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sábado, 8 de enero de 2022

EL FIN DEL RUIDO TAL Y COMO LO CONOCEMOS

Reseña de Jim Testa para Jersey Beat (1989), traducción: Frog2000. 

SONIC YOUTH – DAYDREAM NATION

PUSSY GALORE – SUGARSHIT SHARP

Noise Rock, Scum Rock, Pigfuck… llámalo como quieras, pero en 1988 ha empezado a sonar más a música.

Lo que no quiere decir que nadie se haya vendido, o rendido, o hecho dinero, aunque algunas bandas cuyo trabajo parecía producir el escándalo menos comercial y más impío del mundo hace apenas uno o dos años les ha ido bien. Y nadie lo hizo mejor que Sonic Youth, dioses indiscutibles de la “escena ruidosa” del centro de la ciudad y la banda más comercial que el género ha producido hasta ahora. Tampoco ha grabado nadie un mejor disco que "Daydream Nation" en 1988.

A Sonic Youth nunca le ha gustado la etiqueta ´noise band´ por razones obvias: es demasiado estúpida y limitadora. De todos modos, con "Daydream Nation" la banda ha tranformado el término en un sinsentido. Este LP doble, una colección de 12 canciones, tiene momentos de ruido, un sonido brutal y distorsionado y una retroalimentación que hace sangrar los oídos, pero van acompañados de otros momentos de belleza tan puros y claros, todos producidos por guitarras, que parecen rivalizar con las campanas de una iglesia. Empieza con "Teenage Riot", una melodía de power pop y la voz sonriente de Thurston Moore impulsada por armonías relucientes y un ritmo punkadelico. ¿Quizá suena un poco como los héroes de la banda, los Ramones? La siguiente canción, "Silver Rocket", chilla y vibra como los Buzzcocks, al igual que la voz de Kim Gordon recuerda a la de Patti Smith. Este es un disco de punk rock, claro, al igual que Sister también lo era. Pero "Daydream Nation" va un poco más allá, no solo continúa una dirección hacia la composición estructurada "pop" que el grupo comenzó en Evol y desarrolló en Sister, sino que también incorpora las disonantes sonic jams de sus discos anteriores. Casi todas las "canciones" tienen un puente que permite que las guitarras desaten capas de retroalimentación y distorsión controlada... pero justo cuando la canción amenaza con convertirse en “ruido”, la melodía y la letra se reafirman. Sucede en el viaje a lo Radio Ethiopia “The Sprawl” y el descaradamente dylanesco “Eric´s Trip” (que, en mitad del mayor de los estruendos, hace que una guitarra rompa como un carillón de catedral). “Total Trash” presenta uno de sus retuneos de guitarra tan característicos, una guitarra rítmica aplanada, estridente y distorsionada, pero fíjate en cómo la banda se superpone chirriando sobre ese sonido para formar un puente natural para la canción, de regreso al pegadizo verso punk rock.

Puede que "Daydream Nation" haya nacido del amor perverso de Sonic Youth por las giras: las canciones son divertidas de escuchar y, estoy seguro, de tocar, pero son más desafiantes que las melodías bastante sencillas de "Sister". El tipo de canciones que puedes poner noche tras noche sin aburrirte. Este es sin duda un disco que puedes escuchar una y otra y otra vez, son cuatro caras con 3 canciones cada una, una simetría que lo convierten en casi perfecto. Cada lado es como un disco separado, cada uno tiene su parte de melodía, poesía, energía y sí, ruido.

Incluso la más jodida de las bandas del movimiento pigfuck, Pussy Galore, parece mucho más musical en su nuevo EP, "Sugarshit Sharp". Al combinar letras reconocibles (si no discernibles) con riffs repletos de energía y tocarlo todo con ritmo, el material de este disco puede seguir siendo "ruidoso", pero está mucho más cerca de las canciones que cualquier cosa que la banda haya hecho antes. La asombrosa percusión biónica de Bob Bert, parte metal, parte batería, mitad humana, mitad máquina, es la de un verdadero héroe: reemplaza toda la gama de la sección rítmica tradicional. Es guitarra rítmica, bajo y batería, todo en uno. Las guitarras en sí son crudas y distorsionadas, tocadas con una energía inquebrantable y una inclinación por el primitivismo que supone el verdadero triunfo de este disco. Realmente suena como una banda que acaba de conseguir sus guitarras por primera vez hace seis meses. Nada mal para un combo que lleva seis años en activo. Pussy Galore extirpan la reverberación, los efectos y las baratijas industriales de la mayoría del "noise rock", al igual que los Ramones filetearon y deshuesaron el rock para todos los públicos de su época, otorgándole a "Sugarshit Sharp" el poder anfetaminizado y crudo del pirata más psicótico de los Stooges que se pueda imaginar. Nadie ha sido tan bueno sonando tan mal desde los primeros Cramps.

lunes, 24 de mayo de 2021

UNSANE: EL RECONOCIDO POWER TRIO EDITA UN DEBUT APLAZADO DURANTE AÑOS

Entrevista con Pete Shore y Chris Spencer realizada por Jordan Mamone para Please Kill Me, 2021. Traducción: Frog2000.

Unsane, el poderoso trío de noise-rock, creó música directamente salida del abismo del Nueva York de finales de la década de los ochenta y principios de los noventa. Cuando el grupo grabó su debut "Improvised Munitions", la ciudad sufría los últimos estertores de decadencia antes del aburguesamiento de Giuliani. El disco nunca llegó a aparecer por culpa del hundimiento del sello y porque que su fundador había desaparecido. La banda continuó como tal durante la década de los noventa, acumulando un gran número de devotos seguidores a nivel internacional, pero durante mucho tiempo se pensó que este álbum se había perdido para siempre. Su hallazgo casual en una tienda de discos lo cambió todo. Jordan N. Mamone retoma la historia a partir de ese punto para Please Kill Me.

Las décadas de los setenta y ochenta en la ciudad de Nueva York se han idealizado demasiado. Tampoco es que no se lo merezcan. Pero con mucha frecuencia, los cronistas casuales saltan de un retrato idealizado de la oscuridad de la era de Koch a la época de la ley y el orden de Giuliani, ignorando la historia intermedia. A principios de los noventa, la ciudad ardía más brillante y sórdidamente de lo que la mayoría de la gente admitirá nunca. La tasa de homicidios alcanzó su punto álgido, el consumo de crack aumentó sin control, y los disturbios raciales se desataron en Crown Heights. Sin embargo, esto produjo fertilidad cultural entre la miseria gentrificada a fuego lento. El alquiler, la comida y los estudios de música a bajo precio favorecidos por la recesión significaban que los artistas y los músicos aún no necesitaban fondos millonarios o semanas de trabajo de 40 horas. A pesar de la inminente desinfección, Nueva York todavía parecía Nueva York.

Es en este entorno precario donde Unsane concibió "Improvised Munitions", programado como el debut del power-trío de noise-rock. Grabado en noviembre de 1989 para ser lanzado en el desventurado sello Circuit, el mini-álbum supuso un patrón abrasador. Los LPs posteriores de la banda para sellos con marca reconocible como Matador, Amphetamine Reptile y Alternative Tentacles, respectivamente, modificaron la receta, pero no encajaban tanto con la implacable abrasión de esta avalancha de siete canciones llenas de chirridos y discordantes guitarras, ritmos abruptos y voces repletas de distorsión y estática. Equivalente sónico de una película de Abel Ferrara, "Improvised Munitions" evoca perfectamente el tiempo y el lugar donde se había forjado.

Pero algo sórdido sucedió en el periplo de Unsane hacia la eminencia post-hardcore y pre-grunge: el turbio jefazo de Circuit, Ernie, empezó a ahogarse en un montón de nieve cocaínica y deudas. Llegaron a aparecer hasta tres test-pressing del disco, quizá más, pero la empresa y su fundador desaparecieron literalmente antes de empezar a fabricar más unidades. Nadie está seguro de si el pobre idiota cabreó al dealer equivocado o huyó apresuradamente del Estado. El inventario de Circuit, con referencias de Cop Shoot Cop, Surgery y Monster Magnet terminó por agotarse, y los planes futuros se quedaron en nada. La única evidencia del 12 pulgadas de Unsane fue una troika de copias de prueba que no estaban destinadas al consumo público. Y así ha sido hasta ahora.

Pero primero, permitidme desviarme por mis meandros personales hasta el año 1994. Rudolph Giuliani acababa de ser elegido alcalde, pero Times Square seguía apestando más con el ajetreo de los chulos y proxenetas que con émulos del Elmo más "funky". Yo estudiaba periodismo, era guitarrista, y vivía en el East Village de Manhattan, donde ocupaba una habitación sin ventanas por 400 dólares al mes. "Improvised Munitions" era simplemente un rumor entre coleccionistas. Su existencia era dudosa, o eso creía yo. Un día poco habitual que estaba pasando el rato en Stooz, una tienda de discos local, me fijé en una funda blanca de DJ genérica con una pegatina garabateada a mano. Las palabras “Test-pressing de Unsane no publicado” se intercalaban con un número de catálogo escrito a mano: CIRCUIT-006. Me quedé flipado. El precio de venta, quizá 30 dólares, parecía un poco elevado en aquel entonces, unos cuantos billetes de diez dólares te permitían un par de noches de libertinaje. Por supuesto, visto en retrospectiva fue un maldito robo. A pesar de mi admiración por los escalofriantes shows en directo de Unsane, particularmente los anteriores al fallecimiento en 1992 de su frenético batería Charlie Ondras, balbuceé y me quejé. Al final, la escasez manifiesta en el mercado de aquel objeto terminó por convencerme. Así que me llevé el premio a casa y lo coloqué con cuidado en el tocadiscos. ¡La hostia! El resultado fue muy provechoso.

A medida que pasaban las décadas, los fans de Unsane se enteraron de mi compra y ocasionalmente me empezaron a acosar online. En algún momento, me llegaron a ofrecer hasta 750 dólares por mi copia. Los rechacé. También rechacé las súplicas que me hicieron para que compartiese digitalmente las canciones, accediendo solo a grabarlas en casetes arcaicos para almas de confianza. Hace poco recibí un sorprendente mensaje de un chaval europeo para preguntarme si podía enviar mi información de contacto al cantante y guitarrista de Unsane, Chris Spencer. Claro, adelante. El líder del grupo pronto me envió un correo electrónico. Me dijo que estaba intentando en reeditar su obra a través de su propio sello Lamb Unlimited, y se preguntaba si seguía poseyendo la copia de prueba. Él no la tenía. ¿Podría su equipo de producción tomar prestada la mía, remasterizarla y presentar oficialmente "Improvised Munitions" al público? Tuve el honor de complacerlo, gratis.

Más de 30 años después desde que se archivara, el álbum debut perdido de Unsane finalmente está disponible, ampliado con cuatro extravagantes bonus de una demo de 1988. El resultado es espléndido. Estuve charlando sobre su extraña génesis con Spencer, quien ha regresado a la ciudad después de un largo descanso. Actualmente toca en Human Impact con ex miembros de Swans y Cop Shoot Cop. El bajista y vocalista intermitente Pete Shore, quien dejó Unsane en 1994, agregó su versión personal desde su residencia en Queens.

PKM: Sospechas que el test-pressing que me encontré era el tuyo. ¿Te importaría recapitular la historia?

Chris Spencer: Una noche estaba en el Pyramid Club, y apareció Ernie y me pasó una copia. Lo siguiente que supe es que simplemente desapareció del mapa. La tuve conmigo durante un tiempo, hasta que me fui a vivir a un sótano en [la zona de] Clinton y Stanton. Un absoluto agujero. Mis compañeros de piso y el resto consumían toneladas de drogas y todo el mundo se quedaba hecho polvo durante tres días. En mi habitación tenía escondidas todas mis mierdas, pero no había puerta. Un día me subí a la camioneta con Charlie y Pete y nos fuimos de gira. Volví y todo, todos mis vinilos, ya no estaban: entre ellos nuestro primer single y el test-pressing.

PKM: ¿Dejaste de vivir con esas personas que te habían robado tus cosas?

Chris Spencer: Un día se vino a la casa una chica de Minneapolis a la que conocía uno de mis compañeros de piso, que era de esa zona, así que ella se apoderó de nuestra sala de estar. Luego la secuestraron unos puertorriqueños a los que solía comprar drogas, y la ataron en una silla en una habitación, desnuda, durante tres días. Y finalmente la asesinaron. Me marché poco después. Era un ambiente muy negativo.

PKM: Por decirlo suavemente.

Chris Spencer: Teníamos de vecinos a unos traficantes de cocaína colombianos. Un día, llegué a casa y había sangre deslizándose por debajo de la puerta, junto a los cubos de basura. Simplemente las cosas se pusieron extrañamente, aterradoramente violentas.

PKM: La gente olvida lo intensos que fueron los primeros años noventa.

Chris Spencer: Absolutamente. Colas de gente calle abajo para comprar coca y droga en Attorney Street, Second Street, Avenida D. Era la vieja escuela de Nueva York. Podías beber cerveza en los conciertos si querías, en una bolsa de papel.

PKM: Pienso de nuevo en ese momento y me parece una locura. Pero en aquel entonces ni lo daba importancia.

Chris Spencer: Yo me decía: “¡Esto es increíble! Puedo hacer lo que quiera. Hay un montón de drogas por todas partes, puedo beber donde me plazca, nadie te molesta". Era genial.

Pete Shore: Fue un momento divertido, aterrador y muy inspirador. Soy un firme creyente de que los tiempos difíciles y las peleas generan mejor arte y mejor música. No quiero sonar cursi, pero nosotros, y muchas otras bandas de la época, éramos simplemente un reflejo de nuestro entorno.

PKM: ¿Alguna cosa particularmente jodida que hayas experimentado?

Pete Shore: Me robaron a punta de pistola en un islote en mitad del paso de tráfico en Houston [Street], entre las Avenidas A y B. Había coches por todas partes, alguien me puso una pistola en el estómago y me sentí tan indefenso como te puedas imaginar. Pero lo más perturbador que sufrí fue [en otra ocasión], cuando iba hacia mi apartamento: en la esquina de la calle 11 había un tipo sosteniéndose la barriga y con la sangre brotando por todos lados. Recuerdo que me acerqué a él, a ver si podía ayudarlo, y se volvió hacia mí, me miró directamente a los ojos y básicamente me amenazó y me dijo que siguiera mi camino. Y eso hice.

PKM: La cultura de las drogas en la época era muy bestia. ¿Te arrepientes?

Pete Shore: Definitivamente, consumir drogas me jodió muchas veces, pero cualquier arrepentimiento es en su mayoría un tormento personal. Si las cosas no hubiesen sucedido como lo hicieron, es posible que no tuviese la familia y los niños que atesoro y a los que amo. Sé que parece un cliché, pero cuando tocas fondo las veces suficientes, la única dirección es hacia arriba.

Chris Spencer: Yo lo superé sin problemas. Pete también. Todos nos escondíamos con nuestros amigos y fumábamos coca y nos inyectábamos drogas. Parecía extrañamente normal. Durante un puñado de años, fue una buena época. Luego Charlie Ondras se murió en el antiguo apartamento de Jon [Spencer, de Pussy Galore, Blues Explosion y Boss Hog] y [la cantante de Boss Hog] Cristina [Martinez], en la calle Eighth Street y la Avenida D, donde le dejaban quedarse a Charlie. Nos solíamos quedar a dormir sobre un pedazo de colchón de espuma, en un suelo lleno de cucarachas. En el vestíbulo, la gente vendía heroína desde las tres de la mañana hasta las 11. Los bares cerraban a las cuatro. Sencillamente Charlie pillaría algo de mierda en el vestíbulo, subiría las escaleras y se drogaría antes de irse a dormir.

Pete Shore: Charlie era un verdadero rockero y se quedaba despierto noches enteras, de fiesta. Supongo que su cuerpo estaría destrozado por estar toda la noche bebiendo, y la droga que pilló sería suficiente para empujarlo hasta el límite. A lo largo de los años siguientes, también perdimos a nuestro buen amigo Sean [McDonnell], [el cantante] de Surgery. Admito que fue una época muy triste.

Chris Spencer: Pero Charlie estaba simplemente divirtiéndose. Era una persona muy bondadosa. No quiero ensombrecer su legado en absoluto.

PKM: Era una figura muy querida. Y un batería inimitable, con un estilo suelto y oscilante, pero también rápido y contundente.

Pete Shore: Charlie era un tipo súper culto e inteligente, y podía ser realmente divertido e increíblemente auto-crítico. No tenía ningún tipo de pretensiones, por lo que la gente que lo conoció lo apreciaba muchísimo. También tenía un gran conocimiento de toda la música, desde la clásica hasta el punk rock, y eso se notaba en su estilo.

Chris Spencer: Estaba influenciado por [el batería de Jimi Hendrix Experience] Mitch Mitchell y Ginger Baker [de Cream], y era capaz de tocar como esos tíos. Cuando empezamos, no queríamos a nadie al frente. No me importaba expresarme líricamente, pero nadie quería ser el cantante. Así que simplemente nos poníamos frente a Charlie y montábamos una muralla de sonido y ruido.

Pete Shore: No queríamos melodías. No queríamos que la gente necesariamente disfrutara con nosotros. Recuerda que Mötley Crüe, Poison y otras bandas por el estilo sonaban en la radio y eran muy populares. En nuestros primeros días, solíamos medir el éxito de un show por la cantidad de personas que se habían marchado. Recuerdo que muchos conciertos comenzaban con una multitud entregada y terminaban con un par de maníacos que se estaban divirtiendo un montón. No creo que nadie sueñe con ganarse la vida como músico, pero yo sentía como si lo hubiésemos logrado, porque nos pasábamos dos semanas de gira, y a algunos chavales de Follaculos, en NingúnSitio les encantaba nuestra música.

PKM: Unsane se formó en 1988, en el Instituto Sarah Lawrence, de Yonkers. Ese lugar no era precisamente un hervidero de brutal y ruidoso rock. ¿Cómo os conocísteis?

Pete Shore: Éramos bastante "outsiders". Al principio conocimos a Charlie porque tenía una gran bolsa de marihuana y todos queríamos fumar. Intentamos tocar con él [antes de formar Unsane], pero en ese entonces no era tan asombroso: su sincronización no era de las mejores. Luego se marchó a Bali durante un año, donde vivió todo tipo de locuras: estuvo en los arrozales con los lugareños y formó parte de los círculos de tambores que se solían formar en la zona. Cuando volvió, era un batería completamente diferente.

PKM: ¿Cómo os influyó mudaros a la ciudad?

Pete Shore: Crecí en Long Island, justo al lado de Queens, así que empecé a venir a la ciudad tan pronto como mis padres me dejaron, con 13 años.

Chris Spencer: Queríamos reflejar el volumen, el feedback extremo y los sonidos de la maquinaria. Y además queríamos estar simplemente rodeados por el caos total del Lower East Side de 1988: alarmas de coches, gente gritando, locuras de todo tipo. Nuestro barrio era muy ruidoso. Todos estábamos sobreestimulados.

PKM: Hoy en día, la gente cree que conducir mientras estás insultándote en las redes sociales es el colmo de la sobreestimulación.

Chris Spencer: Está todo muy homogeneizado. Lo nuestro tendría su equivalencia si la gente montase escenas snuff para TikTok: una mierda realmente dura y jodida. No creo que pasara nada parecido. Te pillarían rápido. En aquel entonces, los teléfonos no tenían cámara.

PKM: ¿Cómo conocísteis a otras bandas con ideas afines?

Pete Shore: La primera banda noise del centro que conocimos, que nos acogió como teloneros en uno de sus conciertos, fueron los Reverb Motherfuckers. Más tarde, tocamos con Pussy Galore, también como teloneros y, finalmente, Jon nos preguntó si queríamos compartir su local de ensayo, en la Avenida B. Es como si todas las bandas cercanas ensayaran allí en uno u otro momento. Lo que atraía a todos esos grupos no era que tocásemos música parecida; acabamos por compartir la idea de rechazar la música popular actual de la época. Además, las bandas se apoyaban mucho entre sí. Todas iban a los conciertos de los demás y, con el tiempo, se fue formando una pequeña comunidad.

PKM: ¿Qué recuerdas de las sesiones de "Improvised Munitions"?

Chris Spencer: [El ingeniero] Wharton Tiers era un tipo muy agradable. Nos dijimos: "¡Mierda, quizás nos cueste 20 o 40 dólares la hora grabar con el tipo que grabó a Sonic Youth!" El estudio estaba situado en su sótano. Hicimos los temas de una sola toma. Si se producían pequeños errores, no nos importaba una mierda. Estábamos intentando capturar el momento. Era parecido a estar en nuestro local de ensayo.

PKM: Las letras de "My Right" y "Concrete Bed" recuerdan un poco a Taxi Driver. ¿De qué tratan?

Chris Spencer: “Concrete Bed” trata sobre un tipo que dormía en el suelo de cemento en el exterior de nuestro local de ensayo. Para "My Right", Pete quería que escribiésemos una canción sobre el derecho a tener armas. He crecido toda mi vida rodeado de armas: mis abuelos vivían en el este de Texas, junto a un pantano. Me gustaba mucho ir a pescar en canoa. Mi abuelo me dejaba su 30-30 [un rifle Winchester] y me decía: "Si ves a un caimán o a una nutria, dispara". Así que hay mucho contenido lírico sobre el acto de matar y disparar cosas.

Pete Shore: Yo era más un tirador de estilo deportivo. Empecé cuando formaba parte de los Cub Scouts, y con mi padre solía tirar al plato obcecadamente.

PKM: ¿Os dijeron algo al respecto vuestros compañeros músicos del centro?

Chris Spencer: Ni lo más mínimo. En algunos círculos, el tema les producía una extraña fascinación. Fuimos con [el cineasta y fotógrafo] Richard Kern al campo de tiro un par de veces. También con Bruce Pavitt [co-fundador] de Sub Pop [Records]. Había un campo de tiro en Long Island donde podías disparar contra televisores y demás. Todavía tengo un montón de armas, pero si te soy honesto, en realidad ya no suelo disparar tanto.

Pete Shore: En aquel momento, ser propietario de un arma no se asociaba de inmediato con ninguna creencia política o social, como suele ocurrir ahora. Así que la mayoría de las reacciones eran simplemente de fascinación y curiosidad. Todavía tengo armas, y me encanta disparar, pero nunca he llevado una pistola encima, y creo firmemente que las armas no se deberían usar para la defensa propia. Me parece que cuando compras un arma de fuego pensando en la defensa propia, más bien la estás comprando pensando en la violencia. Me siento muy cómodo con las armas de fuego, pero no tengo fuerzas para dispararle a alguien ni querría hacerlo nunca. Una vez, un oficial de policía me dio un buen consejo: dales tu dinero, trágate tu orgullo y, si tienes la oportunidad, escapa de la situación problemática. Soy estrictamente un tirador deportivo y disfruto con un buen tirachinas tanto como con un rifle.

PKM: ¿Cómo conociste a Ernie, la persona que dirigía Circuit? ¿Cómo era?

Chris Spencer: Éramos amigos de los chavales de Surgery. Sean era una especie de A&R de Circuit. Comparado con nosotros, Ernie era un poco más suburbano. Parecía un tipo de zona residencial. Llevaba el pelo largo, rizado y con permanente.

PKM: ¡El corte al estilo caniche! Vaya.

Pete Shore: Ernie era un bobo de South Shore [de Long Island]. Una escoria con un toque de idiota. Era extraño que fuese él quien publicase nuestro disco. Podría haber trabajado en una cadena de coches usados ​​y habría sido el mismo personaje.

Chris Spencer: Todos éramos un montón de músicos jodidos, y Ernie era el tío de la pasta. Se fijó en la escena del East Village y el Lower East Side, y decidió gestionar un sello discográfico. Y aparentemente, desarrolló un fuerte hábito por la cocaína. Así que empezó a no pagar las facturas. ¿Quién sabe qué diablos pasó con él? Tal vez terminó acumulando una deuda importante y se asustó la hostia. Cuando desaparece el tipo que se supone que tiene que sacar tu disco, empiezas a hacer preguntas. Yo hice de todo menos contratar a un detective. Ernie acababa de desaparecer.

PKM: Pete, en esos días trabajabas conduciendo un taxi. He leído que te pasaste por la casa de Ernie en Long Island y estaba vacía.

Pete Shore: Había una tienda de armamento que sigo frecuentando y que estaba a unas calles de su casa. No sé si en ese momento iba conduciendo el taxi o no, pero recuerdo que vi que la casa estaba en venta. Conduje un taxi durante casi toda mi insensata carrera. Evité cualquier cosa que pusiera en peligro mi vida, e incluso conseguí que no me robaran, pero ha sido el peor trabajo que he tenido nunca: jornadas de 14 horas, a veces llevando a idiotas por poco dinero.

Chris Spencer: Me pase año y medio conduciendo en la misma compañía. ¡Friendly Car Service, quizá el grupo de personas más mezquino que puedas conocer alguna vez! Fue muy divertido. En la radio, el coordinador nos decía: “¡Que se jodan todos esos tíos! ¡Los odio!" Siempre muy cabreado. Lo suyo tuvo cierto impacto en Pete y en mí, en nuestra actitud negativa hacia la humanidad: solo eran un montón de borrachos que tenías que llevar a casa. Una mujer intentó subirse al asiento delantero y agarrarme de la pechera. Siempre ocurrían ese tipo de mierdas estúpidas. O puede que llevase a gente para que tomase metadona, y en su lugar cogían y se iban a pillar. Me sentaba en el coche, con una caja de zapatos llena de dinero bajo el asiento, mientras se me quedaba mirando un grupo de tíos. Por fortuna, no me llegaron a joder nunca.

PKM: A Pete y a ti os gustaba mucho el cine grindhouse. ¿Cuáles eran vuestras películas favoritas?

Chris Spencer: Las de [el director italiano de gore de los 70 y 80] Lucio Fulci. También solíamos ver mucho cine hecho en Hong Kong. Maratones de terror. La de [Ruggero Deodato] "Holocausto Caníbal" [de 1980], "Cannibal Ferox" de [Umberto Lenzi, también conocida como "Make Them Die Slowly", de 1981]. Toda la mierda clásica de serie Z. Los 80 fueron un buen momento para las películas de terror. Solíamos ir al Lyric Theatre de la calle 42.

Pete Shore: Los cines de Times Square y el Essex [Theatre], en Grand Street, programaban las peores películas, y algunas nos parecían geniales. A menudo emitían una triple sesión, la primera de un director conocido y dos más oscuras. Ahí es donde vimos "Unsane" (la película de 1982) de Dario Argento y de la que cogimos nuestro nombre. Mi momento favorito fue cuando fuimos a ver "Shogun Assassin" [de Robert Houston, 1980], una película que era una fusión de muchas otras [japonesas] basadas en Lobo Solitario y su Cachorro [de principios de los 70, dirigidas por Kenji Misumi y basadas en el manga]. Tenían la mayor cantidad de sangre que había visto nunca en una película.

Chris Spencer: Hacían películas gore sin recortar que no censuraban, y luego proyectaban el resultado a un público realmente volátil: gente que fumaba crack, que bebía mucho, que gritaba en el cine. Una mierda total. La entrada [costaba] 3.50 dólares y podías ver tres películas. Recuerdo a un tipo que, mientras estaba mirando la película, gritaba: “¡Mata a esa perra blanca! ¡Mata a esa perra blanca de una vez!" Pero también era mejor tener cuidado, a Pete casi le asaltan en los baños.

Pete Shore: Primero tenías que ir al menos con dos colegas. En cuanto entrabas al retrete, te asaltaba el olor a crack y marihuana, que estaba por todas partes. Si tenías que ir al baño, íbamos todos. Recuerdo que queríamos ir a ver la nueva versión de David Cronenberg de "La Mosca" [de 1986], y muchos conocidos nos echaron una mirada en la que se podía adivinar que estaban diciendo: "¿Se os ha ido la olla? ¿Os habéis vuelto jodidamente locos?" Creo que sí que estábamos jodidamente locos.

PKM: ¿Cómo influyeron esas películas en la banda?

Chris Spencer: Pete empezó a construir prótesis y efectos especiales sangrientos. Me enseñaba cómo hacer pulmones, moldes y escayolas de yeso. Para la portada de "Improvised Munitions" nos imaginamos una sola gota de sangre. Más tarde, para el álbum [homónimo], conseguimos la imagen del tipo en las vías [decapitado].

Pete Shore: Un amigo tenía otro amigo que trabajaba como fotógrafo de homicidios, y me pasó la foto años antes. Era tan perturbadora y desagradable como nuestra música, así que encajaba como un guante.

PKM: Regrabásteis algunas de las canciones de "Improvised Munitions" para vuestro álbum homónimo de 1991, editado por Matador. ¿Por qué estabáis decididos a seguir adelante?

Chris Spencer: En cierto modo, el hecho de no poder editar el primer disco nos benefició mucho, porque nos dio tiempo para hacer una gira. Publicamos un montón de singles. Y seguimos evolucionando. Nos dio un poco más de espacio para saber cómo queríamos abordar nuestro primer disco. "Improvised Munitions" era muy crudo.

Pete Shore: Lo que pasó con Ernie no nos pareció un completo revés. El trato con Matador llegó poco tiempo después, y simplemente avanzamos y no miramos hacia atrás. Seguimos adelante porque nos encantaba tocar nuestra música.

PKM: La música se fue volviendo cada vez más dura. Pero ese elemento salvaje y espástico desapareció después de la muerte de Charlie, y mientras tanto, Unsane siguió adelante. ¿Cómo crees que evolucionó vuestra música?

Chris Spencer: Con más riffs densos, se hizo más minimalista. Pasamos de la muralla de ruido a una mierda más densa.

PKM: Chris, tu banda actual, Human Impact, se aparta del camino transitado por Unsane. ¿Qué te ha hecho moverte en una dirección más matizada?

Chris Spencer: Al final de Unsane [en 2019], empecé a hacer ejercicios de calistenia todos los días. Y logré lo que quería. Así que ahora quiero probar otra cosa. Me gusta tener que concentrarme de verdad en las palabras, y se puede escuchar lo que digo, todo un cambio respecto a Unsane. Improviso un poco más con la guitarra, pero escogiendo los momentos. No tengo que estar tocando todo el rato, porque ya no estoy en un trío. Musicalmente, el grupo es más evolucionado.

PKM: Vuelves a mudarte a Nueva York. ¿Tienes algo que decir al respecto?

Chris Spencer: La ciudad ha sufrido una gentrificación masiva. Cuando paseo por ella me vienen a la mente algunas cosas que sucedieron en ciertos lugares, y ahora básicamente la ciudad se ha convertido en un centro comercial. Las corporaciones han ganado. De acuerdo. Nueva York es el sitio donde pasan las cosas. Pero sigue siendo un centro cultural mundial, todavía hay muchas mierdas por hacer y diferentes personas a las que les gusta experimentar.

PKM: Y tú nunca te has marchado, Pete.

Pete Shore: Todavía no he encontrado ningún otro lugar mejor, excepto por Los Palos, que es donde me gustaría vivir. Antes de la pandemia, Nueva York era un poco deprimente. Todos los días desaparecía algún lugar antiguo que me encantaba y al que reemplazaban por una tienda o algún bar o restaurante de mierda, y la ciudad parecía estar cada vez más gobernada por la riqueza. Pero la pandemia ha arrojado una llave inglesa en la maquinaria. Aquí en Queens se puede comprobar que han vuelto los graffiti, y algunos sitios parecen los mismos de los años 70. Los que nos hemos quedado, como yo, es de por vida. Y no tengo planes de marcharme a ninguna otra parte. Las cosas se han calmado un poco, pero solo por un tiempo, definitivamente la ciudad está empezando a parecer el Salvaje Oeste de nuevo. Tal vez en estos tiempos de mierda, se haga música o arte novedoso y genial. Ciertamente espero que sea así.

PKM: ¿Ahora estás menos cabreado?

Chris Spencer: Me encanta el impacto crudo de Unsane. Pero, en cierto modo, me digo: "¿Cuál es la idea detrás de tanto cabreo? De esa forma estoy jodiendo mi vida". Prefiero hacer algo que me parezca genial, pero no perder todo mi tiempo en ello. La vida es demasiado corta como para gastarla siempre cabreado.

martes, 26 de febrero de 2019

ENTREVISTA CON BASSHOLES (2005)

Entrevista con Bassholes en la web Freakout (2005). Traducción: Frog2000.

Vuelven después de siete años de ausencia, sin saber cómo resistirse a la llamada del rock and roll. Y han lanzado su disco más nocturno y atmosférico. En realidad, los Bassholes, más que un grupo son una idea, un proyecto abierto con el objetivo de ser parte integral de esa tradición de rock and roll que, desde Elvis en adelante, nunca se ha detenido.

Hace diez años, en medio de la era del grunge, el dúo de Columbus, junto con un puñado de bandas (68 Comeback, Oblivians, Jon Spencer Blues Explosion, Chrome Cranks, Cheater Slicks, Dura Delinquent, etc.) revitalizó el sonido de raíces de forma poco ortodoxa y convencional. Combinando blues, country, bluegrass y rock'n'roll en clave minimalista y ruidosa, los Bassholes grabaron un puñado de discos memorables, desde "Haunted Hill" hasta "Long Way Blues", pasando por el doble "When My Blue Moon Turns Red Again", con el que en 1998 interrumpieron sus lanzamientos. Con "Bassholes", Don Howland y Bim Thomas ofrecen un álbum diferente, nocturno y atmosférico, lleno de aromas country y bluegrass, aunque no falto de sacudidas rítmicas. Pero cuando suben al escenario, los dos prefieren su lado más áspero y ruidoso.

Tus álbumes anteriores "Long Way Blues" y "When My Blue Moon Turns Red Again" salieron a la venta en 1998. ¿Qué has hecho en estos siete años de silencio discográfico? 

Me mudé a Carolina del Norte, en las montañas de la parte occidental del Estado, que es como vivir en una isla, porque estás lejos de todo. Por otro lado, Bim se mudó a Cleveland, por lo que estábamos a 600 millas de distancia. Edité un disco en solitario que suena esencialmente como una nota de suicidio, pero luego hubo un cambio favorable en mi vida. Bim y yo hemos realizado varias giras por la Costa Oeste y Europa en los últimos años, y hemos grabado un EP aquí, en Carolina del Norte, que editó Dead Canary con el título "Out In The Treetops".

El nuevo álbum de Bassholes parece ser tu trabajo más nocturno y atmosférico, además de que parece el mejor grabado. ¿Puedes decirme por que habéis editado un disco como este? 

Dead Canary nos ofreció la oportunidad de grabar en un gran estudio con un ingeniero de sonido maduro y experimentado. No hay razón para ocultar que habíamos cambiado, pero tampoco es que intentásemos tocar más o menos ruidosamente que en el pasado. Sencillamente, ambos somos más viejos, y creo que nuestro sonido se ha vuelto más maduro. Cuando creces te vuelves más sabio y más contemplativo. O más aburrido...

"Bassholes" tiene un listado de temas bastante largo, con 14 canciones. La mayoría son originales, pero también hay tres versiones, y dos de ellas son tradicionales que has reinventado. ¿Por qué elegiste rehacer esos tres temas: "Broke Down Engine" de Blind Willie McTell, "Caravan Man" de Lew Lewis y "Heaven & Hell" de the Who?

El tema de Blind Willie McTell proviene de los días de mi primera banda, Gibson Brothers. Siempre lo hemos tocado en directo, generalmente para acabar los conciertos. La gente en los lugares donde tocamos siempre la canta junto a nosotros, así que quería tener una buena versión grabada en el disco. "Caravan Man" de Lew Lewis es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, es el lado B de uno de sus primeros singles para Stiff. Espero que Lew pueda escucharla y apreciarla. Sé que pasó algunas épocas difíciles: robó en la oficina de correos a la que solía ir todos los días, por lo que lo reconocieron de inmediato y lo condenaron a toda velocidad. Puedo entender perfectamente su desesperación y su sensación de derrota. The Who era el grupo que más me gustaba en mi adolescencia, y quería honrar la memoria de John Entwistle con "Heaven and Hell". Espero que también pueda escucharla.

Sois un dúo, pero has llamado a varios músicos para tocar en el nuevo álbum. ¿Qué tal marcharon las sesiones de grabación de "Bassholes", cómo evolucionó el disco, qué tal con tus amigos entrando y saliendo del estudio?

Siempre hemos colaborado con amigos, que son músicos con más talento que yo, en las grabaciones de nuestros discos. Las sesiones siempre tienen algo que ver con la amistad y la camaradería. Jon Wahl de Clawhammer nos echó una mano en "Blue Moon", mientras que Derek Dicenzo ya había tocado la guitarra en "Long Way Blues". "Daughter" y "St. Matthew" son dos canciones que nacieron para tener arreglos de bluegrass, y esa fue la razón por la que las grabamos con ayuda de otros músicos. Después de todo, creo que un dúo puede ser aburrido en disco. Siempre me hubiese gustado tener a otro guitarrista en el escenario, pero creo que una banda de tres o cuatro personas puede ser una molestia. Además, si sois tres o cuatro, nunca ganaréis el dinero suficiente...
La mayoría de las nuevas canciones son bastante calmadas y atmosféricas, aunque no faltan los episodios más nerviosos. ¿Puedes decirme cómo nacieron y de qué hablan "Daughter", "Purple Noon" y "High Up In The Treetops", que considero las canciones más inspiradas del álbum?

"Daughter" no es más que una canción de amor para mi hija. Ha cambiado mi forma de ver las cosas por completo. En la canción hablo sobre un hombre sabio: es una referencia a Robert Crumb (historietista estadounidense muy famoso desde los años 60, nota del entrevistador). En cambio, "Purple Noon" se inspira en la novela de Patricia Highsmith "El talento de Mr. Ripley"; es el título de la versión francesa de la película. Highsmith, junto con Thomas Hardy, William Maxwell y Jim Thompson, es una de mis escritoras favoritas. Finalmente, "High Up In The Treetops" habla de mi mejor amiga cuando era niña. Ella era mi vecina y solíamos subirnos a un arce en nuestro jardín y nos quedábamos hablando durante horas. Un día se cayó del árbol y fue algo surrealista. Mientras se deslizaba hacia abajo, rompió muchas ramas, pero no le pasó nada.

También hay una canción llamada "Fascist Times". ¿Se refiere a los tiempos en que vivimos? 

"Fascist Times" trata sobre Bush y sobre cómo la teocracia fundamentalista cristiana lo está subvirtiendo todo en Estados Unidos. Me asusta en lo que se está convirtiendo América. Cristo se asustaría por lo que Bush está haciendo en su nombre. En la Biblia se le pregunta a Jesús tres veces cuáles son las formas de alcanzar el paraíso. La primera vez responde: "debes nacer de nuevo", la segunda dice: "debes ser como un niño", la tercera, en el Evangelio de Mateo, dice: "vende todo lo que posees y sígueme", una verdadera enseñanza budista. Los fundamentalistas cristianos de América reconocen solo la primera, la más simple, la más viable. Para mí no son cristianos en absoluto. Me repugnan. Bush me repugna. ¡Que se vaya a la mierda!

¿A quién se refiere "Hell´s Angel"? 

Es sobre una chica a la que nunca conoceré...

"Bridgett" es una especie de canción hipnótica / psicodélica. ¿Cómo se te ocurrió ese tema? 

"Bridgett" es una canción de amor para una Playmate del Playboy, que me parecía hermosa. Creo que fue Miss junio de 1975, pero igual me equivoco (de hecho, es Miss mayo de 1975, nota del entrevistador). Te recomiendo que visites el sitio web de Hiro's Cats Bekkan (web ya difunta) para ver las imágenes de archivo de las Playmates.

Recientemente has hecho una gira por Europa con Jeffrey Evans (ex-68´ Comeback y Gibson Brothers). ¿Cómo trancurrió y cómo fue la experiencia de compartir el escenario con él?

Fue como un viaje de ocho semanas en la carretera, muy duro desde el punto de vista físico. Jeff es un buen amigo mío y una gran persona, pero no logró superar la parte física de la gira. Fue algo triste verlo tan gordo. Le deseo todo lo mejor, pero la dieta Atkins que estaba utilizando no funcionó y creo que debería haberlo entendido. Tocar con Jeff fue como volver a los viejos tiempos en Gibson Brothers, divertido y frustrante al mismo tiempo. 

Te vi en un concierto en Roma y me pareció que vivías tu lado más áspero y punk en lugar del nocturno... 

No te equivocas: estar vivo es ser punk-rock.

¿Qué harán los Bassholes en el futuro? ¿Podemos considerar estable esta reunión?

Bim y yo siempre hemos dicho que seguiremos tocando hasta que nos muramos y no estoy seguro de cuándo lo haremos... Bim está a punto de licenciarse en la universidad y puede que se sienta obligado a buscar un trabajo de verdad, así que esto podría ralentizar nuestra actividad por un tiempo. No tengo ni idea de lo que pasará en el futuro. Acabo de perder mi trabajo como profesor, así que el suicidio podría ser una opción...

No creo que Bim y yo nos separemos y luego volvamos a juntarnos como si fuese una reunión de un viejo grupo. En realidad, los Bassholes son más una idea que una banda real.

En los últimos años los medios han prestado mucha atención al rock'n'roll. Hace diez años formabas parte de ese grupo de 'pioneros' que redescubrieron las raíces del rock'n'roll, el blues y el R&B tocando de una manera poco ortodoxa y convencional. ¿Qué piensas de este repentino interés en el rock'n'roll? ¿Es solo una moda o hay algo real detrás?

Creo que no hemos formado parte del último renacimiento del rock'n'roll ni del anterior. El rock'n'roll nunca se ha ido a ninguna parte, en el sentido de que siempre ha habido grupos que han mantenido la antorcha de r'n'r, blues y R & B. Flamin 'Groovies, Cramps, Gun Clubs, Panther Burns, Jon Spencer, Gories, White Stripes son parte de un continuo y estoy orgulloso de haber conocido a estas bandas musicalmente y, en varios casos, personalmente. 

Mi esperanza es que los Bassholes formen parte del renacimiento del rock and roll cuando suceda: ¿en 2011?

martes, 12 de febrero de 2019

HONEY´S DEAD, por Frog2000

Prefiero este disco a los demás de The Jesus and Mary Chain principalmente por siete razones: 

1-Fue el primero que escuché, lo que significa que lo primero que escuché del grupo fue la canción que para mí mejor lo define: "Reverence". En una cinta grabada. Con una voz que en aquel momento no descifraba, pero con un tono que me informaba de que lo que decía era importante, con guitarras ambientales y ruidosas que NO tapaban las bases electrónicas. Todo ello conspiró para que el resultado fuese "cool" de narices. 

2-Escuché "Honey´s Dead" con 18 años, que como bien sabe todo el mundo que ha llegado a cumplirlos es la significativa primera vez en la que te engañas y te crees que estás a punto de entrar en una fase importante de tu vida en la que va a trastocarse todo (perdonen la chorrada). Este disco reforzó esa sensación de abandono y de etapa de cambio importante. 

3-"Just Like Honey": la ruptura con el resto de canciones del primer disco también está aquí presente en espíritu, en alusión directa en el título "Honey´s Dead". A mí, que me chifla el punk sobre todo lo demás, en ese momento este disco me pareció un sofisticado perro verde que venía a añadirse sin pudor a una dieta (Sex Pistols, La Polla Records, Eskorbuto, Dictators, Black Flag) llena de mal café. Y qué bien encajó. Los temas deliberadamente dulces que Jesus and Mary Chain compusieron estaban revestidos de dureza y de belleza, y a mí, que lo que me tiraba era la velocidad y la mala hostia, me enseñaron a ser paciente y a aplaudir muchas obras de arte que no se basan en la inmediatez. 

4-"Sugar Ray": gracias a esta canción ligué con la hermana de un tipo al que sólo le gustaba el trash y el death-metal (a ella no le gustaba la música porque estaba obligada a escuchar en casa Slayer y Metallica a nivel de sordera 24/7 y supongo que para entonces ya la había cogido asco para siempre, a la música, digo), por lo que "Sugar Ray" tiene que tener algo de metal (que es lo que hizo que no quedase como un patán ante ella) en sus ingredientes a pesar de que para mí es bastante industrial-pop. Y su letra... radiografía tan bien el amor que no hace falta explicar más la canción:

"Darling you're so good
Oh if felt so good
Did you feel that heat
Did you feel the heat
Of my sugar ray
Sugar ray
I almost died
Died died died died
Come enjoy
All I want is you
All I want is you
All I want
Is you"

5-¿Es posible que los mejores grupos estén conectados de alguna forma con Einstürzende Neubauten? Es posible. Aquí los Jesus, lejos de versionearlos como hicieron Pussy Galore en su "Yü-Gung", directamente samplean segundos de "Tanz Debil" en su "Tumbledown" y se quedan tan anchos. Por favor, fíjate en ese taladro que ellos llaman "guitarra". 

6-Hablando de Pussy Galore, ¿sabes que Jesus and Mary Chain precipitaron la unión de Jon Spencer y Cristina Martinez? Ella era fotógrafa aficionada al rock extremo, él era cantante de rock extremo y se conocieron en 1985 en un show de TJ&MC. Jim Reid era fan del "Right Now!" y durante los ochenta se le pudo ver alguna vez en directo con una camiseta del grupo neoyorquino encima (una que pasa por ser la oficial del grupo.) "Honey´s Dead" es un disco del ´92, y siempre he pensado que bien puede ser su propio "Dial M´ for Motherfucker", porque igual tomaron buena nota de lo que se estaba haciendo en el rock underground americano, que a finales de los noventa estaba produciendo una biblia de la música tras otra. Porque Jesus and Mary Chain tienen tal control de lo que hacen en "Honey´s Dead", un sello personal macerado después de tres discos de investigación, que fueron capaces de imbricarlo todo en un disco único al que no le sobra ni una sola canción, ya que cada una de ellas forma parte del todo (el todo es el perfecto destilado llamado "Honey´s Dead"), usando sabiamente el ruido, el veneno, la diversión y el pop, la tristeza gótica y la locura romántica para compungir a cualquiera que se haya comprado el disco cada vez que lo pinche. Por eso, Honey´s Dead es el "Dial M´", el "Number One Chicken", el "Playing with Fire", el "Dirty", el "Things We Lost in the Fire", el "In On The Kill Taker" del grupo inglés. 

7-"Rollercoaster", la patada en el escroto a todo el rollo shoegaze. En aquella época era imposible hacer una cosa tan intensa sin copiar esta canción, que en directo incrementaba la potencia que tenía en estudio. Los únicos que les hacían sombra en UK eran Spacemen 3. Pero claro, estamos hablando de dos de los pocos grupos ingleses que viajaban años luz por delante del resto. Y muy buena la coda final titulada "Frequency" que te hace regresar al principio...

martes, 15 de mayo de 2018

THEORETICAL GIRLS

 El 13 de mayo falleció Glenn Branca con 69 años. Su legado, a veces inabarcable, otras ligeramente audible, la mayoría de ocasiones de escucha excitante, sigue expandiendo por sí solo la música en nuevas direcciones en este S. XXI que tanto necesita de lo viejo para poder hacer algo novedoso (ay, la imaginación...) Mi disco favorito de su ingente producción es "The Ascension" (1981), seguido muy de cerca por cualquier cosa que caiga en mis manos de Theoretical Girls. Intentando honrar su memoria, traduzco un extenso artículo (2002) de Dan Warburton que apareció en Paris Transatlantic Magazine a cuenta de una recopilación de Theoretical Girls (en Acute). 

Traducción: Frog2000

THEORETICAL GIRLS 

En el comunicado para la prensa de Acute [sub-sello de Carpark Records -Washington DC- especializado en rescatar punk, rock y post-punk] se indica: "Theoretical Girls puede ser el grupo más influyente que hayas escuchado nunca". Bueno, eso es discutible: yo votaría por la formación original de The Theatre of Eternal Music (a menos que tengas la suerte de poseer uno de esos horribles bootlegs), pero el finalmente reeditado álbum de Theoretical, perdido hace tiempo (o por lo menos en su mayor parte: ver a continuación), puede ser de interés para aquellos de nosotros que nos gusta mirar en el espejo retrovisor para ver de dónde venimos. En este caso, ahora la línea se puede rastrear claramente desde Theoretical Girls pasando por su guitarrista Glenn Branca hasta llegar a Sonic Youth (Moore y Ranaldo participaron en los ensambles de Branca).
Entre 1976 y 1978, el artista y poeta Phil Demise dirigió un espacio-loft en Chelsea apodado The Placenter, donde organizaba actuaciones de, entre otros, Bob Moses, Jerome Cooper, David van Tieghem, Jay Clayton, The Acme Band (más tarde The Breakfast Club) y numerosos poetas locales. Demise recuerda: "Jeffrey Lohn instaló las cañerías de mi loft y nos hicimos amigos. Glenn Branca acababa de llegar de Boston y empezó a acudir al sitio para pasar el rato, allí pudo ver los ensayos de mi banda, la N.DoDo Band. La idea de montarla fue consecuencia de mi arte / poesía y se sumergía por completo en el concepto "Todo El Mundo Es DoDo": todos formaban parte de la DoDo Band. Jeffrey tocó el violín eléctrico en varios conciertos, y fue entonces cuando conoció a Glenn. Los dos empezaron a tocar música y nos "pidieron prestado" a nuestro batería, Mike Anthol. El resto es historia".

Formada en esa época, Theoretical Girls estaba compuesta por Lohn a la voz, teclados y guitarra, Branca a la guitarra, Margaret Dewys (ahora compone y enseña en el Bard College) a los teclados y Wharton Tiers (quien posteriormente produjo a Swans, Dinosaur Jr y Sonic Youth en sus Fun City Studios) a la batería. Lohn dice que de las veinticinco canciones originales de la banda, tres cuartas partes fueron escritas por él y el resto por Branca. El nombre del grupo "surgió espontáneamente" en conversaciones con el artista Dan Graham (la canción "Theoretical Girls" llegó algo más tarde). Su primer concierto con Graham fue a finales de 1977 en el Franklin Furnace de Tribeca; la última fue en Max's Kansas City a principios de 1979. Branca afirma que solo ofrecieron dieciséis conciertos. ("Entre dieciséis y veintidós", recuerda Lohn).

No está claro quién acuñó el término "No Wave", pero el percusionista y autoridad de los Flying Luttenbachers en la escena No Wave, Weasel Walter, recuerda haber visto que se había utilizado en el New York Rocker para referirse al show en el Artist's Space de mayo del ´78 que eventualmente dio como resultado el influyente álbum producido por Brian Eno "No New York", donde aparecían canciones de DNA, Mars, Contortions y la banda de Lydia Lunch, Teenage Jesus and the Jerks. "Se suele ver en muchas publicaciones que se acredita el término a Lydia", afirma. "Es certero, es brumoso, pero esa es su belleza. No es que necesariamente denote un estilo particular de hacer música, solo una cierta actitud nihilista hacia la deconstrucción de la música rock, algo puro y simple, un cierto nivel de fealdad y disonancia".
Según Weasel Walter: "en ese momenot había dos facciones de las así denominadas bandas No Wave. Las bandas de "No New York" estaban enraizadas principalmente en el East Village, mientras que la actividad de otras bandas menos documentadas como Theoretical Girls, Gynecologists (y varios actos más de Rhys Chatham) ), Tone Death, Red Transistor, Arsenal, Youth In Asia, Boris Police band estaba localizada cerca del Soho / West Village. La actitud de las bandas del East Village era que eran más "callejeros" y que los de la parte oeste eran todos pretenciosos artistas. Se suponía que en "No New York" iban a aparece más bandas, pero alguien del lado este le dijo a Eno que no las incluyera". La versión de la historia de Glenn Branca confirma la hipótesis de Walter: "Se referían a nosotros como "la quinta banda del disco No New York". Supuestamente, en el álbum iban a aparecer diez bandas con dos cortes cada una. De esa forma se hubiera involucrado a todos en la escena. Creo que cuando Eno se juntó con las bandas del East Village, lo convencieron de que ellos eran la "verdadera" No Wave. Así que tuvieron toda su atención. Hasta donde sé, ninguno de nosotros llegó a conocerle". Branca también afirma que Theoretical Girls atrajo exponencialmente más multitudes a sus conciertos que Teenage Jesus. "No sé si eso que dice Glenn de que fuimos más populares que ellos es cierto", comenta Weasel Walter: "A finales del ´78 y principios del ´79, los Contortions eran una banda extremadamente buena para los clubes. En varios artículos sobre la escena del New York Rocker solían agrupar a todas estas bandas como parte de un movimiento, pero finalmente las bandas de "No New York" terminaron por eclipsar al resto. Creo que es difícil dilucidar cuál fue el impacto real de Theoretical Girls. Musicalmente eran bastante eclécticos. Por supuesto, Branca es el miembro más famoso del grupo y todos sabemos lo que ha hecho en su carrera posterior".
Alrededor de 1978, Lohn empezó a organizar conciertos en su loft de la 33 Grand St. (en la esquina de Grand y Thompson, un manzana al suroeste de West Broadway y Broome), el más elaborado de los cuales fue: "Temas cortos / Música eléctrica / Performance / Cine", donde participaron Laurie Anderson, John Lurie, Glenn Branca, Adele Bertei, los cineastas Scott y Beth B., Mark Abbot, Lohn y Rhys Chatham (a quien Lohn invitó a tocar con Theoretical para "una interpretación o dos de "Computer Dating". El guitarrista tocó una parte de guitarra compuesta por mí"). Parece que Brian Eno estaba interesado en Theoretical Girls, pero Lohn no estaba interesado en Eno, porque encontraba su obra "aburrida y pretenciosa". Admite no haber tenido ningún interés en The Velvet Underground, Suicide, Talking Heads, Phil Glass y en bandas alemanas como Neu!, todas los cuales podrían venir a la mente al escuchar el material de Theoretical Girls. De hecho, Lohn, que se especializó en inglés y música, enumera entre sus influencias la música clásica, desde el canto gregoriano a John Adams ("algunas de sus cosas") y algunas otras más, con "una afinidad especial por la increíble brillantez rítmica, contra-puntística y armónica de la obra coral y orquestal de Haydn." (También es un gran fan del jazz, la música latina y étnica. De hecho, de todo, excepto del rock", "excepto por algunas cosas tempranas como Little Richard, y una actuación en directo de Dead Boys en el CBGBs que me estimuló para comenzar a mezclar punk-rock con ideas y técnicas de música clásica"). El artista también identifica claramente la influencia de Bach (en "Polytonal") y Beethoven ("en los cambios armónicos y de voz (contrapunteados) de" Computer Dating" y "Lovin in the Red"). Por su parte, a Branca le encantaba Suicide, pero no le gustaba ninguna de las bandas euro-hippies. Estaba más interesado en Henry Cow y Matching Mole. "Tanto Jeff como yo estábamos muy interesados ​​en los minimalistas". 
Las únicas canciones que Theoretical Girls llegaron a grabar en un verdadero estudio (un estudio de 8 pistas "de bajo presupuesto" en el Greenwich Village, cuyo nombre Branca y Lohn han olvidado) fueron "US Millie", de Lohn, y "Computer Dating" y "You Got Me" y "Jill", de Branca. (Para el single de 7", Branca eligió "You Got Me" y Lohn seleccionó "US Millie".) Varios temas ("Nato", "No More Sex", la segunda versión de "Computer Dating" y una de las versiones de "Lovin in the Red") las grabó el grupo y algunos amigos en un 4 pistas en varios conciertos en espacios artísticos de Nueva York como The Kitchen, Art Space, The Experimental Intermedia Foundation (NYC) de Phil Niblock, y en un concierto benéfico para la revista "X" en el East Village, así como en clubes como Hurrahs, CBGB's, Max's Kansas City, Tier 3 (en Tribeca) y La Vitrine pour l'Art Actuel en París. "Teníamos la intención de publicar este disco hace muchos años, alrededor de 1984, aunque el orden de las canciones sería diferente", recuerda Lohn. "Se suponía que lo iba a editar Daisy o Neutral (no recuerdo cuál). El máster ya estaba realizado y listo para enviarse al fabricante cuando de repente Glenn rehusó que apareciese alguna de sus canciones en el disco. Decidí cancelar todo el proyecto en lugar de editarlo solo con mi material. Estaba ocupado con otras cosas, así que simplemente me olvidé de ello". Lohn se sorprendió mucho cuando posteriormente Branca editó las canciones que había escrito para Theoretical Girls en su álbum para Atavistic "Songs '77-79". "Lo hizo sin mi conocimiento y permiso, porque yo había tocado el teclado, el bajo o la guitarra en todas sus canciones", recuerda Lohn. (De manera similar, Branca parece desconocer el lanzamiento del álbum de Acute: "Sé muy poco sobre ese CD. Jeff no ha contactado conmigo para charlar al respecto. Ni siquiera sabía que había salido"). No sabemos si Branca decidió no permitir el lanzamiento original del álbum de Girls porque pensaba que se descubriría que el trabajo de Lohn, especialmente "Contrary Motion", "Electronic Angie" y "Computer Dating", podría llevar a acusaciones de que la obra de Branca era menos original de lo que realmente era. Cuando se le pregunta sobre el tema, simplemente responde: "Son mis canciones, tío. No se debería promocionar como un disco de las T-Girls". Aun así, los temas de Lohn antes mencionados parecen apuntar bastante claramente en dirección a las sinfonías de guitarra de Branca, pero dado el estado actual de las relaciones entre Lohn y Branca, perseguir la pregunta de quién escribió aquello en lo que se convertiría más adelante solo llevaría a escuálidas y ásperas reclamaciones y demandas. 
Será mejor sentarse en su lugar y presionar el botón de PLAY. "Definitivamente, Theoretical Girls no son tan extravagantes como las otras bandas más conocidas", escribe Weasel Walter. "Tienen sus momentos tangenciales de ruido, pero también una evidente sensibilidad pop / rock que las bandas de "No New York" evitaron deliberadamente". La letra de "Computer Dating" -erróneamente marcada como la pista tres, aunque de hecho es la segunda, y la segunda es la pista 18, no la 19- podría provenir directamente de Laurie Anderson ("¿Cuánto tiempo pasas sola? / ¿Te gustan realmente los niños y las mascotas?"), y sus líneas de guitarra en constante aumento y los patrones arpegiados del teclado la colocan claramente en el lado de la escena del West Village tal y como se describía un poco más arriba. Lohn está orgulloso de los barrocos tejidos contra-puntísticos de "Polytonal" y "Lovin in the Red". Se incluyen dos versiones, la primera es la pista cinco y no la segunda. También un favorito personal "por la forma en la que el órgano y la guitarra trabajan juntas: los fraseos de la primera sección son muy "clásicos", ¡pero me parecen sexys y molan mucho!" El tema "Theoretical Girls" (del que se incluyen dos versiones, una en directo) no tiene otra letra más que su título y la clásica cuenta regresiva "1-2-3-4", una simple señal métrica elevada a material musical (una especie de análogo al tema de Ligeti para 100 metrónomos).
De hecho, en las pocas ocasiones en que consiguieron una grabación más clara ("No More Sex"), el grupo suena más cercano al rock convencional que otros contemporáneos de la No Wave como Mars o DNA. La contundente letra de "Mom & Dad" ("Ella me dijo que cuando cumplí 11 años, la vida estaba vacía, todo está en el cielo / Cuando supe lo que era empalmarse, me dijeron que el sexo era algo enfermizo / Enfermo y feo"...) está bellamente compensada por un riff de teclado pegadizo. A pesar de una rugosidad superficial resaltada por la ausencia de graves, "Europe Man" es una canción directamente aplastante, como también lo es "Nato", mientras que "US Millie", con esos patrones de batería militarizada de Tiers y la letra de Lohn es puro pop. Puede que a Lohn no le gustaran los Talking Heads, pero es fácil imaginar a David Byrne trotando entre frases como: "Sitting on the beach with your ping pong peach"; en completo contraste, nunca podría haber inventado algo como "Electronic Angie" o la primera versión de "Chicita Bonita", el corte más largo del álbum (de 5'35"), que muestra cómo eran los Girls cuando se ponían tensos, con guitarras salvajes, desagradables clusters de teclado y voces gruñonas. Los cortes en directo son ásperos y cercanos al rocks: en "Angie" Lohn toca el bajo y lo golpea hasta la muerte, en "Keyboard Etude" (una pista deliciosamente irregular grabada en Tier 3 con Mike Anthol) maneja un órgano Farfisa y en "Parlez-vous français", canción seleccionada del concierto que dieron los Girls en París), entona en un francés notablemente bueno sobre un charco de fango gris.
"Las Theoretical Girls participaron en el mismo género emergente en el que militaron Contortions y Teenage Jesus, pero no se acercaron tanto al estilo como esas bandas", recuerda Phil Demise. "Tenían muchos seguidores, y su presencia en la escena era bien conocida, pero su aparición pública era mínima, lo cuál sumaba a su mística. Se convirtieron en alegorías simbólicas de la fusión de arte, música y actuación. Me encantaban, ¡eran el verdadero Art Brut!"

Quiero dar las gracias por su ayuda en la investigación y revisión de este artículo a: Jeffrey Lohn, Glenn Branca, Wharton Tiers, Weasel Walter, Phil Demise, Dan Selzer, Marie Warburton.

lunes, 23 de abril de 2018

METAL MIKE´S DEMOS

1-Staring at the sun
2-Nowhere World
3-Train of losers
4-The American Way
5-Road to Nowhere
6-Garbage Pìt
7-STP Not LSD
8-A million eyes
9-Nothing Kind
10-World of broken hearts
11-Radiation
12-16 Tons of pot
13-Do want my love
14-Motorbike Baby

AQUÍ.

lunes, 26 de febrero de 2018

THE PLEASURE FUCKERS - LOUD, LUBED & LIVE

The Pleasure Fuckers ‎- Loud, Lubed & Live
(Imposible Records, 1989)

A1-Pain

A2-Slumlord
A3-No More Of My Love
A4-(My Baby Stole) Satan's Wheels
A5-Sleeping In The Morning
B1-Pleasure Fuckers
B2-Amanda
B3/B4/5 (same track) The Saint/ I Wanna Be Your Dog/ Hang Up

AQUI.


Reseña llena de pullas de Dr. Rawk del "Loud, Lubed and Live" (Imposible-Record Runner) de The Pleasure Fuckers en Ruta 66 número 43 (1989).

"Cuesta hacerse a la idea. Todos conocemos las cualidades explosivas de Don Enrique Vitoria, alias Kike Turmix, como pinchadiscos machaca-tímpanos de la noche madrileña. También sabemos de su peso específico, nunca mejor dicho, como virus letal enquistado en el oportunismo centralista de la escena musical de Madriz y alrededores. Y hemos presenciado más de una actuación espontánea, como invitado o no de otros grupos (¿víctimas?), en la que el amigo Kike ha ejercido de tonel-de-güisqui-segoviano vociferante ante un público pasmado por lo rotundo de su humanidad. Pero, la verdad, descubrirlo al frente de uno de los más cacareados nuevos grupos de la capital, bueno, hace que uno se estremezca aterrado ante la perspectiva de tener que asistir desde primera fila a la carrera de Turmix como estrella del hard-rock underground nacional. 

Es del dominio público que Vitoria no es Luciano Pavarotti. Como es natural, ha preferido alistarse en la legión extranjera formada por los cien mil hijos de Rob Younger. Y lo cierto es que la banda que le acompaña (¿o es a la inversa?) dispone del voltaje necesario como para sostenerle de aquí a Detroit. Mike, Nora, José y Miguel Angel, los Folladores Por Placer, escupen una bola de fuego imparable sobre la que el campeón de los pesos pesados puede acometer mil y una atrocidades vocales al tiempo que se deja llevar por su conocida glotonería musical. No vale la pena reseñar títulos concretos, sólo adelantaré que la mayor parte de su primer LP son temas propios (salvo el ya sobadísimo "I wanna be your dog" de Iggy y un par de versiones más). Y que, sin ser Rob Tyner ni Bon Scott, Kike por lo menos da la cara. Que es mucha. 

Los Pleasure Fuckers me parecen un grupo más anecdótico que esencial, de directo más que de disco, de ponerse hasta el culo de speed y cerveza. Pero, tomado como otro eslabón más en la carrera de Turmix para aniquilar el babosismo remanente de la escena rock nacional, tiene sentido. Déjate aplastar por ellos."

lunes, 2 de octubre de 2017

viernes, 4 de agosto de 2017

TEENAGE TREATS VOLUME 10

Various ‎- Teenage Treats Vol. 10
(Xerox, 1999)

A1-Cheeky - Don't Mess Around
A2-Disco Zombies - Top Of The Pops
A3-Fulham Furies - These Boots Are Made For Walkin
A4-Jeep - Wild Rover
A5-Tunnelrunners - Colours
A6-White Car - Cinema Girl
B1-Funboy Five - Life After Death
B2-Thin Yoghurts - Girl On The Bus
B3-Merciful Release All-Stars - Esther's Not On The Phone
B4-Telegents - Get Out
B5-AD' 80 - The Sound Of London Town
B6-Bozos - Weekend Girl

AQUI.

viernes, 28 de julio de 2017

TEENAGE TREATS VOLUME 9

Various -– Teenage Treats Vol. 9
(Xerox, 2000)

A1-Sneeky Feelin's - Private Mail
A2The Donkeys - Listen To Your Radio
A3-Ghosts - My Town
A4-The Brakes - The Way I See It
A5-The Disco Students - South Africa House
A6-The Stingrays - Exceptions
B1-The Collectors - Talking Hands
B2-Robert And The Remoulds - X No. 1
B3-Drop - He Doesn't Know He's A Trendy
B4-The Toys - Blanket To Blanket
B5-The Reasons - Hard Day At The Office
B6-The Spasms - It Never Happens Like It Does On The Telly

martes, 18 de julio de 2017

TEENAGE TREATS VOLUME 8

Various - Teenage Treats Vol. 8
(Xerox, 1999)

A1-Razar - Ascension Day
A2-Dalex - Juvenile
A3-Xtract - Blame It On The Youth
A4-Charge - Rather B. Crazy
A5-White SS - I'm The One
A6-Those Intrinsic Intellectuals - Radio Iceland
B1-The Demons - Action By Example
B2-Oscillators - Marilyn Brown
B3-Mad Dog - Someone Here Must Like Me
B4-Deranged - Factory Girl
B5-The Arnold - Walking The Tightrope
B6-Two Fingered Approach - World War Album

AQUI.

viernes, 23 de junio de 2017

DUM DUM BOYS - LOST TAPES VOL. 3

Early years.

1-Intro + King of Punk (1985)
2-Sister Ray (1985)
3-Too Much on My Mind (1986)
4-You're Gonna Miss Me (1986)
5-Tell Me (1986)
6-Here She Comes Again (1986)
7-What Goes On (1986)
8-Train Kept a Rollin' (1987)
9-Goodbye Darlin' / Juke Box Baby (1989)
10-Rave Up / Goodbye Darlin' (1989)
11-Real Cool Trash (1989)
12-Here She Comes Now (1989)
13-Ghost Rider (1990)
14-Sister Ray / Juke Box Baby / Bangkok (1991)

AQUI.

jueves, 22 de junio de 2017

DUM DUM BOYS - LOST TAPES VOL. 2

1-Lady Godiva's Operation (Nice 92) 
2-Run Run Run (Riom 92) 
3-Some Kinda Love (Colmar 92) 
4-Venus in Furs (Bilbao 92) 
5-Fallin' Down (Lyon 88) 
6-In My Heart (Lyon 88) 
7-Sound of Confusion (Lyon 88)
8-Rave Up (Lyon 88)
9-Uptight (Lyon 88) 
10-No Man's Land (Bordeaux 93) 
11-Dreamland (Bordeaux 93) 
12-Elevator (Bordeaux 93)
13-Walkin' in My Head (Nice 93) 
14-Pablo Picasso in My Heart (Nice 91)

AQUI.

martes, 20 de junio de 2017

DUM DUM BOYS - LOST TAPES VOL. 1

Dum Dum Boys - Lost Tapes Vol 1
(Los Marlucos Records, 2005)

1-Everything's Gonna Be Alright
2-Tomorrow Belong To Me
3-Dreamland
4-Rise
5-Baby Oh Baby
6-Pablo Picasso [Part 2]
7-Elevator
8-In A Cotton Candy World
9-Comin' Down For The Second Time
10-Sound Of Confusion
Recorded May 2004, Euskadi

AQUI.

martes, 13 de junio de 2017

RAT MUSIC FOR RAT PEOPLE VOL. 3

Various - Rat Music For Rat People Vol. lll
(CD Presents, Ltd., 1987)

A1-D.I. - Ballroom Blitz
A2-D.I. - Going To Lebanon
A3-Corrosion Of Conformity - Bound
A4-Doggy Style - Janitor Man
A5-Raw Power - We Shall Overcome
A6-Attitude - Big Time
A7-Naked Raygun - Rocks Of Sweden
A8-Verbal Abuse - Fun Fun Fun (With My Machine Gun)
B1-Mojo Nixon & Skid Roper - I Ain't Gonna Piss In No Jar
B2-White Flag - Loaded
B3-White Flag - Kitchen Disaster
B4-Sacrilege - Party With God
B5-Adrenalin O.D. - Sightseeing
B6-Frontline - Survive
B7-Adolescents - All Day And All Of The Night

AQUI.

NUEVA YORK EN EL DAREDEVIL DE FRANK MILLER

"Investigué mucho para hacer un buen trabajo. Si me pedían que dibujara una cascada, iba hasta una y la dibujaba. Esto es algo que a...