la escena actual se diferencia mucho de la que había hace 15 o 20 años?

GILBERT: Todavía quedan algunos de esa época, porque los que son capaces de contar una historia siguen adelante, y los que no, pues ya no están. Dan Clowes, Chris Ware, Adrian [Tomine]... todos los narradores siguen en activo, pero el resto ya no está.

JAIME: Una de las diferencias que encuentro entre los artistas “indies” de cómic actuales y nosotros es que no les importa demasiado la antigua forma de hacer las cosas: primero hacías el cómic y cuando lo habías terminado te ponías con el siguiente, y luego con el siguiente. Sólo tienes que escucharlos hablar y empiezan a decir cosas como: "Sí, voy a hacer algunos cómics durante este verano". [Risas.] Y mientras tanto están haciendo ilustraciones o alguna otra cosa en otro sitio, pero no parece que se preocupen demasiado de que todo forme parte de una obra conjunta. No digo que sea necesariamente malo, pero cuando hago cómics me resulta difícil hacer otras cosas. Ellos cogen y dicen: “sí, he hecho algunos cómics para la Convención de este año," o "igual no voy al Salón porque no tengo ningún cómic terminado que enseñar." Y a veces dicen: "Bueno, igual ya no vuelvo a hacer más cómics." Yo hago las cosas de otra forma. En mi caso he crecido leyendo y haciendo cómics, ya sabes, tengo que seguir haciéndolos.

HODLER: Bueno, ahora también se enfatiza mucho todo el asunto de la novela gráfica, así que muchas veces el dibujante está trabajando en la misma obra durante años antes de terminarla, por lo que no tiene nada que enseñar hasta que está acabada.

JAIME: Claro, es cierto.

GILBERT: El problema es el “Síndrome de Kubrick”, que es cuando empiezas a hacer un proyecto que finalmente te lleva tanto tiempo que en el momento en que lo presentas al público se ha quedado obsoleto. Al parecer, Kubrick se quedó bastante chafado cuando se dio cuenta de que “El Resplandor” no aterrorizaba tanto como otras películas parecidas de la época, ¡porque tardó una enorme y jodida cantidad de tiempo en hacerla! [Risas.] Y entonces se estrenaron otras veinte películas que daban mucho más miedo. “Soy condenadamente lento, por lo que todo el mundo da más miedo que yo." Eso me han contado.

HODLER: Bueno, era un artista bastante inusual...

GILBERT: Oh, claro. ¿Era un soñador o en realidad era un flipado de la técnica? Como dijo uno de mis hermanos en una ocasión, en realidad era un pajero.

HODLER: La gente sigue asustándose cuando ve esa película.

GILBERT: Yo no. Yo no juzgo una película de terror porque me asuste o deje de hacerlo. Ya he madurado. Puede que me sorprenda como cualquier otra persona, ¿pero asustarme? Ni me dan miedo los efectos especiales ni la producción o su trabajo con la cámara. Me gusta si está bien contada, o por lo menos si me divierto al verla.

SANTORO: Bueno, al observar a la generación del tumblr me he podido dar cuenta de que les preocupa mucho más lo visual, porque lo que les gusta es insertar ilustraciones, una sola página de lo que sea sin historia, y luego alguien se lo agradece de inmediato, o alguien les hace un comentario sobre la imagen, y me parece que aunque puede que muchas de esas personas terminen haciendo cómics en algún momento, y que más tarde vas a poder verlos en alguna serie y todo eso, en realidad no están contando ninguna historia, porque...

NADEL: No son historietistas. Hacen algo bastante diferente.

SANTORO: No son historietistas. Son como una especie de creadores de imágenes, pero al final conseguirán entrar en los círculos del cómic gracias a las imágenes que son capaces de crear. Hay mucho material por el estilo. Otra cosa que me he dado cuenta que ocurre en la escena “indie”, o entre los autores más jóvenes, es que después del reinicio de Love and Rockets, y de las novelas gráficas de Beto, que funcionan de forma autónoma a la serie principal, ya sabes... antes a los chavales jóvenes les intimidaba un montón empezar a leer Love and Rockets, de eso me he dado cuenta hace poco. Pero cuando he tenido ocasión de hablar con autores más jóvenes a lo largo de todos estos años, me han comentado: "Al principio me resultaba difícil sumergirme en "Love and Rockets", pero como han aparecido otras novelas gráficas independientes actuales como las de Michael DeForge y Jonny Negron, ahora me dicen: "me gustan mucho las novelas gráficas de Beto, han sido el punto de partida para seguir con el resto de su material", así que me parece buena idea proporcionar nuevos puntos de entrada a vuestra saga. Creo que lo que hace Jaime en “Browntown” y en algunas de sus otras historias, y también lo que estáis dibujando en vuestro nuevo volumen de la serie, ofrece otro acceso diferente a los lectores para conocer vuestra serie. Me pregunto si queréis charlar un poco sobre las novelas gráficas independientes y si os parece que os están proporcionando nuevos lectores.

JAIME: Claro, me encanta que den con nosotros. [Risas.] Porque idear cómo empaquetar y vender este tipo de cosas es trabajo de Fantagraphics, aunque ahora que lo dices, suelo pensar, “Oh, de acuerdo, lo que quieras, todo eso está muy bien. Pero envíame un cheque.” [Risas.] Me refiero a que he visto reeditada la primera historia de Mechanics como unos ochenta millones de veces.

Y siempre creo que la gente va a tener la misma reacción, algo en plan: "Oh Dios mío, ¿otra vez? ¿En serio?" Pero nunca me dicen nada, así que estoy muy contento. [Se ríe.] Me alegro de que hayáis dado con nuestra serie, me parece genial que me esté teniendo en cuenta una generación frente a la que ya me había acostumbrado a pasar desapercibido, ¿sabes? Incluso aunque sea una tercera generación de artistas que dibujen un poco como yo y como Gilbert, que nos copie desconociendo cuáles son nuestras influencias.

SANTORO: Gilbert, ¿cómo te sentiste al observar algunas de las reacciones durante tu estancia en la SPX? Estuvo muy bien poder verte interactuando con algunos de los autores más jóvenes. ¿Cómo te sentías al respecto?

GILBERT: Oh, ¡me ha sentado muy bien! Es como si hubiese resurgido el interés por nuestra obra, y creo que ha sido gracias a esas novelas gráficas independientes de la serie troncal. Me encanta, porque son bastante fáciles de entender, sobre todo dos: "Los Timadores" y “Love from the Shadows”, porque son historias de terror y de crímenes, la puerta de entrada a lo que suelo hacer. Es lo que quiero hacer ahora. Por otro lado, no puedo esperar a que editen “Marble Season”, porque será diferente, algo propio, algo por lo que soy conocido. Es algo que estos chicos todavía no han descubierto y creo que les resultará una grata sorpresa. Espero que sigan buscando el resto de mis cosas. Así que claro, claro que me gusta hacer esas novelas gráficas independientes, creo que "Los Timadores" y “Love from the Shadows” se encuentran entre lo mejor que he hecho nunca. Supongo que “Hablando del Diablo” también puede estar en el mismo paquete, a pesar de que haya terminado siendo una obra más problemática, porque nada más aparecer, la crítica empezó a pasarme el cuchillo. Pero en mi defensa me gustaría decir que esas historias no se desarrollan en Palomar ni en el resto de localizaciones de Love and Rockets, no se parecían en nada. [Con voz retumbante] “Bueno, es que ya sólo haces cómics de terror.” Bueno, en realidad es mi versión de los cómics de terror. No tiene por qué gustarte. Algún fracasado con el cerebro hecho polvo escribió en The Comics Journal: "Bueno, parece como si en el Instituto no hubieses seguido las clases de gimnasia de la forma más apropiada". [Risas.] Qué pena que no tuviese a tiro la entrepierna de este [censurado] perdedor idiota.

JAIME: Oh, me acuerdo de aquella crítica.

SANTORO: Era bastante divertida. Ayer me habéis comentado que estáis intentando probar con cosas diferentes. A nosotros, los fans, nos gusta que nuestros artistas favoritos estén haciendo siempre lo mismo.

GILBERT: De acuerdo, algunas de las historias que he estado haciendo últimamente, las “slasher” y las de rollo delincuente, y una que estoy haciendo ahora con zombies, puede que en el caso de otros artistas parezcan de lo más normal, y los lectores también suelen aceptarlas. Como están hechas por un autor conocido por una serie específica, como ocurre con mis historias de Palomar, entonces entra en juego una crítica en la que se puede leer entre líneas: "no quiero que hagas esos cómics, quiero que hagas concretamente "ésto". No quiero que hagas ese tipo de cosas, me parece asqueroso que malgastes tu tiempo, deja de hacer lo que no quiero que hagas." [Risas.]

NADEL: “Hablando del Diablo” es una de esas cosas, lo mismo [risas] ocurre con “Love from the Shadows”…

GILBERT: Sin embargo, son dos de mis libros más cínicos, por lo tanto...

NADEL: Sí, pero también son muy puros. Se pueden tomar como la oportunidad de abordar otros géneros del cómic de forma muy, muy, muy profunda, algo que me parece fascinante. ¿Qué es lo que persigues, qué es lo que estás buscando al hacerlos? Otra de las cosas divertidas de esos tomos es que todos están interconectados entre sí. Bueno, o algo parecido, como ocurre con “Hablando del Diablo”, que es la versión en la “vida real” de “Los Timadores”.

GILBERT: Sí, o en realidad no. “Hablando del Diablo” es la versión en la “vida real” de una de las películas de Fritz, pero no tengo por qué hacer la versión “real” de la película. Ya he hecho la versión de la “vida real”. [Risas.]

NADEL: Parece confuso. ¿Todo eso de la película y la “vida real” se te ocurrió después de empezar o era algo que tenías planeado…?

GILBERT: Bueno, a excepción de “Pereza”, hasta ese momento no había hecho historias en forma de novela gráfica, y los únicos tomos que aparecían firmados con mi nombre eran recopilatorios, así que me dije que ya estaba listo para ponerme en marcha y empezar a hacer novelas gráficas. Tenía que empezar a hacerlas porque sabía que era capaz de hacerlas, era mi rollo, aunque todavía no había empezado a arrancar. Estaba ocupado con otras cosas, así que pensé: bueno, tengo que empezar estas novelas gráficas, y tengo que hacerlo de una vez, y lo mejor será intentar dirigirme hacia lo que quiero hacer en lugar de dibujar algo en plan, no sé, adaptaciones de uno de los pasajes de la Biblia. No, mi idea era otra: ¿qué es lo que me gustaría hacer? En ese momento no me importaba demasiado que se me tomase en serio.

JAIME: A mí también me pasó algo parecido.

GILBERT: Sí, tenía buenas críticas porque era alguien que hacía buenos tebeos, pero me gustaba mucho la idea de convertir a Fritz en actriz de Serie B, así que empecé a desarrollar algunas historias alrededor de esa idea y me dije: bueno, las incluiré en Love and Rockets como historias cortas, pero luego empezaron a tener vida propia. “Va a ser una historia de crimen muy molona. ¡Nunca se había hecho algo parecido!" Pero tengo que hacerlo como una novela gráfica, de esa forma el tomo tendrá una doble función. Me dije: "A la mierda, juntaré todas las historias cortas en una sola trama." Entonces empecé a pensar que en realidad la historia trataba sobre la versión en tomo de las películas de intriga y crimen habituales. Además sabía que me iba a suponer todo un salto. O hago esto o me muero. Tenía que ir hacia alguna parte, aunque todavía no sabía hacia dónde. Aún así quería hacerlo de todos modos, porque pensaba: "Bueno, si utilizo hábilmente mi Bat-Inteligencia y consigo hacer una buena novela gráfica, puede que no se note que se trata de una película de monstruos o de una película policíaca de Serie B o algo parecido." Sí, claro...

SANTORO: Además, cada tomo te permitía experimentar formalmente con cada nueva vuelta de tuerca, como en el de Los Timadores, donde utilizabas una cuadrícula en CinemaScope, lo que creo que le infería buen ritmo. Supongo que a menos que te pongas a explorar cosas diferentes, no habrías hecho nunca algo parecido, supongo que nunca habrías probado otra forma de hacer las cosas.

GILBERT: Exacto, eso es. En realidad, para mí las historias de Fritz eran como una especie de libros de usar y tirar, como si sólo fuesen lectura veraniega, una barata novela criminal. De hecho, ese era su aspecto. Pero todavía no me había dado cuenta de que ese producto no tenía un público potencial, nadie quería leer algo así con mi nombre en portada, sino que querían el siguiente número de Optic Nerve, no un “Exploitation Comics”. Pero entonces Fantagraphics tuvo en cuenta que iba a ser mi primera serie de novelas gráficas realizada para ellos, y quisieron seguir adelante con la idea: y además lo iban a sacar en tapa dura: “vendámoslo como tu primera novela gráfica para Fantagraphics”. Porque aunque había hecho mi primera verdadera novela gráfica para DC, “Pereza”, tuve que pasar por su filtro. Me editaron y re-editaron, ya sabes, me corrigieron algunas cosas por teléfono, lo habitual. Así que hasta cierto punto aprendí mucho de la experiencia. Básicamente, la primera vez las cosas fueron más complejas, lo que me parece bien, porque aprendí un montón.

(Continuará)

MONSIEUR JEFFREY EVANS AND HIS SOUTHERN ACES 7"

Monsieur Jeffrey Evans and His Southern Aces 7"
(Big Legal Mess, 2008))

1-Lord, Keep Me Sanctified
2-Spread A Joyful Noise

AQUI.

LAMPS - ALL SEEING EYE 7"

Lamps ‎– All Seeing Eye 7"
(Sweet Rot Records, 2012)

A1-All Seeing Eye        
B1-G.B.D.

AQUI.

FORUM Y YO: CURIOSIDADES (14 de 25)

FORUM Y YO: CURIOSIDADES (14 de 25): CÓMIC MARVEL DE LOS OCHENTA, SERIES LIMITADAS, EXTRA SUPERHÉROES (y II)

Primera parte por aquí.

Si seguimos revisando la colección que en Forum tuvieron a bien titular con el antologíco “Extra Superhéroes” (porque presentaba una publicación EXTRAordinaria) quizá corroboremos que los cómics de superhéroes que lanzó Marvel a lo largo de los ochenta eran de índole superior. Pero, ¿lo eran todos?

En las peores colecciones de la editorial neoyorquina (series limitadas o no) los autores dejaron de ensamblar productos industriales dignos como habían concebido apenas diez años antes. Los “comic-books” de la setentera década, al igual que el resto de la producción de la editorial desde su reinicio con el primer número de Los Cuatro Fantásticos, eran etiquetados habitualmente como “materiales populares de derribo” por aquellos críticos a los que acaso no les doliesen prendas comerciar con “arte más elevado” bajo payola con la intención de inflar sus precios, reseñistas a los que su miopía galopante les impedía darse cuenta que una enorme cantidad de tebeos también disponían de una loable, loabilísima, pátina artística. Incluso los peores de ellos destacaban una vez revisados con el tiempo, porque en su interior los autores habían escondido inteligentes situaciones y propuestas ocurrentes.

Los cómics de la editorial de aquel momento reflejaban la realidad todo lo convincentemente que les era posible a sus autores (porque ellos “vivían” la calle, el día a día), y por lo menos sintetizaban bastante bien lo recogido en la misma, pero en los ochenta, los tebeos se convirtieron en el reflejo del reflejo, transformándose en aquello que habían pregonado a carcajadas los escleróticos críticos anteriormente citados. Los autores procedieron a inyectar eficazmente en el medio un peligroso Espectáculo Vacuo. Puede que fuese por orden de Jim Shooter, pero una legión de guionistas y dibujantes muy válidos le dieron una patada en el culo a sus reivindicativas aspiraciones anteriores y empezaron a aplicarse más en esbozar narraciones a base de fórmulas (por lo tanto, en todas las colecciones aparecía la misma historia), con insípidas y veloces correrías que se centraban cada vez más y de forma más obsesiva en el titular de la serie, en lugar de hacerlo en sus enriquecedores secundarios (algo que tan sólo podría tener sentido cuando el héroe dispone de un único puñado de números en las estanterías y no de 300 tortuosos ejemplares que se centra en su persona), y en las poco profundas referencias a la actualidad y a la moda y sus complementos.

(Siempre me sorprendió, aunque pueda llegar a entenderlo, que cuando Reagan se plantaba sonriente frente al heróico Capitán América, éste aguantase su presencia con cara de póquer sin reaccionar dándole un par de tortas al criminal actor.)

Por su parte, los dibujantes más acomodados de la editorial campaban a sus anchas y los “fill-ins” (números de las colecciones que se guardan en la recámara en caso de que se fallase en una fecha de entrega) cada vez tenían más “fill-ins” artísticos. Lo “fashion”, la frivolidad, era una buena forma de venderlo de todo, desde videoclips hasta “Madonnas”, y los supertipos empezaron a imitar la realidad vistiendo alegremente tanto ropajes trasplantados de pantallas de TV y pasarelas como ideología, vibrando en consonancia con los tiempos que USA estaba sufriendo y que hacía sufrir al resto del mundo.

En los guiones cobraban demasiada importancia los cambios de uniforme de los superhéroes (el horroroso maillot verde y rojo que lucía el Hombre Maravilla en una de las colecciones que mejor representaron la segunda mitad de esa década, “Los Vengadores Costa Oeste” (West Coast Avengers), y los diferentes “trapitos” de cientos de dólares que lucía La Avispa cada mes empezaron a ser la preocupación recurrente entre el grueso de aficionados al medio. Y la política ultra-conservadora más chusca también se adueñó de muchas colecciones.

Y esa misma época fue la que nos tocó vivir a los compradores del incipiente sello Forum. La editorial arrancó con cómics en los que se databan los últimos coletazos de la Era de Acuario, pero luego, en apenas cuatro años, pudimos solazarnos con lo buenorras y buenorros que estaban las chicas y chicos de la Patrulla-X, con los actos destructivos de un Hulk inteligente grabados por una alienígena para su posterior exhibición en pantalla grande, con un Spiderman que también cambiaba de uniforme y que combatía al peor enemigo al que su mente había hecho frente alguna vez, la codicia. (En uno de los episodios asociados a Secret Wars II, el Todopoderoso, un cruce entre el dios cristiano y Michael Jackson convertía todo un edificio neoyorquino en oro, papeleras y baños incluidos. Spiderman “usufructaba” una libreta como pago a tantos esfuerzos heróicos jamás reconocidos. Más tarde se arrepentiría, no sin haber sufrido un buen dolor de cabeza ante el dilema de si debía quedarse la dorada libreta o no.)

Fueron malos tebeos, claro que sí, y formaban parte del rodillo neoliberal que ahora nos está arrasando. Pero los conservo todos en una de mis estanterías, al lado de los otros, los que eran mejores, los Extra Super Héroes de La Visión y la Bruja Escarlata, La Bella y la Bestia o Magik. Porque me mantengo en mis trece y sigo pensando que como en aquella inmortal historia que guionizó Alan Moore en La Cosa del Pantano, incluso en el cielo hay algo que está pudriéndose. Incluso en el Infierno hay creciendo una flor entre la podredumbre. Incluso en los peores cómics de super-héroes podemos encontrar algún retazo de ingenio, pero también tengo claro que la morriña habla por mí...

RUTA 66, NUMERO CINCUENTA Y TRES

RUTA 66, NUMERO CINCUENTA Y TRES (Julio-Agosto, 1990)
BAJAR AQUI.

Nota: es necesario tener instalado el Google Chrome para poder bajar el archivo.

Otro especial brutal. En portada, los inimitables Sex Pistols. Y dentro: el motor punk de Nomads, la recuperación del rock n´roll de los Blasters, el psychobilly de Meteors, el shoegaze de Pale Saints, el southern-rock de Tail Gators y la psicodelia "avant" de Camper Van Beethoven, ¡será por etiquetas! Además: José Boix clasificaba el british blues que las Islas habían heredado de norteamérica a principios de los sesenta, Ignacio Juliá relataba los sucesos vitales y la obra de Daniel Johnston y avisaba sobre la inminente reunión de Velvet Underground. Oriol Llopis, por su parte, se marcaba un artículo de cuatro páginas sobre The Sweet y su acelerado pop de derribo y Tim Warren hablaba sobre sus portadas favoritas de las novelas guarras de los 50 y 60. La carrera de Screaming Lord Sutch estaba descrita puntillosamente por David Dufresne, José Luis Fuentes se curraba la biografía de Ben Vaghn y Luis Clemente la de los majestuosos Jefferson Airplane. En el artículo "Cine Español del 68-78", Javier S. Piñango hacía mofa de unas cuántas películas mamarrachas y en "El Tiempo No Existe Para Adán Y Eva" Jaime Gonzalo daba otra nueva vuelta de tuerca a los Cramps. Charles Neal ponía la puntilla con una caudalosa entrevista a Pleasure Fuckers. En la sección de discos aparecían Teenage Fanclub, Barracudas, Devil Dogs, Johnny Thunders, Del-Tonos, Jello Biafra con DOA, Television Personalities, Pussy Galore o Harry Crews y en la de directo Johnny Winter, Real Cool Killers o Flying Burrito Brothers. Un número, el 53, que he leído más veces que el resto de ejemplares, ya que lo conseguí muy pronto a través de su catálogo, al poco de conocer la revista (lo pedí por los Sex Pistols, sí). Lo tengo destrozado...

Nota: KoolThing BCN está insertando enlaces para descargar discos relacionados con cada número del Ruta 66. Debido a mi infinita torpeza he borrado accidentalmente por segunda vez unos cuántos comentarios, creyendo que eran "spam". A partir del Ruta 38 y hasta el interior (el 52), iré restituyendo enlaces en los comentarios (los que encuentre por la red), y si alguien quiere echar una mano, ¡bienvenido sea!

FORUM Y YO: CURIOSIDADES (13 de 25)

FORUM Y YO: CURIOSIDADES (13 de 25): CÓMIC MARVEL DE LOS OCHENTA, SERIES LIMITADAS, EXTRA SUPERHÉROES (I)

Si se miran los inventarios online de los doce números que llegaron a lanzarse bajo la cabecera “Extra Superhéroes” podremos observar una ristra de autores (no por manida menos espectacular) que quita el hipo.

Algunas de las sagas recopiladas en la fastuosa colección destacaban sólo por el guión. Otras lo hacían por el dibujo, que era moderno y fresco y en muchas ocasiones se basaba en anteriores gigantes de la narrativa gráfica. En realidad, la mayoría de aventuras podrían haberse etiquetado sencillamente como “buenos tebeos”, aunque también había un par de ejemplos que merecían el calificativo de “Magníficas Obras”. (Si fuesen películas, en alguna revista de cine de la época les habrían dado la puntuación de nueve estrellas, pues diez sólo se les otorgaba a las Obras Maestras Absolutas). Y para mi gusto también se gastó papel en tres tomitos que eran pura basura.

Frank Miller se ganó el cielo con la serie limitada de Lobezno (y actualmente ha opositado para entrar en el Infierno con “Holy Terror”). Chris Claremont, ídem con Lobezno (e ídem con sus horribles Cuatro Fantásticos, aunque en este caso no fuese por motivos ideológicos.) El virtuoso Barry Windsor Smith y el habitualmente adocenado Tom DeFalco firmaban una historia del Hombre Máquina en la que se reinterpretaban los logros conseguidos en las filmografías de Stanley Kubrick y Ridley Scott (sección Ci-Fi) o en los futuros de capitalismo moribundo apuntados por escritores del calibre de Alfred Bester y Frederick Pohl. Por su parte, Bill Mantlo y Rick Leonardi nos relataban las emotivas dicotomías presentes en sus sagas de Capa y Puñal y La Sota de Corazones y Bob Layton detallaba una risible y carcajeante anécdota de Hércules. Cada ejemplar de los “Extra” presentaba una serie limitada completa y suponía otra tentación más para el coleccionista habitual de la editorial. Como ya dije por aquí, las “series limitadas” suponen un concepto muy efectivo: se nos vende el prólogo de una colección que puede que continúe durante lustros o puede que no (y si me permiten la digresión, sí, creo que necesitamos cuanto antes una edición en castellano de las aventuras de Mapache Cohete).

Dichas hazañas limitadas nos presentaban al superhéroe puro y duro, el género que ha sido tanto el maná como el clavo de cristo de la industria “mainstream”. Sus Titanes protagonistas disfrutaron de una moderna apoteósis durante una década en la que la cultura “de bajo perfil” quedó consolidada con unas hechuras “pop” concretas, tan excitantes como horteras, y tan triviales que en la mayor parte de los casos resulta bastante ridículo rememorlas en algunas sesudas investigaciones que suelen aparecer en forma de ensayo.

Las series limitadas eran como siempre debería ser el primer año de cualquier colección de “tipos en mallas” que se precie. Estaban compuestas por cuatro números (o alguno más) capaces de meterte una idea fija en la cabeza (ADQUIRIR el siguiente) y convertirte en ese (Marvel o lo-que-sea) Zombie modélico al que se le hiciese insoportable la espera entre un ejemplar y otro. Asimismo debían tener el típico planteamiento, nudo y desenlace donde el héroe acabase con la identidad reforzada después de la sucesión de trompazos y correrías sufridas, algo que le supusiera un conflicto emocional que derribase todo aquello en lo que había creido anteriormente. Y además era preciso que el tebeo estuviese hecho con la suficiente calidad como para que te creyeses a pies juntillas que estabas comprando historietas con peso propio, embaucándote para que pensaras que eran relatos que merecían muchísimo la pena tanto como material óptimo para la lectura como para ser venerado una vez que fuese clasificado en tu estantería.

Cuando releeo estos cómics, además de sentir cómo la añoranza penetra en mi mente de forma fluida, también se cierne sobre mí la sensación de que sí que están hechos para niños, porque tratan sobre temas adultos usando unos rudimentarios trucos que yo podía entender muy bien a la edad de once o doce años. Las historias están repletas de política y relaciones de pareja, de conflictos familiares y dramáticos atentados perpetrados por supervillanos terroristas. Son temas importantes, presentados de forma que no haría peligrar ninguna psique infantil. Aquí no hay sexo, y la violencia de la época parece de juguete en comparación con los actuales productos de Marvel (salvando algunas excepciones). Son cómics asépticos pero épicos. Magníficos para pasar el rato sin provocar ninguna adhesión peligrosa a ningún "ismo".  Aún así, algunos expertos claman que me estaban condicionando, que estaban lavándome el cerebro, convirtiéndome en otro ciudadano más del Imperio. ¿Quizá fuesen la vanguardia de la globalización?

(Continuará)

AUTOBIO: CÓMIC AUTOBIOGRÁFICO (3 de 3)

Artículo aparecido en The Comics Journal nº 162 (1993), realizado por Jeremy Pinkham y Eric Reynolds. Traducido por Frog2000. Parte 1. Parte 2.

Recomiendo este artículo de Adela Cortijo para Tebeosfera centrado en la sexualidad traumática en herederas del underground.

PAT MORIARTY

“Big Mouth”, “Popcorn Pimps”, en Graphic Story Monthy nº 3

Inédito en castellano.

Hasta cierto punto, Moriarty supone una anomalía en el género autobiográfico. Cuando dibujas la vida de otras personas, ¿en realidad estás trabajando en una autobiografía o en una biografía? ¿Importa mucho? Creo que no. Moriarty no lleva mucho tiempo haciendo cómics, pero su obra “Big Mouth” es muy consistente. Aunque irónicamente su primera historia publicada en Graphic Story Monthly nº 3 era una historia propia (el autor arrancó con una anécdota bastante hilarante), ahora Moriarty pasa su tiempo dibujando historietas de y para otros, y el talento de las personas para las que dibuja suele ser tremendo: Charles Bukowski, Henry Rollins, Robert Crumb, Harvey Pekar, Burne Hogarth, e incluso aparece la mamá del autor, entre otra enorme y variada selección. El estilo “cartoon” de Pat podría parecernos como que pega muy poco con los gustos de Rollins, pero con algunas pequeñas excepciones, los resultados son sorprendentemente frescos gracias a su diseño y al excelente sentido del humor del autor. ER

KEIJI NAKAZAWA

“Barefoot Gen”

Publicado en castellano por Otakuland en 7 tomos con el título “Hiroshima Hadashi No Gen” y en 4 volúmenes por Mondadori como "Pies Descalzos".

Esta es la historia del bombardeo de Hiroshima vista a través de los ojos de un niño pequeño. Mientras la amplitud de “Hiroshisma” ([en su edición americana] la obra se desarrolla en cinco tomos) conduce la historia más allá de los límites de la autobiografía, su impacto proviene del recuento de la vida de alguien que ha sido testigo de una guerra y que ha sufrido el bombardeo de la ciudad antes y después.

Gen, el personaje, es una persona optimista: Nakazawa podría haberse olvidado de las cosas que le ocurrieron si no hubiese sido tan valiente y resistente como el héroe representado en la obra. En el relato nos hablan sobre el hijo de un pacifista de la época (cuando entonces se equiparaba pacifismo con traición), en este caso Gen será atormentado y condenado a padecer la hambruna por sus propios vecinos, maestros e iguales. Pero por encima de todo se convertirá en un superviviente de la bomba atómica. “Hiroshima” es una visión aleccionadora sobre cuál es el precio definitivo del valor. JP

DIANE NOOMIN

“True Glitz”, “Back to the Bagel Belt” (Weirdo 28)

Inédito en castellano.

El personaje de Noomin, DiDi Glitz, está basado en los recuerdos de la autora durante su infancia en Canarsie, NY, pero la mayoría de las historias en las que aparece no son estrictamente autobiográficas. En uno de sus más recientes cómics (“Back to the Bagel Belt”), Noomin aparece como co-protagonista junto a Glitz. La historia es auténtica, pero el debate se encuadra en si Noomin debería revisar la historia de una amiga en cómic o si no debería hacerlo (aunque claro que finalmente lo hace.) Otras obras autobiográficas de la autora incluyen “The C Word” (en el tomo “Choices”), “Coming of Age in Canarsie”, “How I Spent My X-Mas Vacation” y “For Joah Lowe & the X-Man” (de la tira AIDS USA). JP

NINA PALEY

“All Time Greatests Collector´s Item Classic Comics”.

Inédito en castellano.

El reciente primer número de “All Time Greatests Collector´s Item Classic Comics” de Paley tiene estampada una falsa declaración en portada: “aprobado por el underground comix code”. Si se considera que la mayoría de la obra de Paley no se ha podido ver dentro del mundo del cómic underground, sino a través de un “syndicate”, resulta bastante irónico. Considerando que Dark Horse ha sido su editorial durante la mayor parte de su carrera, podemos suponer que la autora ya no seguirá con la misma en el futuro. Su obra más reciente trata sobre algunas preocupaciones de la autora que no tienen demasiada “chicha ni limoná”. Sus guiones son demasiado negativos como para alcanzar el éxito en el “mainstream”, y su dibujo (con un estilo a lo “bigfoot” con reminiscencias de R. Crumb y Howard Cruse) es demasiado amable como para alcanzar la notoriedad en el underground. Desafortunadamente, la etiqueta de portada tiene toda la razón. ER

HARVEY PEKAR

“American Splendor”, “Our Cancer Year”

La Cúpula ha publicado tres tomos antológicos que recogen en castellano parte del material de American Splendor, y otro más, en el número 12 de la colección Historias Completas de Robert Crumb con las colaboraciones entre ambos autores. En castellano se pueden encontrar algunos otros tomos de Pekar publicados por unas cuántas editoriales. Gallo Nero recopiló en un librito algunas de las entrevistas del autor en The Comics Journal. "Our Cancer Year" sigue inédito.

Harvey Pekar trabaja cuarenta horas a la semana como funcionario en un hospital para Veteranos. Además, es crítico de jazz y literatura y también se encarga de American Splendor desde hace 17 años, un cómic compuesto por varias historias. Pekar guioniza sus historias bajo muchas formas. American Splendor son cómics dramáticos de corta extensión en los que sus dibujantes/ colaboradores caracterizan al autor a través de sus movimientos y gestos. También aparecen diálogos paródicos en los que las idiosincrasias de los patrones del lenguaje adquieren mayor énfasis, y dioramas con los que se rellena todo el espacio vacío durante los momentos de diálogo más conciso, con detalles dibujados de una forma obsesiva, o perfiles históricos mediante los que se recrea una época determinada o un personaje legendario. También historias narrativas en las que los dibujos refuerzan y enmarañan la imaginería generada a través del texto. El rango de colaboradores de Pekar va desde Crumb a Budgett, Zabel a Dumm, Woodring, Mavrides, Murphy y Moore.

Junto con Joyce Brabner, su esposa, Pekar también ha guionizado una novela gráfica titulada “Our Cancer Year”. Frank Stack está dibujándola ahora mismo. JP

DENNIS PIMPLE & T. MOTLEY

“I Was a Self-Consessional Cartoonist” (Graphic Story Monthly nº 7)

Inédito en castellano.

Esta obra supone toda una ruptura dentro del género autobiográfico, aunque sin embargo, parece surgir de un impulso semejante por contar las cosas. De hecho, esta historia es la confesión de un historietista que odia a los autores que se auto-confiesan. “Claro, bueno, resulta difícil ser completamente honesto sobre las cosas embarazosas que he hecho a lo largo de mi vida, pero al final la vergüenza se compensa mediante la catarsis”. En el tebeo se incluye una viñeta de “Harvey Pekar Wannabes” (“Ah, bueno, suelo comer comida basura. Doy clases de aerobic”) que da justo en el clavo. Deberíamos agradecerles a los autores que sean capaces de desnudar sus almas. JP

SYLVIE RANCOURT

“Melody”

Inédito en castellano.

“Melody” empezó como un comic book fotocopiado que contaba historias sobre la vida de una bailarina de “strip-tease”. Rancourt escribió, dibujó y vendió estas historias sobre su vida como bailarina de “clubs” bajo el sobrenombre de “Melody”. La obra se distribuyó en una revista en los quioscos locales de Quebec y recibió una acogida entusiasta. Pronto Rancourt hizo equipo con el historietista Jacques Boivin. Juntos produjeron una versión en mini-cómic de “Melody” en idioma inglés, y pronto Dennis Kitchen les ofreció editarlo en Estados Unidos. Boivin tomó los mandos del dibujo de la nueva serie. “Melody” es una historia alternativamente triste y asombrosa, la historia de una vida que va más allá de lo que suele reconocer cualquiera sobre su propia vida. En la obra se habla directamente de las borracheras y del trabajo bailando sobre el escenario de la protagonista, también de las orgías abiertas entre amigos y de la rara intimidad que se produce en las mismas. Ninguno de estos hechos son dramatizados románticamente o deformados hasta convertirse en algo patético. El dibujo de Boivin es un complemento natural de las historias de la autora: es encantador y curioso, y también es capaz de arrastrarnos a través del propio dibujo de Rancourt, la primera dibujante de “Melody”. JP 

SCOTT RUSSO

“Jizz”

Inédito en castellano.

Russo es un misántropo del comic book capaz de acabar con el resto de misántropos del cómic (con la posible excepción de Crumb). Su cómic en solitario, Jizz, era un inconsistente batiburrillo de fotocopias, bromas sin gracia y dibujo crudo y autobiográfico repleto de odio. Jizz es el cómic definitivo pasivo-agresivo. De todos modos, en sus mejores momentos es el catálogo de dibujo más divertido que se puede encontrar en una tienda de cómics. En su último número (el décimo), Russo se aliaba con el experto simulador Jeff Wong para parodiar a los historietistas autobiográficos de Drawn & Quaterly en “Rancid Plotte”, una de las sátiras más divertidas e hilarantes que este crítico haya podido leer alguna vez. El número nueve está completamente ocupado por una historia dibujada por Wong. Era el intrigante y auténtico relato sobre un viejo colega que decidió contarle a Russo cómo podría ser un intento de asesinato presidencial. La historia trataba sobre la consiguiente investigación por parte del servicio secreto. Es una extraña historia autobiográfica digna de estar documentada. ER

JOE SACCO

“Yahoo”, “Palestine”, “Painfully Portland” (Willamette Week).

Palestina está publicada en tomo en castellano por Planeta DeAgostini, “El Rock y Yo” por La Cúpula y “Reportajes” por Mondadori.

El “Yahoo” de Sacco es una recopilación de cómics autobiográficos y recopilaciones periodísticas de tonos salvajemente diferentes. Las historias varían desde “Take It Off”, guionizada por Susan Catherine (el poderoso recuento de la vida de una bailarina de top-less), hasta “How I Love The War” (un retrato de la participación del autor en la Operación Tormenta del Desierto mediante su contratación por el medio televisivo, con manifestaciones de protesta y llamadas a la novia de por medio). También se pueden encontrar historias como “More Women, More Children, More Quickly”, que trata sobre la historia de la madre de Sacco en Malta durante la Segunda Guerra Mundial, y otras sobre las experiencias del autor trabajando en una biblioteca pública, sus giras con una banda de rock por toda Europa, sus recuerdos de niño como parte de una extensa familia, y el sarcástico “Cartoon Genius”.

Los proyectos actuales de Sacco incluyen Palestina, la autobiografía periodística sobre su viaje a Israel y los territorios ocupados, y “Painfully Portland”, una tira para el “The Willamette Week” de Portland (Oregon). Un retorno al humor particular de Sacco en clave semi-autobiográfica. JP

DORI SEDA

“Lonety Nights Comics”, “Let´s Eat Brains” (Weirdo 22)

Inédito en castellano.

Las historias de bestialidad doméstica, alcoholismo y eccemas hacen que los cómics autobiográficos de Seda se cuenten entre los más sórdidos que se pueden encontrar (aunque algunos rasgos optimistas son capaces de permear incluso aquellas historias donde aparecen los chistes más duramente extremistas como “Vickie and Fletcher”, en donde la autobiografía vira de repente hacia la fantasía sobre ser estrangulada hasta la muerte.) Sea cual sea su temática, estos cómics son divertidos y muy humanos. JP

SETH

“Palookaville”

En castellano se pueden encontrar varios tomos recopilando las obras serializadas en la revista de Seth. En concreto, Sins Entido publicó el tomo “La vida es buena, si no te rindes”.

Seth es otro de los talentos autobiográficos que forman parte del lote Drawn and Quaterly que parece destinado a encargarse de las portadas del The New Yorker. Su dibujo está plagado de bellas reminiscencias de un estilo similar, aunque las sútiles y elegantes pinceladas choquen a veces con la propuesta autobiográfica que puede encontrarse en su título “Palookaville”. Sin embargo, sus historias también fluyen agradablemente y resuenan con una elegante claridad, reflejándose también en el dibujo, aunque de una forma diferente. Aunque la mejor obra de Seth aún está por llegar, el autor continúa mezclando guión y dibujo para alcanzar la proverbial totalidad, una que será mayor que la suma de las partes. ER

JIM SIERGEY & TOM ROBERTS

“Jim Siergey´s America” (Graphic Story Monthly nº 5)

Inédito en castellano.

Es debatible cuán autobiográfico puede ser este viaje a través del país, una “inmersión en el torrente sanguíneo de Norteamérica”. La historia trata sobre la forma de ver el terreno existente entre Chicago y Los Angeles y que Siergey transcribe en su cómic mientras él mismo va observándolo conduciendo a través en solitario. “¡Hay una especie de poética naif en el historial de éxitos conseguidos por McDonald´s! ¡Resulta un panorama inspirador al que el americano medio no puede resistirse!” La marca de autor de Siergey se encuentra remarcadamente ausente en la historia, pero aún así el autor te hará sonreír a lo largo de toda la travesía. JP

SPAIN

“Chicago ´68” (en Prime Cuts)

Inédito en castellano (??)

Junto con R. Crumb y algunos otros, Spain (alias de Manuel Rodriguez) formó parte integral de casi todos los cómics underground primerizos que merece la pena mencionar, sobre todo con su relato político del futuro “Trashman”. Sin embargo, a lo largo de los años su obra se ha convertido en un producto mucho más autobiográfico. Al igual que sus historias de “Trashman”, la autobiografía está cargada de intenciones izquierdistas que combaten la injusticia social. Su obra más reciente continúa ofreciéndonos una poderosa perspectiva marxista imbuida en unas historias que a menudo tienen mucho más que ver con las actividades políticas de Spain durante los últimos 25 años, aunque con esa suficiencia en su pegada libertaria particular que ya aparecía impresa en lugares como “Anarchy Comics”. Comparado con lo que se hace hoy en día, su trabajo es contundente y sorprendentemente fresco, quizá incluso más si consideramos el clima político de los últimos trece años. Spain ha utilizado la autobiografía para convertirse en uno de los auténticos progresistas actuales del comix underground. ER

ART SPIEGELMAN

“Breakdowns”, “Arcade”, “RAW”, “Maus.”

Maus y Breakdowns están publicados en tomo por Mondadori.

Spiegelman afronta la autobiografía desde dos ángulos: el auto-análisis y el análisis del medio. Su obra publicada sobre el debate formal alrededor del cómic ha ido reduciéndose con el tiempo. Breakdowns y Arcade (sus antologías anteriores a RAW, coeditadas junto con Bill Griffith) son buenos lugares en los que encontrar dicho estilo. Sus primeras historias autobiográficas incluían “Prisoner on the Hell Planet” (que más tarde también apareció en Maus), “Maus” (una temprana encarnación de tres páginas de la historia con un rotulado intrincado, aunque era menos dramática y poderosa que la versión que apareció en RAW), y los cómics “Real Dream”, con un tono más esperanzador.

Maus es la obra autobiográfica de Spiegelman más minuciosa (y también la más famosa). Trata sobre cómo vivió su padre, Vladek, durante el reinado nazi, y esa historia está incrustada dentro de otra que cuenta los esfuerzos que realiza el autor para vivir pacíficamente con su padre en el presente mientras va grabando junto a él los recuerdos de su vida en un campo de concentración. Spiegelman creó Maus con herramientas narrativas, señalando que deseaba mantener sus medios de producción cercanos a los que se pueden utilizar en un diario personal. La historia, ganadora de un Pulitzer, fue serializada en un principio en la revista RAW, antología editada por el propio Spiegelman y Francois Mouly, y ahora puede encontrarse recopilada en dos volúmenes [el primero también fue publicado de forma unitaria por Norma Editorial y Muchnik Editores.] ER

ROY TOMPKINS

“All-American Shopper” (Weirdo 28)

Inédito en castellano.

“All-American Shopper”, la obra autobiográfica más reciente de Roy Tompkins, cierra el último número de Weirdo, que también supone el final de la revista (el ejemplar de la colección nº 28) y corona oficialmente a Tompkins como el rey del comix-white-trash. Sea en las historias ficticias protagonizadas por Harvey, el bastardo hillbilly de “Trailer Trash”, o en la historia real de su madre obsesiva compulsiva, Tompkins suele mercadear en el medio rural, donde siempre parecen vivir en los setenta. Esta situación da lugar a un montón de chistes, pero al final resulta ser un caballo de un solo truco. ER

CAROL TYLER

“The Job Thing”

Inédito en castellano.

La primera recopilación de Tyler, “The Job Thing”, es una obra autobiográfica que funciona como un excelente manual. El tomo es un hilarante (y depresivo) “tour” a través del auto-proclamado por la propia Tyler “museo de los malos recuerdos”, que detallan el infierno que sufrió en varios de sus trabajos fallidos en McJobs y en el sector servicios. La perspicacia de Tyler es genuina: “El trabajo en esta cultura es una excusa vacua hasta que llega el fin de semana”. Resulta muy irónico que su obra esté sacada de los entornos de trabajo que retrata. Para aquellos que simpatizan con la idea de la “generación X” sobre-educada y mal pagada, esta obra les resultará atractiva. Tyler (que tiene la carrera de Bellas Artes) es una historietista bastante subestimada y “The Job Thing” debería ser tenida en cuenta por cualquiera que odie a su jefe y que no puede esperar a que llegue el fin de semana. ER

COLIN UPTON

“Big Thing”

Inédito en castellano.

“Big Thing” es una serie de historias autobiográficas de larga duración realizadas por Upton, y la obra ha continuado a lo largo del tiempo mediante varios mini-cómics y antologías. Upton es un cajón de sastre y bastante a menudo sus historias son inconsistentes, caminando por la fina línea entre la visión conmovedora de la condición humana y el humor cursi destinado a convertirse en ideas que intentan conmover. Su dibujo hace que nos impliquemos mucho en lo ocurrido: Upton es un dibujante competente con un estilo artístico centrado. “Big Thing” es una autobiografía inofensiva la mayor parte del tiempo, sea eso bueno o malo. ER

JIM VALENTINO

“Vignettes”

Inédito en castellano.

Antes de superhéroes como Shadowhawk o Guardianes de la Galaxia y después de la parodia super-heróica “normalman”, existía una serie autobiográfica que Valentino realizó para Renegade Press.

Estos tres números son capaces de entristecer a cualquiera. Además, el lector tiene que detenerse para considerar la diversidad de técnicas de narración y estados de ánimo empleados en la historia (que en realidad han sido abandonados para trabajar en cosas como “How To Draw Comics the Marvel Way” [Como Dibujar Comics al Estilo Marvel, Martinez Roca]. Para los seguidores de American Splendor puede resultar interesante saber que hay un capítulo meditabundo que se titula “El día que conocí a Harvey Pekar”. Puedes encontrarlo en el tercer número. JP

RICK VEITCH

“Rare Bit Friends” (en The Maximortal)

Dicha historia de complemento está inédita en castellano.

En su momento, Veitch usó la columna donde responde al correo de Maximortal para poner por escrito sus sueños. Luego utilizó el mini-cómic del mismo nombre, “Rare Bit Fiends”, para incluir algunos fragmentos de historias dispersos aquí y allá sobre su propia vida, la de sus amigos y varios fenómenos extraños. Mientras que su función como diario de ensoñaciones es bastante comprensible, estos pedazos de sueños podrían ser más entretenidos o profundos si se desarrollaran un poco más que los retales que se han presentando hasta ahora. JP

J.R. WILLIAMS

“The Woman Who Tried To Eat Me Alive!!!” (Buzzard 1), “Hairy Scary” (Big Mouth 1)

Inédito en castellano.

El señor Williams utiliza su lápiz sobre el papel para contarnos dos historias sobre un hombre perseguido por dos virgos comedoras de hombres y revienta pelotas. Estamos ante una pregunta del tipo ¿cómo escapar de esta situación? En la primera historia una se corta el pelo y se lo envía por correo, ¡y en la otra, la otra chica no para de intentar llegar a su corazón! “¡Cuenta conmigo!” “¡Házme caso!” “¡Atiéndeme!” “¡ÁMAME!!!” Su venganza final: estas historietas. JP

WALLY WOOD

“MY WORLD” (Weird Science 22), “MY WORD” (Horny Toads)

“My World” está publicado en castellano en la antología “Biblioteca Grandes del Cómic: Clásicos de la Ciencia Ficción de EC” número 10, por Planeta DeAgostini.

La única autobiografía seria de la casa EC se editó en el último número de Weird Science, era la historieta “My World” de Wally Wood. La historia de seis páginas es una serie de ilustraciones inconexas entres sí -dinosaurios, cohetes, mujeres solitarias, alienígenas- enlazadas mediante una narración que en la última viñeta desvela que en realidad estamos viendo lo que piensa el propio autor sobre sus dibujos. Años más tarde Wood compuso “My Word”, una picante parodia de esta pieza, que se había convertido en favorita entre los fans de la EC. Suplanta muy bien el tono que admiraban tanto los fans del autor. “¡Qué es lo que quieres de mí! “¡Patéame!” “Jódeme” “¡Te amo!” “Por otra parte, creo que tu viejo material era mucho mejor... etcétera” JP

JIM WOODRING

“JIM”

Inédito en castellano.

¿Es lo autobiográfico una forma de acceder al subsconcientes para grabar tus sueños, sueños que sólo suceden en el interior de tu mente? Si es así, entonces Woodring es uno de los maestros de la historieta autobiográfica. “The Book of Jim” es un Woodring básico. Historias surrealistas forjadas a base de arquetipos jungianos que serían capaces de hacer que un par de psicólogos cualificados rechazaran al autor como paciente. Además, Woodring también ha realizado autobiografías más parecidas a lo que se espera del concepto, todas excelentes. Sencillamente, Woodring es uno de los pocos historietistas del mundo que puede ser un genio en potencia. ER

DENNIS WORDEN

“Suburban Teens on Acid”

Inédito en castellano.

“Suburban Teens on Acid” es una de las pocas incursiones de Worden en el campo de la autobiografía, pero su falta de familiaridad con el medio es imperceptible. Suburban Teens es hilarante, e incluso inquietante: revisa los años que el autor pasó enloquecido por las drogas mientras vagaba por un instituto de Orange County, California, una zona que podría decirse que es la más conservadora de todo Estados Unidos. La obra incluso ofrece un recuento de lo que podría considerarse el viaje de LSD definitivo: estar “tripando” cerca del Reino Mágico, Disneylandia. El dibujo de Worden es primitivo pero tremendamente efectivo, y su estilo se alterna de acuerdo a lo que se está contando en la historia. Más de un lector será capaz de admitir perfectamente sobre qué trata la historia. Worden también tiene otra obra un poco más popular en su haber, Stickboy, igualmente autobiográfica pero esta vez está repleta de mentiras. ER

MARK ZINGARELLI

“Real Life”

Inédito en castellano.

El trabajo de Zingarelli escasea bastante, y la mayor parte se encuentra publicado en Real Life nº 1, un cómic editado en 1990. De las seis historias incluídas en ese número (las cuáles están realizadas completamente por el autor, excepto una, guionizada por Denny Eichhorn), sólo dos abundan en los guiones autobiográficos de Zingarelli. Ambas son historias excelentes y compasivas, con muchas reminiscencias del trabajo de Eichhorn, y en ellas aparece un estilo de dibujo tan efectivo como realista. Desafortunadamente, estas treces páginas sólo hacen cosquillas, dejando al lector con hambre de más. ER